Spector Books

Tobias Zielony:

Trona. Armpit of America

»Es kann auch sein, dass der Junge die Billardkugel nur so hält wie einen Dartpfeil. Es kann sein, dass er sie gar nicht werfen will, sondern nur anschielen. Und es kann sein, dass er das schon seit vielen, vielen Stunden tut. Leute, die auf dem gleichen Zeug sind wie er, sind auch imstande, mehrere Stunden am Stück an ihren Pickeln herumzudrücken, von denen sie allerdings oft auch beträchtliche Mengen haben. Wenn man nämlich ganz genau hinschaut, auf dem Foto von Tobias Zielony, dann kann man zwischen dem Ring mit den Brillies und der Kugel mit der Dreizehn das debile, greisenhafte Grinsen eines Jürgen-Vogel-Gebisses erkennen. Schwer zu sagen, ob man die Serie ›Trona-Armpit of America‹ wegen solcher Momente umwerfend beängstigend oder schon beängstigend umwerfend nennen muss. Der Berliner Fotograf ist in das heruntergekommene kalifornische Chemienest Trona gegangen, weil es ›possibly the worst place in America, if not the world‹ sei, wie es in einem Weblog hieß; und seine Bilder zeigen eine ganze Kleinstadt in der Hand von Produzenten, Dealern und Konsumenten eines kristallinen Stoffes, die die Leute tagelang auf Trab hält und innerhalb von Monaten um Jahrzehnte altern lässt. Chemiker nennen ihn Methamphetamin, die Süchtigen ›Crystal‹ oder ›Meth‹ oder beides, und die Drogenpolitker eine neue amerikanische Epidemie.« Peter Richter in der Frankfurter Allgemeinen Sonntagszeitung

»Berlin-based photographer Tobias Zielony has visited the small, ramshackle Californian chemistry city because it is ›possibly the worst place in America, if not the world‹, to quote a blog; his pictures show a small town entirely in the grasp of producers, dealers and consumers of a crystalline drug that keeps people on their toes for days and lets them age decades in the course of a mere few months. Chemists call it methamphetamine, addicts call it ›crystal‹, or ›meth‹, or both; politicians call it the new American pandemic.« Peter Richter in Frankfurter Allgemeine Sonntagszeitung

• 32 pp, English, (24 pp of colour photographs), 21 x 30.5 cm
• Design: Pascal Storz
• Leipzig 2008
• Gewicht: 135 g
• ISBN: 978-3-940064-00-4
• 14.00 €
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The first 3 years of Ludlow 38

Ludlow 38 is the downtown satellite for contemporary art of the Goethe-Institut New York. The space was opened on the Lower East Side in February 2008 and had been designed by artists Ethan Breckenridge and Liam Gillick. The gallery program was curated in collaboration with the Kunstverein München in the first, the European Kunsthalle Cologne in the second and the Künstlerhaus Stuttgart in the third year. After Stefan Kalmár the german curator Tobi Maier became the second father of Ludlow 38 in 2009 and the first curatorial resident of MINI/Goethe-Institut Curatorial Residencies Ludlow in 2011. „The first 3 years of Ludlow 38“ represents the program at Ludlow 38 with international artists like Friedl Kubelka, Ferdinand Kriwet, Michaela Melián and Andreas Neumeister, the last two also published by Spector Books.

• 236 pp., English, sewn paperback, 13.4 x 21.1 cm
• Design: Anne Callahan and Brendan Dalton
• Eds. Tobi Maier and Antonia Lotz with Stefan Kalmár, Daniel Pies, Rike Frank, Anders Kreuger, Astrid Wege, Axel J. Wieder
• Spector Books Leipzig/ Goethe-Institut New York 2011
• Gewicht: 400 g
• ISBN: 978-3-940064-31-8
• 14.00 €
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Sebastian Stumpf:

a way

Mit einem Essay von Florian Ebner/ With an essay by Florian Ebner

"Etwas Modellhaftes ist manchen der 'weißen Räume' zu eigen, die Sebastian Stumpf auf seine Weise verlässt. Das Modellhafte kehrt in seinen Aktionen im urbanen Raum zurück, oftmals sind moderne Reißbrettarchitekturen der Ort seiner Interventionen. Stumpfs Ausflüge in die funktionalistische Architektur unserer Tage oder in urbanistische Höhenflüge der Moderne, wie das Londoner Barbican Center in der Serie 'Highwalk', sind ebenfalls im besten Sinne 'ortsbezogene' Arbeiten - er reagiert und greift in diese Architektur ein, doch übersetzt er seine Intervention ganz ins Bild. In der Zusammenschau dieser Arbeiten, sei es in Form von Ausstellungen oder auch in der Bildstrecke dieses Buches, entsteht der öffentliche Raum nicht als urbanes Kontinuum, das der Künstler durchstreift, sondern als eine Folge von 'Einstellungen'. Sie sind präzise Kamera-Kadragen, in denen der Künstler plötzlich auftaucht und wieder verschwindet, sei es hinter Säulen und Mauern, hinter sich verschließenden Toren von Tiefgaragen oder in den dunklen Tiefen der Flüsse, in die er hineinspringt. Oder aber er verharrt im Bild, in den fragilen Kronen jünger Bäume sitzend, oder fotografisch eingefroren im Sprung über das Geländer von Brücken und Passerellen." (Ausschnitt aus dem Essay von Florian Ebner)

„There is something model-like about many of the 'white spaces' that Sebastian Stumpf exits in a unique manner. This model-like quality re-emerges in the urban spaces in which he carries out his interventions, as he often prefers to work in locations of modern-ready-made architecture. Stumpf's excursion into the functionalistic structures of our age or modernistic urban fantasies – including the London Barbican Centre in the Highwalk series – are also 'site-related' works in the best sense of the word. Here the artist reacts to and intervenes in the architecture, finally translating this intervention into an image.“ (Taken from the essay by Florian Ebner)

• 152 Seiten/ 152 pages, German, English, 24.9 x 32.5 cm
• Gestaltung/ Design: Nicola Reiter
• Herausgegeben von Florian Ebner, Erich Schneider/ Edited by Florian Ebner, Erich Schneider
• Leipzig/ Kunsthalle Schweinfurt 2011
• Gewicht: 930 g
• ISBN: 978-940064-30-1
• 32.00 €
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Ricarda Roggan:

SET RESET EXITS SEDIMENTS

SET RESET EXITS SEDIMENTS stellt vier Serien vor, die Ricarda Roggan zwischen 2008 und 2011 auf Zypern fotografiert hat. Auf den ersten Blick scheint die Bildgruppen wenig zu verbinden. SET: eine abstrakte Raumkonstruktion, ein Raum-in-Raum aus Folien. RESET: sieben großformatige Farbfaufnahmen von alten Videospielautomaten, verstaubte Objekte aus einer Zeit, da die virtuelle Entertainmentkultur noch in den Kinderschuhen steckte. EXITS: dunkle Vierecke im hellen Kalkstein – Höhlenausgänge, die von Menschhand in den Fels getriebenen wurden. SEDIMENTS: verwitterte Geröllfelder, archäologische Ausgrabungsorte, Steinbrüche, Baugruben – Kalksteinwände, festgehalten in fein graduierten, großen schwarz-weiß Aufnahmen. Widmet man sich den Fotografien in Ruhe, so wird einmal mehr deutlich, wie sehr das ästhetische Interesse Ricarda Roggans über die einzelne Serie hinausreicht: durch die Montage der vier Bildgruppen entsteht ein Geflecht bewusster und unbewusster Paralellismen, gleichförmige und spiegelbildliche Widerholungen visueller Strukturen und Gegenstandsrelationen, die die kühl konstruierten Bildgruppen in ihrer Summe zu einer lebendigen, poetischen Artikulation machen.

• 64 Seiten, 21.1 x 31.9 cm
• Gestaltung: Helmut Völter
• Leipzig 2011 2011
• Gewicht: 400 g
• ISBN: 978-3-940064-26-4
• 22.00 €
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Clemens von Wedemeyer:

Seven Films

„Seven Films“ versammelt sieben Filme von Clemens von Wedemeyer, die von 2001 bis 2008 entstanden sind – zwei davon gemeinsam mit Maya Schweizer (Metropolis, Report from China und Rien du tout). Die Publikation überträgt eine Reihe der filmischen Arbeiten von Clemens von Wedemeyer in das Medium Buch. Jede Produktion ist durch eine schwarze Seite – im Film wäre es das Schwarzbild – getrennt. „Seven Films“ vermittelt einen Einblick in die konzeptuellen Überlegungen des Künstlers, die meist um das Medium selbst kreisen wie in Occupation, wo er die Inszenierung von Massenszenen im Film unter die Lupe nimmt und in ein neues Arrangement einer Massenszene münden lässt. Als Referenzpunkt benutzt er dabei das Kino selbst.

"Das knappe Jahrzehnt seines Filmschaffens stellt vor allem eine Untersuchung der Geschichte des Mediums dar und gleichzeitig des filmischen Denkens, der Interpretation dieser Geschichte von einem theoretischen Standpunkt aus. Seine Arbeiten spielen mit dem Repertoire cinematografischer Formate, Genres und Sprachen, um einen kritischen Raum für seine Entscheidungen als Regisseur und die möglichen Perspektiven zu schaffen, die von den Zuschauern vor der Leinwand selbst eingenommen werden können."
Manuel Segade in dem Buch

„Seven Films“ collects seven films Clemens von Wedemeyer made between 2001 and 2008 - two of them in collaboration with Maya Schweizer (Metropolis, Report from China and Rien du tout). The publication translates a series of his film works into the medium of the book. Each production is separated by a black page - the filmic equivalent would be black frames. “Seven Films” offers an insight into the conceptual deliberations of the artist which mostly revolve around the medium itself, as in “Occupation” in which his examination of the staging of crowd scenes leads to a reconfiguration of such a scene. As a reference point he employs the cinema itself. As the Spanish theoretician Manuel Segade writes in his essay about Clemens von Wedemayer: „The decade of his film-making constitutes a study of the history of the medium and, simultaneously, a study of film thought, of how this history has been interpreted from a theoretical point of view. His work plays with the repertoire of cinematographic formats, genres and languages in order to provide a critical space for his decisions as a director and the possible positions that can be adopted by the spectators facing the screen itself.“

• 132 Seiten, Englisch, Spanisch, 18.2 x 26.2 cm
• Gestaltung: Till Gathmann
• Leipzig 2008
• Gewicht: 565 g
• ISBN: 978-84-453-4818-5
• 24.00 €
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Helmut Völter:

Wolkenstudien. Cloud Studies. Études des nuages

Text: Helmut Völter, Marcel Beyer

Wolken sind flüchtige Gebilde – sie zu fixieren, um ihre Formen richtig einteilen, benennen und lesen zu können, galt den Meteorologen des 19. und frühen 20. Jahrhunderts als wichtige Etappe, um die Geheimnisse der Atmosphäre besser zu verstehen. Das damals noch junge Medium Fotografie bot den Wissenschaftlern völlig neuartige Darstellungsmöglichkeiten. Mit der Kamera machten sie präzise und naturgetreue Bilder, die Aufschluss über das Zusammenspiel von Wolken und Atmosphäre gaben. Helmut Völters ›Wolkenstudien‹ zeigt sechs Stationen der wissenschaftlichen Wolkenfotografie – von ihren Anfängen in den 1880er Jahren bis zu den Aufnahmen der ersten Wettersatelliten in den 1960er Jahren. Jede der sechs Positionen steht für eine eigene wissenschaftliche und fotografische Sichtweise auf Wolken.

Mit einem Essay von Marcel Beyer; Fotografien von Albert Riggenbach, Ralph Abercromby, anonymen Piloten des Ersten Weltkriegs, Ferdinand Quénisset, Philippe Schereschewsky, Philippe Wehrlé, Masanao Abe, den Tiros-Wettersatelliten; sowie Textauszügen von Jean Baptiste Lamarck, Luke Howard, Johann Wolfgang Goethe, John Ruskin, Gerard Manley Hopkins, William Clement Ley und weiteren.

“Clouds are fleeting entities – studying them so as to correctly classify, name and read their forms was considered in the 19th and early 20th centuries an important step in coming to understand the secrets of the atmosphere. In its early stages photography offered scientists completely new ways of depicting clouds. They used cameras to make precise, lifelike images, which provided in turn insights into the interaction of clouds and the atmosphere. Helmut Völter's Cloud Studies presents six different stations of scientific cloud photography, from its beginnings in the 1880s to the images made by the first weather satellites in the 1960s. Each of the six chapters represents a very different scientific and photographic perspective of clouds.”

With an essay by Marcel Beyer; photographs by Albert Riggenbach, Ralph Abercromby, anonymous pilots of World War I, Ferdinand Quénisset, Philippe Schereschewsky, Philippe Wehrlé, Masanao Abe and the Tiros weather satellites; and excerpts from works by Jean Baptiste Lamarck, Luke Howard, Johann Wolfgang Goethe, John Ruskin, Gerard Manley Hopkins, William Clement Ley and others.

»Es ist ein Bildessay, der an das Fundament von Philosophie und Wissenschaft führt, zu der Frage nämlich wie Erkenntnis überhaupt möglich sei. Wer jetzt befürchtet, es müsse sich dann um eim eine trockene und schwierige Angelegenheit handeln, dem sei dieses Buch ausdrücklich empfohlen. Denn schöner und unterhaltsamer wurden erkenntnistheoretische Fragen selten behandelt als hier.«

Julia Voss in der Frankfurter Allgemeinen Zeitung

Eine Rezension bei fixpoetry.com

• Mit 132 Fotografien im Zweifarbdruck,
  272 Seiten, Deutsch, Englisch, Französisch/272 pp., 132 photographs. German, English, French, 20.5 x 27.5 cm
• Gestaltung: Helmut Völter
• Leipzig 2011
• Gewicht: 1050 g
• ISBN: 978-3-940064-99-8
• 38.00 €
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Andreas Neumeister:

Infanten

Text: Andreas Neumeister
Architektur: Peter Ottmann
Fotografie: Arthur Zalewski

Die Gegend um das ehemalige Heeresbekleidungsamt in München ist ein geschichtsträchtiges Areal. Bis heute erinneren Straßennamen wie Infanteriestraße und Schwere-Reiter-Straße an dessen einstige militärische Bedeutung. Andreas Neumeister thematisiert die Geschichte, Gegenwart und Zukunft des ehemaligen Münchner Kasernenviertels in einer Textmontage aus historischen Zitaten und Sprachpartikeln der heutigen Medienwelt. Infanten ist das eindrucksvolle Beispiel für eine Literatur, die ihren Ort auch jenseits des Buches hat. Die Architektur und der städtische Raum sind hier nicht allein Thema, sondern auch Medium.

Infanten entstand für einen Hochschulneubau innerhalb des historischen Architekturensembles des ehemaligen Heeresbekleidungsamtes in München, der 2009/10 nach Plänen des Architekt Peter Ottmann erbaut wurde.

The area surrounding the former uniform distribution centre in Munich is steeped in history. The local street names are a reminder of its past military significance until today. Andreas Neumeister explores the history, present and future of the former Munich barrack quarter in a montage of historical quotations and language particles of the modern media world. “Infanten” is the impressive example of a literature that has its place well beyond the confines of a book. Architecture and urban space are treated not just as subjects, they are a medium in their own right. “Infanten” was published on occasion of the construction of a new university building designed by Peter Ottmann, located within the architectural ensemble of the former uniform distribution centre in Munich.

• 192 Seiten, 192 pp., German/ English, 21.6 x 30.5 cm
• Design: Anna Lena von Helldorff [buero total]
• Leipzig 2011
• Gewicht: 1020 g
• ISBN: 978-3-940064-12-7
• 28.00 €
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bauhaus 2. Zeitschrift der Stiftung Bauhaus Dessau

Thema: Israel

Der Abopreis in Deutschland beträgt 15 Euro (inkl. Porto) für das Jahresabo (2 Hefte).

Das zweite Heft der Zeitschrift bauhaus

Die wichtigsten Architekten, die am Aufbau des Staates Israel beteiligt waren und dessen moderne Architektur entscheidend prägten, hatten am Dessauer Bauhaus gelernt. Einige von ihnen waren eigens zum Studium aus Palästina nach Deutschland gekommen, andere mussten Anfang der 1930er aus Nazideutschland emigrieren. In Israel waren sie – etwa beim Neuentwurf der berühmten Bezalel Academy in Jerusalem – als Pädagogen tätig, entwarfen Gebäude für die Kibbuzim, planten Städte oder, wie Arieh Sharon, gar die Besiedelung des ganzen Landes. Ihren Geschichten und den vielfältigen Nachwirkungen geht die Zeitschrift der Stiftung Bauhaus Dessau in ihrem aktuellen Heft nach. Dabei entsteht ein ganz neuer Blick auf den gewichtigen Einfluss des Bauhauses auf den Staat Israel.

Wir besuchten deutschstämmige Juden, die Jeckes, in ihren Wohnungen und fanden das Bauhaus im Wohnzimmer, wir sprachen mit dem „israelischen Obama“, dem Knesset-Abgeordneten Dov Khenin, und gingen der vermeintlichen Bauhausgeschichte Tel Avivs nach – die sich bei näherer Betrachtung als reine Fiktion erweist. Unweigerlich stießen wir dabei immer wieder auf die Problematik der Siedlungspolitik, in der Beschäftigung mit der lokalen Architektur ebenso wie in der Auseinandersetzung mit sozialen Fragen. Und wir entdeckten die schillernde Persönlichkeit des Selman Selmanagic, eines bosnischen Muslims, der in Palästina Bauhausmoderne für die Araber baute – nachdem er zuvor im Büro des jüdischen Architekten Richard Kauffmann gearbeitet hatte.

Zu den Autoren der aktuellen Ausgabe gehören der streitbare israelische Architekt und Publizist Sharon Rotbard, der diesjährige Bauhaus-Fellow Zvi Efrat, der Architekt Joachim Trezib von der Universität Braunschweig, der Kurator und Kunsthistoriker Gideon Ofrat, die Architekturhistorikerin Karin Wilhelm und die Künstlerin Heidi Specker.

• 152 Seiten, deutsch/ englisch, 21.1 x 28.1 cm
• Gestaltung: novamondo
• Dessau / Leipzig 2011
• Gewicht: 350 g
• ISBN: 978-3-940064-29-5
• 8.00 €
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Tobias Zielony:

Manitoba

With a text by Andrea Hiott

In Winnipeg, der Provinzhauptstadt des kanadischen Bundesstaates Manitoba, hat Tobias Zielony das Leben von jugendlichen Gangmitgliedern indigener Herkunft festhalten. In der Tradition der klassischen Bildreportage greift Zielony auf unterschiedliche Bildgenres zurück und zeigt neben den Portraits der Jugendlichen auch Gruppenaufnahmen, auf denen die Gangmitglieder posieren, sowie Bilder des urbanen Raums und der Landschaft in und um Winnipeg. Neben den globalisierten Kleidungscodes und Gesten der Jugendlichen erzählen die Bilder auch von der regionalspezifischen Geschichte der Indianer in ihrem sozio-ökonomischen Zusammenhang.

»Statt klassischer Reportage bieten Zielonys Fotos Realität, subjektiv, lakonisch und trotzdem genau beobachtet. Besser und klüger kann man das beginnende Jahrtausend nicht dokumentieren.«
Ingeborg Wiensowski / kulturSPIEGEL

Tobias Zielony captures the life of adolescent indigenous gang members in Winnipeg, the capital of Manitoba province in Canada. In keeping with the tradition of classic photo journalism, Zielony makes use of various genres of photography; including portraits of gang members posing in front of the camera and views of the urban landscape in and outside Winnipeg.

• 88 pp., English, sewn paperback with numerous colour photographs with a black-white supplement of a filmscript shot in Winnipeg, 21.6 x 29.7 cm
• Design: HIT
• Leipzig 2011
• Gewicht: 470 g
• ISBN: 978-3-940064-93-6
• 24.00 €
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Sasha Pirker, Andreas Fogarasi:

Eagle Rock Playground House

Text: Andreas Neumeister

Die Auseinandersetzung mit der Architekturgeschichte vollzieht sich in dem Künstlerbuch von Sasha Pirker und Andreas Fogarasi in einer radikalen Verschränkung der Medien Film und Buch. Einzelne Bildsequenzen zeigen Details von Richard Neutras Haus und machen dessen alltägliche Nutzung sichtbar. Die Texte von Andreas Neumeister sind ein adäquates sprachliches Echo auf die Filmbilder. Das Porträt eines ländlichen Klubhauses, über das Martin Pieper schrieb:

"Geistiger und räumlicher Mittelpunkt der in ihren Ausmaßen bescheidenen Anlage ist der große Saal, dort, wo man sich zum Tanz trifft, zur Gymnastik, bei Theater- und Musikaufführungen, bei Versammlungen und Vorträgen. Der Saal lässt sich durch Nachobenschieben der Längswände auf beiden Seiten in voller Länge öffnen. Der gedeckte Raum, von dem aus man die Vorgänge auf dem Podium verfolgen kann, vergrößert sich dann auf das Doppelte. - Nach Öffnen der Bühnenrückwand kann ins Freie hinaus gespielt oder für ein Doppelauditorium musiziert und getanzt werden. Die Zuschauer draußen stehen, sitzen und liegen auf einer leicht ansteigenden Rasenfläche. - Ein schmaler Streifen immergrüner Pflanzen und ein Wasserbecken vor der Plattform trennt nicht, gibt jedoch Distanz und bei Tänzen reizvolle Spiegelungen. Mauerkulissen grenzen den "Zuschauerraum" gegen die Landschaft ab, erhöhen die Konzentration für das Geschehen auf der Bühne und binden den Freiraum an das Gebäue. Sie erweitern optisch seine verhältnismäßig geringe Baumasse und geben dem schönen, für das kulturelle Leben der Gemeinde so bedeutsamen Haus in der öffentlichen Parklandschaft intime Naturverbundenheit und größeres soziales Gewicht zugleich."

• 64 Seiten, 27.6 x 35 cm
• Gestaltung: Andreas Fogarasi, Sasha Pirker und HIT
• Leipzig 2011
• Gewicht: 760 g
• ISBN: 978-3-940064-25-7
• 26.00 €
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Fabian Reimann:

The Surveyor

erscheint im April 2011

1979, Sir Anthony Frederick Blunt ist nicht mehr Sir. Der Grund dafür liegt weit zurück in Cambridge, wo er studierte. Dort kam er mit einem geheimen Kreis von Männern zusammen, jung und von glühender Leidenschaft für den Kommunismus. Später wurden sie bekannt als die Cambridge Five. Der erste von ihnen wurde 1951 enttarnt, der zweite ein Jahr später. Blunt war zu dieser Zeit Professor für Kunstgeschichte und Berater der Queen in Kunstangelegenheiten, er betreute die Gemäldesammlung der Windsors als Surveyor of the Queen’s Pictures. Französische und italienische Kunst waren sein Schwerpunkt, Poussin insbesondere. 1963 flog der dritte aus dem Kreis der Cambridge Five auf, er hatte sich wie schon die anderen nach Moskau abgesetzt. Blunts zweite Identität wurde ein Jahr darauf bekannt – aus Rücksicht auf die Queen aber nicht in die Öffentlichkeit getragen. Margaret Thatcher tat dies 15 Jahre später.

By the end of 1979, Sir Anthony Frederick Blunt was no longer Sir. The reason can be traced back to Cambridge where he was a student – and a member of a secret circle of men who were young and ardent advocates of Communism. Later they became known as the Cambridge Five. The first of them was exposed in 1951, the second one a year later. By this time, Blunt was professor of Art History and Adviser for the Queen’s Pictures and Drawings. He was in charge of managing the Royal Family's collection of paintings. His focus was on French and Italian art, especially Poussin. In 1963, the third member of the Cambridge Five was uncovered. Like the others, he had sought refuge in Moscow. Blunt’s secret identity became known the year after, but it was not publicly revealed to avoid damage to the Queen. It took another 15 years for Margaret Thatcher to publicise it.

Mit Texten von Stephanie Tasch, Denise van de Beek und Jan Wenzel

• 145 Seiten, 21.8 x 30.8 cm
• Gestaltung: Joachim Bartsch und Weltprovinz
• Leipzig 2011
• Gewicht: 635 g
• ISBN: 978-3-940064-94-3
• 32.00 €
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Ulrike Grossarth:

Stoffe aus Lublin / Bławatne z Lublina / Fabrics from Lublin

Der Katalog »Stoffe aus Lublin / Bławatne z Lublina« stellt Ulrike Grossarths künstlerische Auseinandersetzung mit der polnisch-jüdischen Geschichte Lublins vor. Ihr Ausgangspunkt war jene Fotoserie, die Stefan Kiełsznia Mitte der 1930er Jahre im jüdischen Viertel von Lublin aufgenommen hatte. Ulrike Grossarth begegneten diesen Aufnahmen erstmals 2006. In den letzten Jahren hat sie diesem historischen Bildkonvolut einen ganzen Werkkomplex gewidmet. In ihrer Malerei, wie auch in räumlichen Arbeiten und zeichnerischen Projektionen nimmt Ulrike Grossarth eine vorsichtige Transformation des historischen Fotomaterials vor. Aus den Fotografien herausgegriffene Details, darunter vor allem Motive von Werbetafeln für Stoffe, Textilien und Alltagsgerät, die die Straßenszenen bestimmen, werden zu abstrakten Emblemen, aber auch zu gegenständlichen Verweisen auf eine lebendige Kultur und Gesellschaft verwandelt, deren Abwesenheit als Leerstelle bis heute fortwirkt. „Die Herstellung von Kunstwerken ist für mich sekundär, was mich interessiert, ist, tatsächlich erfahrbare, verfügbare und radikale, anschauliche Denkräume zu generieren,“ beschreibt Ulrike Grossarth ihren künstlerischen Ansatz. Großformatige Farbabbildungen aller Arbeiten und Raumsituationen der Ausstellung im Kunsthaus Dresden sowie fundierte kunsthistorische Aufsätze von Karoline Feyertag und Astrid Schmetterling und ein Interview der Künstlerin mit den Kuratorinnen der Dresdner Ausstellung stellen die eindrucksvolle ästhetische Praxis Ulrike Grossarths vor – ihre Arbeit an den »Grundlagen einer Kultur des Lebendigen«.

The catalogue »Stoffe aus Lublin / Bławatne z Lublina / Fabrics from Lublin« presents Ulrike Grossarth’s artistic examination of the Polish-Jewish history of Lublin. Her starting point is the photo series recorded by Stefan Kiełsznia in the mid-1930s in the Jewish quarter of Lublin. Ulrike Grossarth first came across these photographs in 2006. During the last couple of years she has devoted an entire body of work to this historical collection of images. In her paintings, as in her spatial works and drawn animations, Ulrike Grossarth conducts a subtle transformation of the historical photographical material. Details taken from the images, among them most notably motives of the billboards for fabrics, textiles, and everyday appliances that dominate the street scenes, become abstract emblems, or are transformed into objective indices of a lively culture and society, whose absence continues to persist as a vacancy until today. As Ulrike Grossarth explains her approach: »The production of artworks is secondary for me; I am interested in generating truly experienceable, accessible and radically visual spaces of thought«

• 160 Seiten, dreisprachig (polnisch, deutsch, englisch) 19.4 x 26.5 cm
• Gestaltung: Pascal Storz
• Hg. Kathrin Krahl, Christiane Mennicke-Schwarz, Silke Wagler für den Kunstfonds/Staatliche Kunstsammlungen Dresden und das Kunsthaus Dresden
• Leipzig 2011
• Gewicht: 720 g
• ISBN: 978-3-940064-16-5
• 26.00 €
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Stefan Kiełsznia:

Ulica Nowa 3

Zdjęcia lubelskiej dzielnicy żydowskiej z lat 30, wydawca Ulrike Grossarth/Straßenfotografien aus dem jüdischen Viertel von Lublin in den 1930er Jahren, herausgegeben von Ulrike Grossarth/Street Photographs of the Jewish Quarter of Lublin in the 1930s

Mitte der 1930er Jahre nahm der polnische Fotograf Stefan Kiełsznia fünf Straßen im jüdischen Viertel von Lublin auf. Er lichtete die Straßenzüge Haus für Haus ab, jeweils die unteren Geschosse mit den kleinen Bars, Läden und Handwerkerstuben. Man sieht auf Kiełsznias detailreichen Aufnahmen die Auslagen der Geschäfte und die handgemalten Werbetafeln über den Ladentüren; man erkennt die Gesichter der vorbei eilenden Menschen, ihre Kleidung, ihre Körperhaltung, ihre Bewegungen. Es ist der lebendige Alltag selbst, der hier in all seinen Einzelheiten präsent ist und die besondere Atmosphäre jedes der Bilder begründet. Das macht Kiełsznias Fotoserie zu einer einzigartigen Quelle, die über das polnisch-jüdische Leben in Lublin wenige Jahre vor dem Holocaust Auskunft gibt. Die Publikation »Ulica Nowa 3«, die auf Initiative der Künstlerin Ulrike Grossarth entstand, ist ein Katalog zum bekannten Gesamtbestand dieser Fotografien. Erstmals werden hier alle 145 überlieferten Aufnahmen aus Stefan Kiełsznias Straßenserie in gedruckter Form zugänglich gemacht. Essays zur fotohistorischen Einordung dieser Aufnahmen sowie zur jahrhundertelangen jüdischen Geschichte Lublins ermöglichen dem Betrachter mehr über den Entstehungskontext der Fotografien und über den »festgehaltenen Alltags« in ihnen zu erfahren.

In the mid-1930s, the Polish photographer Stefan Kiełsznia recorded five streets in the Jewish quarter of Lublin. He recorded the streets house by house, each time photographing the lower storeys with their small bars, stores and workshops. Kiełsznia’s detailed images show the window displays and the hand-painted billboards above the shop entrances; they show the faces of the people hurrying past, their clothes, their postures, their movements. It is the animate everyday itself that is present here in all its particularities and that constitutes the special atmosphere of each image. This is why Kiełsznia’s photo series is such a unique source of the Polish-Jewish life in Lublin only few years before the Holocaust. The publication »Ulica Nowa 3« originated as an initiative of the artist Ulrike Grossarth and constitutes a catalogue of the entire known inventory of the photographs. For the first time, all 145 existing images from Stefan Kiełsznia’s street series are made available in printed form. Essays on the photo-historical classification of these pictures as well as on the Jewish history of Lublin over the centuries allow the viewer to learn more about the context of the photographs’ origin and the »record of the everyday« which they offer.

Ausgezeichnet beim Wettbewerb SCHÖNSTE SCHWEIZER BÜCHER 2011

• 232 Seiten, dreisprachig (polnisch, deutsch, englisch) 19.4 x 26.5 cm
• Gestaltung: Pascal Storz
• Hg. von Ulrike Grossarth für den Kunstfonds/Staatliche Kunstsammlungen Dresden und das Kunsthaus Dresden
• Leipzig 2011
• Gewicht: 895 g
• ISBN: 987-3-940064-15-8
• 35.00 €
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Carsten Nicolai:

Pionier

»Every work in this book ascends from a certain state of affairs, a certain knowledge in the system of coordinates: it's the speed of light, the interaction of forces, the functioning of magnetic fields and heat waves, the accumulation and dissolving of particles. This is the plane of reference which actualizes chaos, puts it into the system of numerical and countable multiplicities. However, the most important thing is that these works take the actual state of affairs, the numerical multiplicities as the starting point and transform them into virtual intensive multiplicities.«
Audronė Žukauskaitė in her text »The Art of the Virtual: Carsten Nicolais Pionier«

• 48 Seiten, englisch, 18.9 x 23.5 cm
• Gestaltung: Studio Carsten Nicolai
• Leipzig 2011
• Gewicht: 285 g
• ISBN: 978-3-940064-23-3
• 14.00 €
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Jens Liebchen:

つくば – 成田 2011/03/13 TSUKUBA– NARITA

With an essay by Christoph Schaden

I left Japan two days after the quake. The situation was unclear. Information from Japanese and Western media differed to a great extent. The bus to Narita left on time, as usual.
J. L.

The present volume brings together 80 images. Tsukuba–Narita 2011/03/13, the title says. A date is given and two Japanese locations are named that supposedly mark the beginning and end of the precipitous bus ride that took place early one Sunday morning in the spring of 2011. It is here that the images originated, the words tell us. The sun had been shining and the bus is said to have left on time. ”On time, as usual.“ The destination—Narita International Airport outside of Tokyo—was reached. No reason to be alarmed. Though the media—if you recall—issued one unsettling report after another. ”Brutal images“, as they themselves called them.

"How are we read today?—the images ask in a hushed tone. How will you perceive us tomorrow? And what will be recognized in us?" Christoph Schaden

• 168 Seiten, englisch/japanisch, 21.3 x 14.4 cm
• Auflage: 500
• Gestaltung: Müller & Wesse
• Leipzig 2011
• Gewicht: 380 g
• ISBN: 978-3-940064-24-0
• 32.00 €
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LIGNA:

An Alle! Radio Theater Stadt

Herausgegeben von Anne König und Paul Feigelfeld in Zusammenarbeit mit LIGNA

LIGNA hat sich 1997 im Freien Sender Kombinat Hamburg zusammengefunden und lädt seitdem in der Rundfunksendung Lignas Music Box HörerInnen ein, mittels Telefon ihre Musik von zu Hause über den Äther auszustrahlen. International bekannt wurden die Radiokünstler Ole Frahm, Michael Hüners und Torsten Michaelsen durch das Radioballett – eine Art des öffentlichen Radiohörens, bei dem die TeilnehmerInnen bestimmte aus dem öffentlichen Raum ausgeschlossene oder verbotene Gesten ausführen. Mit zahlreichen performativen Interventionen hat LIGNA in den vergangenen Jahren im Radio, im Stadtraum und im Theater ihre politische Ästhetik weiterentwickelt. Die Publikation LIGNA An Alle! Radio, Theater, Stadt versammelt erstmals eine Auswahl der Produktionstexte und theoretischen Überlegungen, die LIGNA als Teil ihrer Praxis begreift.

„Die hier abgedruckten Texte verstehen sich aber kaum als fertige Kunstwerke, vergleichbar etwa der Schriftform von Hörspielen oder Dramen. Vielmehr wollen sie gelesen sein als Entwürfe einer Praxis, die sich selbst reflektiert und Diskurse über die Möglichkeiten von Radioarbeit in Gang setzt. Daher sind sie vor allem als Versuche zu begreifen, offen für einen Gebrauch, durch den sie immer wieder neu getestet und auch verändert werden können.“ (Patrick Primavesi)

• 204 Seiten, 17.1 x 21.2 cm
• Gestaltung und Typografie: Till Gathmann
• Leipzig 2011
• Gewicht: 480 g
• ISBN: 978-3-940064-06-6
• 24.00 €
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Christian Hiller, Stephan Müller, Philipp Oswalt (Hg.):

Kurt Kranz: Die Programmierung des Schönen

Die Stiftung Bauhaus Dessau widmet dem beeindruckenden Werk des Künstlers, Grafikers und Experimentalfilmers Kurt Kranz, der von 1930 bis 1932 am Dessauer Bauhaus studierte, eine umfassende Ausstellung. Ein einzigartiges Oeuvre serieller Arbeiten machte Kranz, der in diesem Jahr einhundert Jahre alt geworden wäre, zu einem Pionier der generativen und multiplen Kunst der 60er Jahre. Am Bauhaus hatte Kranz bei Lehrern wie László Moholy-Nagy, Josef Albers, Wassily Kandinsky, Paul Klee, Walter Peterhans und Joost Schmidt studiert. Ihr experimenteller Unterricht prägte ihn nachhaltig. „Die Programmierung des Schönen“ - der Titel dieser Mappe mit 16 großformatigen Tafeln - ist dem gleichnamigen Buch Max Benses entlehnt, in dem der Philosoph und Begründer der informationstheoretischen Ästetik über programmierte Computer-Grafik schrieb. Kurt Kranz war mit ihm befreundet. Max Bense sah im Schaffen von Kranz den „pädagogischen Effekt“ als herausragende Strategie „also die Erziehung zur freien, aber bewussten Selektion der Mittel, dem eigentlichen Kern der schöpferischen Aktion.“

• Eine Mappe mit 16 Tafel, 29.9 x 42.2 cm
• Auflage: 700
• Gestaltung: Müller & Wesse
• Dessau / Leipzig 2011
• Gewicht: 1000 g
• ISBN: 978-3-940064-11-0
• 35.00 €
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Kurt Kranz:

schwarz : weiß/weiß : schwarz

auf 100 Exemplare limitierte, leinengebundene Ausgabe, 14.9 x 18.9 cm

ISBN: 978-3-940064-21-9
35.00 €

Die Formreihe „schwarz : weiß/weiß : schwarz“ (1928/29) entwickelt Kurt Kranz im Alter von 18 Jahren – während seiner Lithografenlehre. An den vierzig Tuschezeichnungen arbeitet er mit Ziehfeder, Zirkel und Eisenwinkel. Er zeigt das Ergebnis László Moholy-Nagy bei einem Vortrag in Bielefeld und erhält von ihm daraufhin die Empfehlung ans Bauhaus Dessau. In „schwarz : weiß/weiß : schwarz“ ist bereits eine zentrale künstlerische Strategie von Kurt Kranz sichtbar: die Arbeit mit Serien, Variationen und Transformationen. Anfang der 1930er Jahre plant Wassily Kandinsky die Arbeit zu verlegen – das Vorhaben scheitert jedoch aufgrund der Weltwirtschaftskrise. 1972 setzt Kranz die Formreihe als Experimentalfilm um. Die vorliegende Publikation ist eine Reproduktion des 1929 gebundenen Buchunikats.

schwarz : weiß/weiß : schwarz [black : white/white : black] Kurt Kranz developed the form series “schwarz : weiß/weiß : schwarz” (1928/29) at the age of 18 during his lithography apprenticeship. He created the forty ink drawings with a drawing pen, compass and angle iron. At a lecture in Bielefeld he showed the work to László Moholy-Nagy who then supported Kranz’s application to Bauhaus Dessau. One of Kurt Kranz’s central artistic strategies is already visible in “schwarz : weiß/ weiß : schwarz”, working with series, variations and transformations. In the early 1930s Wassily Kandinsky planned to publish this work, but the Great Depression prevented it. In 1972 Kranz realized the form series as an experimental film. This publication is a reproduction of the only bound copy of the work from 1929.

• 80 Seiten, 14.5 x 18.4 cm
• Auflage: 900 (Paperback)
• Gestaltung: Müller & Wesse
• Dessau / Leipzig 2011
• Gewicht: 150 g
• ISBN: 978-3-940064-20-2
• 8.00 €
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bauhaus. Zeitschrift der Stiftung Bauhaus Dessau

Ausgabe 1 / März 2011

Nach 80 Jahren wieder im Umlauf: bauhaus – die neue Zeitschrift der Stiftung Bauhaus Dessau. Neues aus der Bauhauswelt, Essays, Interviews und mehr. Als im Dezember 1926 das Bauhausgebäude in Dessau eröffnet wurde, erschien zum ersten Mal die Zeitschrift bauhaus. Sie berichtete (mit Unterbrechungen) vierteljährlich über das Dessauer Geschehen und über wichtige Tendenzen der Moderne. Gezeichnet waren die Artikel mit Namen wie Walter Gropius, László Moholy-Nagy, Paul Klee, Wassily Kandinsky und Marcel Breuer – streitbare Geister, die hier ihre Positionen verfochten. Die letzte Ausgabe der Zeitschrift kam 1931 auf den Markt.

80 Jahre später gibt die Stiftung Bauhaus Dessau eine neue Zeitschrift unter dem alten Namen heraus. Dabei geht es nicht darum, eine eine abgebrochene Tradition wiederzubeleben und sich deren Fortsetzung anzumaßen. Sondern aus der Gegenwart einer Institution zu berichten, die am selben Ort arbeitet, an dem das historische Experiment Bauhaus stattgefunden hatte: dem Bauhausgebäude in Dessau. Halbjährlich wird die neue Zeitschrift bauhaus von nun an den Blick auf die Arbeit zwischen historischem Erbe, aktueller Weiterentwicklung und einem lebendigen geistigen Umfeld richten. Schwerpunktthema der ersten Ausgabe ist die Rolle des Künstlers – am und nach dem Bauhaus; mit Beiträgen von Olaf Nicolai, Philipp Oswalt, Matthias Sauerbruch, Christina Tilmann und anderen.

Der Abopreis in Deutschland beträgt 15 Euro (inkl. Porto) für das Jahresabo (2 Hefte).

• 148 Seiten, deutsch/ englisch, 20.5 x 27.9 cm
• Gestaltung: novamondo
• Dessau / Leipzig 2011
• Gewicht: 400 g
• ISBN: 978-3-940064-18-9
• 8.00 €
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Waldemar Cordeiro and Franz Mon

The publication presents selected works from two pioneers of Concrete Art and Poetry, Waldemar Cordeiro (1925-1973) from Brazil and Franz Mon (1926) from Germany. The exhibited pieces reach from the mid-1960’s to the present and combine sculpture, collage, and computer printouts with typewriter text and sound work. With a mutual interest in the deconstruction of the photographic image, language and typography, the work of both artists oftentimes follows rigid concepts. Attributes of Concrete Art such as the structural focus on materials and processes, the appropriation of constructivist language, and the search for the general reduction of expressive means emanate from their practice. Logic and rationality became a founding principle of The Ruptura Group, which Cordeiro was involved with in the São Paulo of the 1950’s. Similar characteristics can also be found in the work of Mon who says that “Concrete Poetry for me is poetry of principles, there is a principle you invent and then you carry that through, whatever happens.” Differences and analogies epitomize the engaged and experimental approach to art that reflects the two artists interest in the development of technology, politics and civil society during the second half of the XX and the early XXI century.

Published by Spector Books and MINI / Goethe-Institut Curatorial Residencies Ludlow 38

• 48 pages, 21 x 27.3 cm
• Gestaltung: HIT Berlin/ London
• Ed. Tobi Maier
• Leipzig / New York 2011
• Gewicht: 230 g
• ISBN: 978-3-940064-19-6
• 10.00 €
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Olaf Nicolai:

Faites le travail qu'accomplit le soleil

deutsche Fassung

Die Publikation »Faites le travail qu'accomplit le soleil« erschien anläßlich der Ausstellung von Olaf Nicolai in der kestnergesellschaft Hannover. Sie übersetzt die Themen und das Formvokabular der Ausstellung in den Raum des Buches: Ein Rundgang durch die Ausstellung als Comic. Essays zu den Arbeiten von Olaf Nicolai von Anne von der Heiden und Hans-Hagen Hildebrandt, Monika Szewczyk und Marc Ries.

• 48 Seiten, 26.2 x 36.1 cm
• Gestaltung: HIT London/ Berlin
• Leipzig 2011
• Gewicht: 460 g
• ISBN: 978-3-940064-02-8
• 28.00 €
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Olaf Nicolai:

Faites le travail qu'accomplit le soleil

englische Fassung

Die Publikation »Faites le travail qu'accomplit le soleil« erschien anläßlich der Ausstellung von Olaf Nicolai in der kestnergesellschaft Hannover. Sie übersetzt die Themen und das Formvokabular der Ausstellung in den Raum des Buches: Ein Rundgang durch die Ausstellung als Comic. Essays zu den Arbeiten von Olaf Nicolai von Anne von der Heiden und Hans-Hagen Hildebrandt, Monika Szewczyk und Marc Ries.

• 48 Seiten, 26.2 x 36.1 cm
• Gestaltung: HIT London/ Berlin
• Leipzig 2011
• Gewicht: 460 g
• ISBN: 978-3-940064-13-4
• 28.00 €
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Davide Cascio:

E.N.

“Gusto Gräser refused to live in a hut and was against the use of money. For stretches he would live in the niche of a church or in a small grotto, always seeking a brave woman to live with him there.”
Antje von Graevenitz, For Light and Air: Self-Determination on Monte Verità, 2008.

As an expanded system of footnotes to the works by Davide Cascio, the catalogue collects texts and images which circle around the idea of esprit nouveau thinking. In his essay Francesco Pedraglio explains the methodology of Davide Cascio’s frail dialectic between potential future utopias and past artistic phenomena. Additional essays by Annette Amberg and Luigi Fassi mention the programmatic magazine L'Esprit Nouveau founded by Le Corbusier in 1918, the pavilion constructed by Le Corbusier in 1925 for the International Exhibition of Decorative Arts in Paris and Le Cabanon: Le Corbusier's summer cabin, a tiny bolthole built in the south of France in 1952 for his wife. Antje von Graevenitz discuss the architecture of Monte Verita, while Vita Banga relates how the Latvian modernist architect Marta Stana turned the summer house into a kind of functional escape from the confining ideological borders of the Soviet regime in Latvia in the 1960s. A visual essay by Davide Cascio goes along with the texts.

• 128 Seiten English, 13.9 x 20.5 cm
• Gestaltung: Pascal Storz
• Herausgegeben von Egija Inzule
• Leipzig 2011
• Gewicht: 195 g
• ISBN: 978-3-940064-10-3
• 20.00 €
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Welt in der Hand. Zur globalen Alltagskultur des Mobiltelefons /
The World in Your Hand. On the Everyday Global Culture of the Mobile Phone

Herausgeber:
Miya Yoshida, Christiane Mennicke-Schwarz, Paul Feigelfeld und Jan Wenzel

Kaum eine technologische Innovation der vergangenen Jahrzehnte hat ähnlich mühelos und binnen weniger Jahre so massenhafte Verbreitung gefunden und dabei derart umfassend von unserem Alltag Besitz ergriffen wie das tragbare Telefon. Als Kamera, Walkman, Organizer, Navigationsgerät und Briefkasten für private wie gewerbliche Nachrichten stellt das Handy die persönliche Verbundenheit mit der Welt nicht nur in ihrem wohlhabenden Teil her. Das Mobiltelefon erobert urbane öffentliche, private und gewerbliche Räume und lässt diese ineinander fließen, sein Gebrauch verändert grundsätzlich kulturelle Codes und greift konstruktiv in soziale Gefüge ein.

Over the past decades, almost no other technological innovation has been able to find such widespread dissemination so easily, or so rapidly, nor take such all-embracing possession of our daily lives, as the portable telephone. As camera, Walkman, organizer, navigating device, and post box for private and business messages, the mobile phone does not only represent a connection to the world for the affluent parts of the planet the cell phone conquers public urban spaces as well commercial ones and dissolves previous borders between them. Its use causes fundamental shifts in cultural codes and intervenes in social textures.

Mit Beiträgen aus Kultur- und Medienwissenschaften, Philosophie, Soziologie und Kunst / With essays from the fields of cultural and media studies, philosophy, sociology and art: Olaf Arndt, Günter Burkart, Kenichi Fujimoto, Dominic Johnson, Christiane Mennicke-Schwarz, Sadie Plant, Paul Feigelfeld & Jan Wenzel, Miya Yoshida

• 520 Seiten, 11.1 x 17.5 cm
• Gestaltung: Jakob Kirch und Pascal Storz
• Leipzig 2010
• Gewicht: 405 g
• ISBN: 978-3-940064-96-7
• 22.00 €
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Michael Höpfner:

Outpost of Progress

Der österreichische Fotograf Michael Höpfner wanderte acht Wochen über das südliche Chang Tang Plateau, das Teil der Autonomen Provinz Tibet ist und bis jetzt von nomadisierenden Drogpas besiedelt wurde. Er entwickelte dort die Arbeit OUTPOST OF PROGRESS: Eine Serie von Schwarzweißfotografien, die einen Ort umkreisen, der nur als weißer Fleck auf der Landkarte existiert. „Vor zwei Tagen war ich auf einen befahrbaren Weg gestoßen. Ich war überrascht, in der Beschreibung, die ich mit mir trage, ist keine Straße erwähnt. Sie dürfte unlängst konstruiert worden sein. Unsicher folgte ich dieser von einem Bagger in den dünnen Tundraboden geschobenen Trasse hierher, bis ich von einer Anhöhe auf den Außenposten blickte, von dem ich nun berichte.“ Ausschnitt aus dem Tagebuch von Michael Höpfner, Herbst 2007

In fall of 2007 the austrian photographer Michael Höpfner started the project OUTPOST OF PROGRESS on an eight-week walking journey over the southern Chang Tang Platau. The Chang Tang high steppe area is part of the Tibet Autonomous Region and was until recently primarily inhabited by Drogpa nomads. The series of black and white photos and the travel diary notes in this book were created on this trip and describe an area which exists only as white spots on the map. „Two days ago I hit a paved road I was surprised. There is no road in any of my descriptions or rudimentary maps. Perhaps the road was constructed within the last few months. I am following this track, built by a bulldoser in the thin tundra surface until I stop on a ridge. I look down onto a broad valley and a settlement.“ From the travel diary notes by Michael Höpfner

• 104 Seiten/ 104 pp., German/ English, 33.8 x 23.4 cm
• Design: Helmut Völter
• Leipzig 2011
• Gewicht: 565 g
• ISBN: 978-3-940064-14-1
• 24.00 €
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Peggy Buth:

Katalog. Desire in Representation

In der Werkgruppe "Desire in Representation" untersucht die Künstlerin Peggy Buth kolonialistische Bedeutungs- und Identitätskonstruktionen. Für ihre Arbeit fotografierte und recherchierte sie im Museé royal d'Afrique centrale in Tervuren bei Brüssel. In Kooperation mit dem Buchgestalter und Typografen Till Gathmann entstand im Jahr 2008 das zweibändige Künstlerbuch "Desire in Representation. Travelling through the Museum Royale (Part 1) / O My Kalulu! (Part (2)". In der Ausstellung im Württembergischen Kunstverein übersetzte Peggy Buth diese Bucharbeit in eine multimediale Installation. Im Anschluss an die Ausstellung entstand das Buch "Katalog", das die Raumsituationen der Ausstellung und die dort gezeigten Video- und Audioarbeiten adäquat im Medium Buch dokumentiert und das künstlerische Material so in seinen Repräsentationsformen katalogisiert.

Ausgezeichnet im Wettbewerb »Die schönsten deutschen Bücher 2010« der Stiftung Buchkunst

In her group of works "Desire in Representation" Peggy Buth explores the construction of meaning and identity in colonialism. Buth conducted research for her work at the Museé royal d'Afrique centrale in Tervuren near Brussels. In 2008 she published the two volume artist book "Desire in Representation. Travelling through the Museum Royale (Part 1) / O My Kalulu! (Part (2)” in co-operation with book designer and typographer Till Gathmann. For an exhibition at Württembergischer Kunstverein in Stuttgart Buth presented the publication as a multi-media installation. “Katalog” documents and translates the spatial situation and the video pieces presented at the exhibition into an adequate form for print, the result is a catalogue of the different forms of representation of the artistic material.

Winner »Die schönsten deutschen Bücher 2010«, presented by Stiftung Buchkunst

• 240 Seiten, 240 pp., German/ English, sewn paperback with numerous colour photographs, 21 x 29.7 cm
• Gestaltung: Peggy Buth und Till Gathmann
• Leipzig 2010
• Gewicht: 1160 g
• ISBN: 978-3-940064-09-7
• 36.00 €
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Julia Schmidt :

PRACTICES 
PROCEDURES
 FLOWS 
REVERSALS

• 160 Seiten, 23.3 x 31 cm
• Gestaltung Markus Dreßen und Julia Schmidt
• Leipzig 2010
• Gewicht: 490 g
• ISBN: 978-3-940064-08-0
• 36.00 €
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Arthur Zalewski:

Somebody's Got to Do It

Für seine Serie "Somebody's Got to Do It" reiste Arthur Zalewski 2007 durch die Ukraine und hielt mit journalistischem Gestus die urbane und soziale Wirklichkeit in Kiew und Odessa in Schwarzweißaufnahmen fest. Er dokumentierte öffentliche Plätze und Gebäude, Brachen und Monumente – Relikte eines untergegangenen Gesellschaftssystems, an denen sich heute Jugendliche treffen und in Lifestyle-Magazinen blättern. Würde jene markante Kulisse aus Sowjetzeiten nicht mehr existieren, könnte man das hektische und geschäftige Treiben der Menschen kaum von anderen europäischen Großstädten unterscheiden.

For his 2007 series "Somebody's Got to Do It" Arthur Zalewski travelled the Ukraine, where he captured the urban and social realities of Kiev and Odessa in black and white pictures, in a photojournalist style. He documents public places and buildings, wastelands and monuments – the relics of a bygone society, which are now meeting places for adolescents where they flick through lifestyle magazines. Were it not for the remaining characteristic backdrops from the Soviet era, one could barely tell the hustle and bustle from that of any other large city in Europe.

• 80 Seiten, 80 pp., 23.9 x 31.2 cm
• Konzept und Gestaltung Arthur Zalewski zusammen
  mit Markus Dreßen und Vera Maria Kaspar
• Leipzig 2010
• Gewicht: 300 g
• ISBN: 978-3-940064-07-3
• 22.00 €
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Maya Schweizer:

Die selbe Geschichte an einem anderen Ort / The Same Story Elsewhere

Die Künstlerin Maya Schweizer arbeitet an neuen audiovisuellen Erzählweisen, an Formen der Bild-Text-Montage, die YouTube näher stehen als dem Kino. Ausgangspunkt sind meist alltägliche Situationen, die sie mit gefundenen und erfundenen Texten kombiniert. »Ich denke, dass in kleinen, oft auch persönlichen Handlungen auf der Straße gesellschaftliche Zustände ablesbar sind. Ich versuche, die Erzählungen in ihrer Divergenz ernst zu nehmen und mit meinen Projektionen abzugleichen«, beschreibt Maya Schweizer ihren künstlerischen Ansatz.

Sechs ihrer Videoarbeiten werden in »Die selbe Geschichte an einem anderen Ort« ausführlich kommentiert: Madeleine Bernstorff, Margit Czenki, Joerg Franzbecker, Nanna Heidenreich, Marcel Odenbach und Ulrich Peltzer erzählen von ihren Eindrücken und Assoziationen und machen durch ihre Reflexionen die Bewegtbilder der Videos im Medium Buch nachvollziehbar. Essays von Sabeth Buchmann und Katja Schroder verorten Maya Schweizers künstlerische Arbeit an der Schnittstelle von Kunst und Film, Dokumentarismus und Fiktion.

Die Publikation »Maya Schweizer: Die selbe Geschichte an einem anderen Ort, weitererzählt, verstreut, fragmentiert, täglich, rückwärts und wieder von vorn« gibt einen ersten Überblick über die Arbeiten der in Frankreich aufgewachsenen und heute in Berlin lebenden Künstlerin. Sie erscheint anlässlich der Ausstellung » La même histoire ailleurs« im Westfälischen Kunstverein, die vom 4. September bis 24. Oktober 2010 in Münster gezeigt wird.

• 128 Seiten, 21 x 28.5 cm
• Gestaltung: HIT London/Berlin
• Leipzig 2010
• Gewicht: 485 g
• ISBN: 978-3-940064-97-4
• 22.00 €
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Nina Könnemann:

Free Mumia

Mit einem Essay von Katha Schulte

Was genau suchen Leute an Ferienorten, wo ihr Erspartes für den Jahresurlaub draufgeht? Was wollen sie dort? Es könnte um angenehme Gefühle gehen, außergewöhnliche Sensationen, zweckfreies Handeln, die Entbindung von Pflicht und Unterordnung, das Erleben von Freiheit oder dem, was dafür ausgegeben wird. Es ist möglich, einen verrückten Hut zu erwerben. Ein erfolgreich erworbener verrückter Hut ist in Blackpool, England, eine Exzentrizität, mit der man nicht allein dasteht. Es ist der außerordentlichste Hut, einer, den niemand sich vorher hätte ausdenken können, und doch tragen ihn in dem Augenblick, wo jemand ihn zu seinem ganz besonderen verrückten Hut erklärt, bereits alle. Niemand kann den genauen Zeitpunkt benennen, in dem der beliebige verrückte Hut zu der Mode geworden ist, als welche ihn jetzt alle tragen. Das wäre ein Fall für Mass-Observation. Letztes Jahr war der verrückte Hut eine mannsgroße Krabbe aus Plüsch, die man sich auf den Rücken schnallte, genauer: die sich am Samstagabend alle auf ihre Rücken schnallten. Dieses Jahr ist es ein orangefarbener Kegel aus Stoff mit weißem Querstreifen, wie jene Plastikhüte, mit denen man Unfallstellen markiert. Also Hut und Hinweiszeichen zugleich. Seht her: ein Hut!

Ausschnitt aus Katha Schultes: “These delight to stand and stare” — Mass-Observation in Blackpool, Lancashire

Der Essay ist Teil dieser Publikation.

Das Buch ist anlässlich Nina Könnemanns Ausstellung „Free Mumia“, 2009 im Portikus, Frankfurt am Main erschienen. Herausgeberin ist Melanie Ohnemus, Kuratorin am Portikus.

• 48 Seiten, Texte in deutsch/englisch, 22 x 27.6 cm
• Auflage: 500
• Gestaltung: HIT Berlin/London und Nina Könnemann
• Frankfurt / Leipzig 2010
• Gewicht: 205 g
• ISBN: 978-3-940064-04-2
• 14.00 €
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Olaf Nicolai:

ZABRISKIE POINT

»Olaf Nicolai präsentiert 80 Fotografien, die den vom Blitzlicht seiner Kamera erhellten Boden vor seinen Füßen zeigen. So markiert der in der Dunkelheit kaum Sehende seinen Weg mit den kurzen Lichtblitzen eines Fotoapparates, als er sich durch das Death Valley vorantastet. Sie erleuchten jeweils wenige Zentimeter Boden, ein winziges Detail der Landschaft, deren Wüstencharakter, die Lebensfeindlichkeit ihrer brennenden Hitze und des gleißenden Tageslichts bekannt ist. Die Fotos weisen vor allem auf das unheimliche Dunkel der Nacht hin, die kein künstliches Licht erhellt.« (Anne von der Heiden)

• 80 Seiten, 21 x 30 cm
• Auflage: 500
• Cover-Design: Markus Dreßen
• Leipzig 2010
• Gewicht: 935 g
• ISBN: 978-3-940064-92-9
• 28.00 €
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Wolfgang Fetz und Maik Schlüter (Hg.):

Noir Complex

Der amerikanische Schriftsteller James Ellroy zitiert 1993 in einem autobiografisch gefärbten Prosastück C.G. Jung: »Was nicht ins Bewusstsein gebracht wird, kommt als Schicksal auf uns zu.« Das ist Noir: der Spannungsbogen, der zwischen Determination und Analyse, Instruktion und Destruktion, Verstrickung und Ausweg entsteht. C.G. Jungs Diktum lässt sich präzise fassen: Der Aufgabe, das eigene Lebensrätsel zu lösen, entgeht niemand. Wer sich den Tatsachen heute nicht stellt, wird früher oder später vom Echo der Vergangenheit eingeholt. Das eigene Schicksal wird zum Fixstern. Die Dispositionen der Biografie werden zum Zwang. Egoismus ohne Ausweg. Schicksal und Tiefenpsychologie, Zufall und Bestimmung ergeben im Sinne der Noir-Logik immer nur: Aufbegehren und Scheitern. Lemmy Caution in Alphaville: »Man versteht nichts und am Ende stirbt man daran.« – Aus dem begleitenden Text "noir complex/complex noir"von Maik Schlüter.

Mit Fotografien von Andreas Schulze, Clare Strand, David Deutsch, Amy Patton, Caroline Hake, Marco Poloni, Jerry Berndt, Charles Gaines, Laura Bielau.

In an autobiographical piece from 1993 US author James Ellroy quotes C.G. Jung: »What is not brought to consciousness, arrives with us as fate.« This is Noir: the suspense that is created between determination and analysis, instruction and destruction, trappings and escapes. C.G. Jung’s dictum can be summarised as such: nobody can avoid the task of unraveling the mystery of their own lives. Those who are not willing to face the facts today will eventually be haunted by the echoes of their past. Their own fate becomes their centre of attention. The dispositions of one’s own biography turn into compulsive behaviour. Says Lemmy Caution in Alphaville: »You don’t understand anything and in the end you die from it.« – Taken from the accompanying essay "noir complex/complex noir" by Maik Schlüter. With photographs by Andreas Schulze, Clare Strand, David Deutsch, Amy Patton, Caroline Hake, Marco Poloni, Jerry Berndt, Charles Gaines, Laura Bielau.

• 60 Seiten, 60 pp., German/ English, 17 x 29.5 cm
• Gestaltung: HIT London/ Berlin
• Leipzig 2010
• Gewicht: 235 g
• ISBN: 978-3-940064-03-5
• 12.00 €
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Markus Dreßen, Lina Grumm, Anne König and Jan Wenzel:

Liner Notes. Conversations about Making Books. i.e. Leipzig

FOOTNOTES TO ONE'S OWN PRODUCTION --- In Liner Notes we introduce a number of books produced in recent years by book designers who had studied at the Leipzig Academy of Visual Arts. However we weren't attempting to identify commonalities between these designers or the foundations of a 'school', but rather the very different approaches and attitudes which are evident in their work. However, the definition 'in their work' is rather misleading, because two of the editors, Markus Dreßen and Lina Grumm, had themselves studied book art and graphic design at the Academy of Visual Arts Leipzig while the other two, Anne König and Jan Wenzel, were involved in several of the publications as authors. Thus Liner Notes is also about our own books and the communicative networks in and around the Academy of Visual Arts in which we participate ourselves.

ALIENATING EFFECTS --- How to talk about your own work? What would be an appropriate mode to rigorously avoid the obtrusive, marketing-like appearance all too prevalent in many self-presentations? Which aesthetic attitude would allow you to observe yourself from a playful distance? In Bertolt Brecht's 'Lehrstücken' [Learning Plays], especially in the Messingkauf Dialogues [Buying Brass] which spell out his theory of drama, we discovered performative models which could make our own positions and those of others visible. We liked Brecht's experimental setting which allegorised everyday speech and behaviour. We liked this gestural form of contradiction and affirmation, of exposure and concealment, of simplification and completion, because it allows the portrayal of a highly complex self-concept.

This book is published as an english text supplement to »Liner Notes. Gespräche über das Büchermachen, Leipzig z.B., Spector Books 2009.

• 224 pages, 11.1 x 17 cm
• Designed by: Markus Dreßen, Lina Grumm
• Translated by: Jan Caspers
• Leipzig 2010
• Gewicht: 865 g
• ISBN: 978-940064-84-4
• 10.00 €
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Nicola Reiter:

Positio

Im Juni 2003 wurde in der Allgäuer Gemeinde Durach ein über hundert Jahre altes Buch mit dem Titel »Heiligen-Legende« gefunden. Lose und ohne eine erkennbare Ordnung befand sich zwischen den Seiten des Buches eine Sammlung von Zetteln, privaten Fotografien, Zeitungsausschnitten,Todesanzeigen und christlichen Drucksachen. Das Buch hatte der Bäuerin Walburga Wiedemann gehört. Nicola Reiter nahm es vierzig Jahre nach dem Tod der Bäuerin als Ausgangspunkt für eine eigene Recherche. Akribisch sicherte sie die eingelegten Fundstücke und befragte Dorfbewohner und Verwandte nach der Bedeutung dieser wenigen, oft etwas rätselhaften Spuren eines fremden Lebens. Auf diese Weise erfuhr sie einiges über den Dorfalltag im Nationalsozialismus und in der Nachkriegszeit. Nicola Reiters »Positio« ist ein Spiel mit Rollen und Formaten, ihre Buchgestaltung ist integraler Bestandteil der Erzählung. Von Außen wirkt »Positio« wie ein Dossier oder eine Akte. Dieser amtliche Duktus setzt sich auch im Inneren fort: Die grün umrandeten Seiten erscheinen wie Vordrucke und die Typografie lässt an maschinengeschriebene Archivdokumente denken. Gerade aus dieser Kargheit aber gewinnt Nicola Reiters »Recherche anhand eines gefundenen Buches« ihre poetische Dichte.

• 162 Pages, 22.7 x 30,1 cm
• Gestaltung: Nicola Reiter
• Leipzig 2009
• Gewicht: 490 g
• ISBN: 978-3-940064-88-2
• 34.00 €
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Christoph Schäfer:

Die Stadt ist unsere Fabrik. / The City is Our Factory.

"Die Stadt ist unsere Fabrik" ist ein Bildessay in 158 Zeichnungen. Der Hamburger Künstler Christoph Schäfer erzählt in sechs Kapiteln eine rhizomatische Geschichte des Urbanen: vom Ur-Schlamm bis zur »Recht auf Stadt«-Bewegung in Hamburg 2009.
Mit dem Aquarellstift zeichnet er die Begriffslandschaften Henri Lefebvres nach, jene "Die Revolution der Städte", die der französische Philosoph in den 1970er Jahren heraufziehen sah. Im postindustriellen Zeitalter, so die These, wird die Stadt selbst zum zentralen Produktionsort. Im urbanen Gewebe spielen Subkulturen, KünstlerInnen, Designer heute eine bedeutende Rolle: als Produzenten von kollektiven Räumen, als Erfinder von Orten des Begehrens. In einer Gesellschaft, in der Leidenschaft und Arbeit, Privatheit und Professionalität zunehmend schwieriger zu unterscheiden sind, wird der Kampf um die Stadt zu einem Kampf um die Produktionsmittel -- zu einem Kampf um das Recht auf Stadt. -- Zu was aber, fragt Christoph Schäfer, könnte ein Produzieren zwischen Latte Macchiato und Selbstorganisation in Zukunft führen? Welche Alternativen lassen sich zum neoliberalen Urbanisierungsmodell entwickeln, das fortgesetzt schwarze Löcher produziert: Finanzkrisen, verschüttete Stadtarchive, Marketing-Idiotismen? -- Ein riesiger, singender Pitbull gibt in "Die Stadt ist unsere Fabrik" die Antwort: "Señoras y Señores! - die Städte der Multitude werden Orte der Leidenschaft sein oder, Ladies and Gentlemen -- sie werden nichts sein!"

Content:
Lefebvre 4 Kids
Der angeeignete Raum / Appropriated Space
1979: Grande Latte - Die Stadt ist unsere Betriebskantine
The City is Our Canteen
Schwarze Löcher / Black Holes
Hamburg: Die "Wachsende Stadt" mit Projekten umstellen /
Surrounding the "Growing City" with Projects
Der Abend den ich gerne als Film hätte /
The evening I would like to have on Film

• 304 Seiten, 150 Zeichnungen, deutsch / english, 34 x 23.9 cm
• Gestaltung: Ina Kwon
• Leipzig 2010
• Gewicht: 1260 g
• ISBN: 978-3-940064-95-0
• 28.00 €
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Matthias Hamann:

Rauschen

Der Fotograf Matthias Hamann hält mit seiner Kamera Menschen fest, deren Identität auf den ersten Blick nicht eindeutig scheint. Er fotografiert sie in Parks oder in ihren eigenen Räumen; es könnten Freunde sein, die für ihn posieren oder auch Menschen, denen er zufällig auf der Straße begegnet ist. „Die Fotografien von Matthias Hamann zeigen den Moment, in dem die Illusion porös wird: idealtypische Inszenierungen von körperlicher Schönheit und sexueller Identität, von Männlichkeit, Weiblickeit oder irgendwas dazwischen.“ (Arne Linde)

The identity of the people shot by photographer Matthias Hamann remains uncertain on first glance. He captures them in public parks or in their own private spaces. They could be friends who pose for him, or otherwise they might as well be people he met by chance on the street. “The photographs of Matthias Hamann show the instant when illusion becomes porous: exemplary stagings of physical beauty and gender identity, of masculinity, femininity or something in between.“ (Arne Linde)

• 32 Seiten, 32 pp., folded newspaper in plastic sleeve, 32.7 x 46,3 cm
• Auflage: 500
• Gestaltung: Markus Dreßen und Matthias Hamann
• Leipzig 2009
• Gewicht: 205 g
• ISBN: 978-3-940064-01-1
• 12.00 €
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Michaela Melián:

RÜCKSPIEGEL

Michaela Melián sprach mit Alexander Kluge, Edgar Reitz, Josef Anton Riedl, Hans-Jörg Wicha sowie Kurd Alsleben über die Multimedia-Arbeit VariaVision -Unendliche Fahrt, das Studio für elektronische Musik und die HfG Ulm.

Michaela Melián spoke with filmmaker Alexander Kluge, Edgar Reitz, Josef Anton Riedl, Hans-Jörg Wicha and Kurd Alsleben about their multimedia film project Varia Vision - Unendliche Fahrt (Varia Vision, Endless Journey, 1965), the Studio for Electronic Music and the Ulm School of Design. The work Varia Vision – Unendliche Fahrt was intended as a statement against the rigid peepshow principle of the cinema, providing non-stop audiovisual impressions on the theme of travel to an unbroken flow of visitors moving through the exhibition hall. For Rückspiegel (Rear-View Mirror, 2008), Melián conducted interviews with the makers of Varia Vision, filmed actors reciting these interviews. The characters speak in turn about their project and about formulating a mission statement at the Ulm School of Design – shut down while they were teaching there in the 1960s due to political disagreements – to offer a vision of the future of film whose full scope still hasn’t been realized today.

• 72 Seiten, 72 pp., German/ English, 16 x 23 cm
• Gestaltung/ design: Keller Maurer Design mit/ with Anja Gindele
• Leipzig 2009
• Gewicht: 180 g
• ISBN: 978-3-940064-91-2
• 12.00 €
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Clemens von Wedemeyer:

Screenplay

“The time has come to pose the question of the culture of cinematic language without reservation. It is important that everyone involved in film making expresses their views on this matter.” (S. Eisenstein)

It is no secret that Godard works without a script and makes up the actors’ lines on the set - at times much to their annoyance. The artist and film maker Clemens von Wedemeyer turns this approach on its head. In „Drehbuch/ Screenplay“ he develops a script for a film which exists on paper only. Within the context of a story line following the production of a film, it reflects on cinema in the form of a text montage from Arnheim to Zizek. In seven chapters von Wedemeyer gives a voice to the film production personnel from the cutter to the voice-over artist, the sound editor, the director’s assistent, the producer and even an audience member and the ice cream seller in the cinema, as they go about their cineastic work. Out of their mouths Truffaut, Hitchcock and Krakauer are speaking about the history of cinema.

The scenes switch with sharp cuts between theory and practice, between an imagined ideal of film production and the harsh reality of the cutting table, where the producer reads out his list of changes to the young auteur.

In the film script style of Guy Debord the assembled text in “Drehbuch/Screenplay” joins and separates the temporalities and (in-)visibilities of the scenes.

“Drehbuch/Script” is the blueprint for a film which comes to life exclusively in the head of the reader: „Cinema doesn’t get more beautiful than this!“ (An enthusiastic reader)

• 64 Seiten, Texte in engl., 10.8 x 18 cm
• Gestaltung: Till Gattmann
• Leipzig 2009
• Gewicht: 60 g
• ISBN: 978-3-940064-89-9
• 10.00 €
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Clemens von Wedemeyer:

Drehbuch

"Es ist an der Zeit, die Frage nach der Kultur der Kinosprache erneut in aller Schärfe zu stellen. Dass sich aus diesem Anlass alle Kinoschaffenden äußern, ist wichtig." (S. Eisenstein)

Es ist kein Geheimnis, dass Godard ohne Drehbuch arbeitet und erst am Set sich einen Text für die Schauspieler – manchmal sehr zu ihrem Unwillen – ausdenkt. Der Künstler und Filmemacher Clemens von Wedemeyer verkehrt diese Arbeitsweise ins Gegenteil. In „Drehbuch/ Screenplay“ entwickelt er ein Drehbuch für einen Film, der nur auf dem Papier existiert. Eingebettet in eine Handlung, bei der ein Film produziert wird, reflektiert es über das Kino in Form einer Textmontage von Arnheim bis Zizek. In sieben Kapiteln lässt von Wedemeyer das Filmpersonal vom Cutter, der Synchronsprecherin, dem Tonmeister, dem Regieassistenten, dem Produzenten einschließlich der Zuschauer und Eisverkäuferin im Kino während der cineastischen Arbeit zu Wort kommen. Aus ihrem Munde sprechen Truffaut, Hitchcock und Krakauer über die Geschichte des Kinos. In schnellen Schnitten wechseln die Szenen zwischen Theorie und Praxis, zwischen dem Wunsch, wie Filme gemacht werden könnten und der harten Realität am Schneidetisch, wo der Produzent mit einem Zettel in der Hand den jungen Autoren seine Änderungen diktiert. Ähnlich der Filmscript-Weise von Guy Debord trägt, verbindet und trennt der montierte Text in Drehbuch die Zeitlichkeiten und (Un-)Sichtbarkeiten der Szenen. „Drehbuch“ ist die Vorlage für einen Film, der allein im Kopf des Lesers entsteht: „Schöner kann Kino kaum sein!“ (Eine begeisterte Leserin)

• 64 Seiten, Texte in dt., 10,8 x 18 cm
• Gestaltung: Till Gathmann
• Leipzig 2008
• Gewicht: 60 g
• ISBN: 978-3-940064-90-5
• 10.00 €
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Olaf Nicolai:

Rodakis

• Poster + 8 seitiges Heft, Texte in engl. Sprache, 15.1 x 21 cm
• Gestaltung: Markus Dreßen
• Leipzig 2008
• Gewicht: 50 g
• ISBN: 978-3-940064-86-8
• 8.00 €
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Lina Grumm:

A-Z / A=A (s. Identität)

Das Buch erhielt für seine konzeptuelle und gestalterische Qualität den Walter-Tiemann-Förderpreis 2008.

• 196 Seiten, 136 Bildtafeln, Texte in dt. Sprache, 22.7 x 29.7 cm
• Gestaltung: Lina Grumm
• Leipzig 2008
• Gewicht: 795 g
• ISBN: 978-3-940064-85-1
• 45.00 €
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