Spector Books

Jutta Stein, Katja Klaus:

Junges Design am Bauhaus Dessau

Bauhaus paperback No. 11

Junges Design gehört ans Bauhaus! Die Stiftung Bauhaus Dessau hat in den letzten Jahren kontinuierlich ihr Bildungs- und Vermittlungsprogramm um den Schwerpunkt Design erweitert. Mit neuen Bildungsformaten hat sich Dessau hiermit zu einem „place to be“ für Architektur- und Designvermittlung entwickelt. Am Beispiel des IKEA-Bauhaussommers 2013 und 2014 – bestehend aus einem dreimonatigen Designers-in-Residence-Programm und einer dreiwöchigen Sommerwerkstatt – lässt sich ablesen, dass das Bauhaus Dessau eben kein Elfenbeinturm ist, sondern Bildung immer auch als Praxistest für Gestaltung verstanden wird. Beim IKEA Bauhaussommer geht es nicht um ein Reproduzieren historischer Formen und Formate: Mit heutigen Themen soll die faszinierende Bauhausgeschichte lebendig und die Moderne fortgeschrieben werden.

Modern design belongs at the Bauhaus! In recent years, the Bauhaus Dessau Foundation has steadily extended its education and outreach programme to cover the area of design. The introduction of new pedagogical formats has made Dessau a premier location for the teaching of architecture and design. The example offered by the IKEA Bauhaus summer in 2013 and 2014 – consisting of a three-month designers-in-residence programme and a three-week summer workshop – indicates that the Bauhaus Dessau is no ivory tower but a place where education is still seen, as it always has been, as a proving ground for design. The IKEA Bauhaus summer is not about reproducing historical forms and formats but about animating the enthralling history of the Bauhaus and perpetuating the modernist narrative by linking into the concerns of the day.

• ca. 144 Seiten, 10,6 x 14,6 cm, Deutsch, ca. 11 s&w Bildung und ca. 44 farbabildungen, Fadenheftung
• Doreen Ritzau auf Basis eines Konzeptes von / based on a concept by HORT
• Stiftung Bauhaus Dessau
• Leipzig 2015
• Gewicht: 120 g
• ISBN: 978-3-944669-84-7
• 9.00 €
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Essay: Philip Ursprung:

Script of Demolition

Zwischen der Zündung einer Sprengladung und dem Einsturz eines Gebäudes liegen oft nur Sekunden, die Planung für eine Sprengung dauert jedoch Wochen. Sprengen ist ein Beruf, der auf Erfahrung beruht und durch das Medium des Bildes vermittelt wird. Der Sprengmeister fertigt, bevor er ein Gebäude zu Fall bringt, eine präzise technische Zeichnung über den Verlauf an. Die Sprengung selbst wird dann mit mehreren Kameras aus verschiedenen Blickwinkeln festgehalten. Danach werden die Zeichnungen über die Fotografien gelegt, um die Sprengung zu kontrollieren. Ein permanenter Abgleich, ein Optimieren zwischen der Vorstellung und dem Realen mittels der Zeichnung und Fotografie. Alina Schmuch benutzt in ihrer künstlerischen Arbeit meist selbst das Medium Fotografie und arbeitet in dem Buch mit dem umfangreichen Bildarchiv der Sprengmeisterfamilie Fink. Es umfasst verschiedene bildgebende Medien – von 8mm Film bis Digitalfotografie. In dem Buch sind Bewegungsabläufe zusammenbrechender Schornsteine, Fernsehtürme und Häuser zu sehen, die nicht unter ästhetischen Kriterien aufgenommen wurden.

Often there are only seconds between the ignition of a blasting charge and the collapse of a building, but the planning for such a demolition can take weeks. Blasting is a profession that relies on experience, and that is conveyed through the medium of the image. The blaster, before he destroys the building, makes a complex technical drawing of the progression. The detonation itself is then recorded by several cameras from different view points. Afterwards the drawings are superposed over the photographs in order to control the blast. A permanent calibration, an optimization between the idea and the reality by the means of drawing and photography. In her artistic work, Alina Schmuch also mostly uses the medium of photography. For the project Script of Demolition she worked with the extensive image archive of the blaster family Fink. The publication includes different imaging media — from 8mm film to digital photography. The book presents movement sequences of collapsing chimneys, TV towers and buildings that have been recorded following explicitly nonaesthetic criteria.

• 336 Seiten, 20 x 27 cm, Deutsch und Englisch, mit zahlreichen Zeichnungen und Fotografien, fadengeheftete Klappenbroschur / 336 pp., 20 x 27cm German and English, including numerous drawings and phot
• Gestaltung: Jan Kiesswetter
• Heike Schuppelius, Armin Linke (Hrsg.)
• Leipzig 2014
• Gewicht: 1130 g
• ISBN: ISBN: 978-3-944669-2
• 36.00 €
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Texte: Alexandra Pirici, Pablo Helguera, Ulf Aminde:

Art in Times of Gray Democracy

Hat Kunst das Potential, politische Teilhabe zu fördern und lebendig zu halten? Im Auftrag der Galerie für Zeitgenössische Kunst lud Joanna Warsza die KünstlerInnen Alexandra Pirici, Pablo Helguera und Ulf Aminde nach Leipzig ein, um drei Projekte im öffentlichen und halböffentlichen Raum auszuprobieren: Pirici inszenierte eine choreografische Intervention im Völkerschlachtdenkmal, Helguera einen improvisierten Sprechchor und Aminde die Generalprobe eines Kunststreiks. Alle Arbeiten wurden in der Reihe Performative Democracy gezeigt, deren Titel dem gleichnamigen Buch der polnischen Soziologin Elżbieta Matynias entlehnt ist. Darin werden Personen als politisch handelnde Wesen beschrieben, die mit ihrem Agieren eine kollektive Tragweite erlangen. Die Publikation Art in Times of Gray Democracy bildet den Abschluss der Projektreihe Performative Democracy und erscheint im Zeitschriftenformat.

Does art have the potential to stimulate and sustain political participation? On behalf of the Galerie für Zeitgenössische Kunst, Joanna Warsza invited the artists Alexandra Pirici, Pablo Helguera, and Ulf Aminde to Leipzig to try out three projects in public and semi-public spaces: Pirici staged a choreographic intervention at the Monument to the Battle of the Nations, Helguera an improvised speaking choir, and Aminde the dress rehearsal for an art strike. All the works were shown as part of the Performative Democracy series, whose title is taken from the book of the same name by Polish sociologist Elżbieta Matynia. It describes people as politically active creatures whose collective significance is derived from their actions. The publication Art in Times of Gray Democracy brings to a close the Performative Democracy series. It is produced in magazine format.

Alexandra Pirici, (1982) lives and works in Bucharest. In 2014 she was invited to take part in MANIFESTA 10 in Saint Petersburg. Pablo Helguera (1971 in Mexico City) lives in New York. He works as head of education at MoMA, New York. Ulf Aminde (*1969) lives and works in Berlin. He created projects for the 4th Berlin Biennale, the Museum of Contemporary Art in Taipei, and the Paço das Artes in São Paulo.

• 76 Seiten, 18 x 26 cm, Deutsch / Englisch, mit zahlreichen Duplex-Abbildungen, Rückstichbroschur / 76 pp., 23 x 31 cm, German / English, numerous duotone images, stapled
• Gestaltung: Leila Tabassomi, Stefan Walter
• Herausgeber: Julia Kurz, Joanna Warsza, Franciska Zólyom für die GfZK Leipzig
• Leipzig 2015
• Gewicht: 650 g
• ISBN: ISBN 978-3-944669-78
• 18.00 €
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Manfred Mohr, Margit Rosen:

Der Algorithmus des Manfred Mohr

Manfred Mohr gilt als Pionier der Digitalkunst, er war einer der ersten Maler, die sich im 20. Jahrhundert dem Computer als Mittel künstlerischer Produktion zuwandten. Die entscheidende Wendung erfuhr sein Werk Ende der 1960er Jahre durch die Begegnung mit Pierre Barbaud, einem der Wegbereiter computergestützter Komposition in Frankreich: Mohr beginnt mit Computern zu experimentieren und bereits 1971 pr.sentiert das Mus.e d’Art Moderne de la Ville de Paris seine computergenerierten Zeichnungen in einer Einzelausstellung. Das Textbuch gibt mit einer Auswahl von Essays, Briefen und Interviews aus den Jahren 1963 –1979 Einblick in das Frühwerk Manfred Mohrs. Die Dokumente sind beispielhaft für die frühe künstlerische Auseinandersetzung mit Computertechnologie, für das Ringen um neue Begriffe und Modelle sowie die Positionierung im Feld der Kunst. Manfred Mohr (*1938), lebt in New York, das ZKM in Karlsruhe zeigte 2013 eine Retrospektive, Mohr erhielt 2013 den ACM SIGGRAPH Distinguished Artist Award for Lifetime Achievement in Digital Art.

Manfred Mohr is regarded as a pioneer of digital art — he was one of the first painters of the 20th century who turned towards the computer as a medium of artistic production. His work took its definitive turn at the end of the 1960s after Mohr’s encounter with Pierre Barbaud, one of the forerunners of computer-based composition in France. Mohr began to experiment with computers, and as early as 1971, the Mus.e d’Art Moderne de la Ville de Paris showed his computer-generated drawings in a solo show. The textbook offers insight into the early work of Manfred Mohr through a selection of essays, letters and interviews from the years 1963 –1979. The documents are exemplary for the early artistic debate surrounding computer technology, for the battles with new terms and models as well as the positioning of this new genre within the field of art. Manfred Mohr (*1938) lives in Los Angeles. The ZKM in Karlsruhe presented a retrospective in 2013, and likewise in 2013 Mohr received the ACM SIGGRAPH Distinguished Artist Award for Lifetime Achievement in Digital Art.

• 120 Seiten, 13.5x20 cm, Deutsch, 80 schwarz-weiß Abbildungen, Softcover mit Klappen 120 pp., 13.5x20 cm, German, 80 black-white illustrations, paperback with flaps
• Gestaltung: Demian Bern
• Hrsg. Margit Rosen
• Leipzig 2015
• Gewicht: 290 g
• ISBN: 978-3-944669-16-8
• 16.00 €
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Kulturforum Dessau (Hg.):

Dessau - Stadt ohne Zentrum?

Mit Texten von: André Bücker, Andreas Montag, Olaf Zimmermann, Patrick S. Föhl, Joachim Liebig, Jakob Strobel y Serra, Regina Sonnabend, Sabine Edner, Thomas Holzmann, Walter Prigge, Philipp Oswalt, u.a.

Dessau – Stadt im Abseits? Mit dieser Frage interveniert das Kulturforum Dessau, das informelle Netzwerk vom Bauhaus über die Evangelische Kirche bis zum Umweltbundesamt, in eine erodierende kultur- und stadtpolitische Situation: Die Stadt hat kein Konzept für eine urbane Kultur, keine Ideen für den Umbau in der Stadtentwicklung, und sie ist weder ein vitales Oberzentrum für die Region noch kreativer Impulsgeber für die hart schrumpfende Stadt- gesellschaft. Antworten auf kulturpolitische Fragen geben Anstöße zur Diskussion: Wie geht es weiter mit dem Stadttheater ange- sichts drohender Haushaltskürzungen? Helfen Kulturentwicklungspläne noch, wenn Schlösser und Museen dem- nächst geschlossen werden müssen? Welche Entwicklungschancen hat eine Stadt ohne vitales Zentrum? Was leisten global orientierte Kulturinstitutionen für die fehlende Alltagsurbanität einer schrumpfenden Stadt?

• ca. 180 Seiten, 12 x 17 cm, Deutsch, Broschur
• Gestaltung: Florian Lamm
• Leipzig 2014
• Gewicht: 180 g
• ISBN: 978-3-944669-70-0
• 14.00 €
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Philip Gaißer / Niklas Hausser:

Alma

Mit Texten von / with texts by Benjamin Bühler, Egbert Haneke, Dieter Treutter

Der Apfel und die analoge Fotografie: Die beiden Künstler Philip Gaißer und Niklas Hausser haben sich gemeinsam mit Pomologen auf die Suche nach bekannten und weniger bekannten Apfelsorten begeben. Manchmal sind sie sogar über Gartenzäune geklettert, um jene seltenen Exemplare aufzulesen, die mittlerweile in Vergessenheit geraten sind. Für diese Apfelserie haben sie 23 unterschiedliche Kleinbildfilme benutzt, deren Beschaffung sich mittlerweile ähnlich schwierig gestaltet wie etwa die der Apfelsorte „Ananasrenette“ (Fuji Pro 400H). Das Buch „Alma“ – benannt nach dem Urapfel aus Kasachstan – ist nicht nur ein pomologisches Lexikon, sondern ein fotografischer Kommentar auf das Verschwinden analoger Bildtechnologien anhand eines Objektes, das ebenfalls rasanten Veränderungen unterliegt und an Vielfalt eingebüßt hat. „Alma“ liest sich als ein Kompendium der feinen Unterschiede in Form, Farbe, Korn und Schärfe – die serielle Schönheit des Fehlers wie Flusen, Farbstiche, Fäulnisflecken inbegriffen.

Apples and analogue photography: Together with pomologists the photographer Philip Gaißer and the artist Niklas Hausser went in search of known and lesser-known apple varieties. Sometimes they would climb over garden fences to collect those rare types that today have fallen into oblivion. For their series of apples, they used 23 different 35format films, whose acquisition proved similarly difficult to that of the apple variety “renetta ananas” (Fuji Pro 400H). “Alma”— named after the ur-apple from Kazakhstan — is not only a pomological encyclopedia, but also a photographic comment on the disappearance of analogue image technology by means of an object that — similar to photography — has lost much of its variety. “Alma” can be read as a compendium of the fine differences in form, color, grain and focus — including the serial beauty of mistakes such as lint, color fault, and rot marks.

• 212 Seiten, 27.5 x 27.5cm, Deutsch, 176 Farbabbildungen, fadengehefteter Leineneinband 212 pp., German, 176 colour illustrations, thread-sewn hardcover, clothbound
• Gestaltung: Hammer, Zürich
• Herausgegeben von A.K. Lenz
• Leipzig 2014
• Gewicht: 1000 g
• ISBN: 978-3-944669-24-3
• 40.00 €
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Ilit Azoulay:

Shifting Degrees of Certainty

Ilit Azoulay bezog im Juni 2013 ein Studio in den KW Institute for Contemporary Art Berlin und nutzte die fünf Monate ihres Aufenthalts, um ihr archäologisches Interesse an Städten zu vertiefen. Sie sammelte und fotografierte Objekte und architektonische Fragmente von Berlin bis Bamberg sowie im Gebäudekomplex der KW selbst und entwickelte Narrationen zu den Fundstücken, die auf Korrespondenzen mit Hausbesetzern, Pflanzenforschern und Präparationsexperten beruhen. Für ihre Ausstellung SHIFTING DEGREES OF CERTAINTY präsentierte Azoulay jene 93 abgelichteten Objekte in einer ortsspezifischen Installation mit Audioguide.

Ilit Azoulay moved into a studio at the KW Institute for Contemporary Art Berlin in June 2013 and used her five-month residency to develop her interest in the archaeology of cities. During her travels throughout Germany, she collected and photographed objects and architectural fragments in towns and cities from Berlin to Bamberg, as well as in the KW building itself. In the process she developed narratives about her finds based on correspondence with squatters, botanists, and taxidermists.For her exhibition SHIFTING DEGREES OF CERTAINTY at KW, Azoulay presented ninety-three photographed objects in a site-specific installation, combined with an audio guide. A publication of the same title, published in the form of a paperback book, accompanies the exhibition and examines the project’s archival character. It contains images of the work on view, along with all the texts from the installation’s audio guide.

• ca. 194 Seiten, 11.5x15.5 cm, Englisch, 42 s&w Bildungen, Taschenbuch
• Gestaltung: Tobias Wenig
• Adela Yawitz (Hrsg.)
• Leipzig 2014
• Gewicht: 160 g
• ISBN: 978-3-944669-99-1
• 9.90 €
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Merlin James:

Signal Box

Jedes Gemälde des britischen Künstlers Merlin James ist für sich genommen eine „Signal Box“ - zu deutsch: Stellwerk - im übertragenen Sinn, mit der er sich in einem bewussten Spiel mit den semantischen Elementen des Bildes an den Betrachter richtet. SIGNAL BOX, die gleichnamige Einzelausstellung im KW Institute for Contemporary Art Berlin 2013, beleuchtete das Oeuvre des Künstlers anhand von Arbeiten der frühen 1980er Jahre bis heute. Die Schau war um wiederkehrende Motive wie Landschaften, Sex und Interieurs gruppiert.

 Anlässlich der Ausstellung erschien SIGNAL BOX, der zweite Band in der KW POCKET Reihe. Das Buch enthält Ausstellungsansichten, eine Auswahl von Abbildungen wichtiger Werke sowie ein Gespräch zwischen Merlin James und Ellen Blumenstein, Chefkuratorin der KW.

Looked at in isolation, each of British artist Merlin James’s paintings is, figuratively speaking, a “signal box”, an appeal addressed to the viewer in a conscious play with the semantic elements of the picture. From September 18 to November 10, 2013, his exhibition SIGNAL BOX was on view at the KW Institute for Contemporary Art in Berlin. It spanned three decades of his work, representing his range of imagery and genres, as well as his technical and stylistic approaches. Following this exhibition, the second book in the series KW POCKET, SIGNAL BOX, was published. The book contains exhibition views, a selection of images of important works, and a conversation between Merlin James and Ellen Blumenstein, chief curator of KW.

• ca. 64 Seiten, 11.5x15.5 cm, Englisch, 11 s&w Bildungen und 15 farbabildungen, Taschenbuch
• Gestaltung: Alexandra Hahn
• Leipzig 2014
• Gewicht: 55 g
• ISBN: 978-3-944669-98-4
• 9.90 €
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Katarina Zdjelar:

Towards a Further Word

Katarina Zdjelars Video-, Sound- und Textarbeiten dokumentieren alle einen Moment körperlichen Ausdrucks, der beim Übergang von Sprache zu Musik sicht- und hörbar wird. Sie zeigen, wie sich historische und geopolitische Zwänge auf individuelle oder kollektive Wünsche auswirken. In „The Perfect Sound“ (2009) hat die Künstlerin zum Beispiel die Sitzung eines englischen Sprachtherapeuten aufgezeichnet, der durch gezieltes Stimmtraining einem Einwanderer den fremdsprachigen Akzent abgewöhnt. Der Therapeut intoniert, der Patient ahmt die fremden Laute nach. Das Stimmtraining soll den Neuankömmling die reibungslose Integration in die britische Gesellschaft ermöglichen und vor Übergriffen schützen – so die Intention der Behörden. Die Publikation „Towards a Further Word“ basiert auf der Einzelausstellung von Katarina Zdjelar im Bielefelder Kunstverein 2014 und vereint ausgewählte Werke der letzten sechs Jahre.

Katarina Zdjelar’s video, sound, and text works all document a moment of physical expression, which takes on visual and audible form in the transition from speech to music. They show how historical and geopolitical forces impinge on individual or collective desires. Take, for example, The Perfect Sound (2009), in which the artist recorded a session conducted by an English speech therapist, as he helps an immigrant to lose his foreign accent using voice-training exercises specifically designed for the purpose. The therapist intonates and the patient copies the “alien” sounds. The voice training is aimed at new arrivals in the country to help facilitate their smooth integration into British society and protect against abuse – this, at least, is the intention of the authorities. The publication Towards a Further Word is based on Zdjelar’s solo exhibition at the Bielefelder Kunstverein in 2014 and brings together a selection of works from the last six years.

• ca. 88 Seiten, 17x24 cm, Deutsch/Englisch, 37 s&w Abbildungen und 40 Farbabbildungen ca. 88pp., German/English, 37 b&w and 40 colour plates, 17x24 cm, Softcover and thread sewn paperback with belly ba
• Gestaltung: Goda Budvytyte
• Herausgeber: Thomas Thiel
• Leipzig 2014
• Gewicht: 26 g
• ISBN: 978-3-944669-77-9
• 22.00 €
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Léo Favier:

Comment, tu ne connais pas Grapus?

Grapus est un collectif de graphistes français fondé après les mouvements étudiants de mai 1968 à Paris. Dès sa création, le groupe affirme son intention de changer la vie et développe dans une même dynamique recherche graphique et engagement politique, social et culturel. Si au départ, Grapus dessine des affiches pour des fédérations locales de la cgt ou pour le Parti Communiste Français, vingt ans plus tard, il réalise l’identité visuelle du parc de la Villette et du Louvre. à la fin des années 1980, les temps prolifiques du travail collectif arrivent à leur fin. Durant des années, le groupe a attiré des dizaines de graphistes français et étrangers. Après avoir reçu le Grand prix national des arts graphiques, Grapus décide de se séparer en 1990. Léo Favier est parti à la recherche des personnes ayant composé ce collectif. Ce livre raconte à travers vingt-six entretiens la création de cette utopie et les nombreuses péripéties qui s’en sont suivies.

• 224 Seiten, 13x19 cm, englischsprachige Ausgabe, zahlreiche s /w und Farbabbildungen, fadengeheftetes Softcover / 224 pp., 13x19 cm, French and English Edition, numerous black-white and coloured illus
• Léo Favier
• Leipzig 2014
• Gewicht: 400 g
• ISBN: 978-3-944669-48-9
• 19.00 €
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Léo Favier:

What, you don’t know Grapus?

Grapus ist ein französisches Grafikdesign-Kollektiv, das von François Miehe, Pierre Bernard und Gérard Paris- Clavel unmittelbar nach der Studentenrevolte im Mai 1968 in Paris gegründet wurde. Die Gruppe verstand das Leben als ein Experimentierfeld, in dem neue politische, soziale und kulturelle Debatten durch grafische Umsetzungen in der Öffentlichkeit diskutiert werden konnten. Grapus entwarf zu Beginn Plakate für lokale Verbände der Kommunistischen Partei und nach 20 Jahren das Erscheinungsbild des Louvre in Paris. Ende der 1980er Jahre war die frucht- und streitbare Zeit des Kollektivs vorbei. In seiner produktiven Phase band es viele engagierte Grafiker an sich und wurde 1990 mit dem französischen Grand prix national des arts plastiques geehrt. Léo Favier hat sich auf die Suche nach den Mitstreitern von damals gemacht. In seinem Buch erzählt er in 25 Interviews von utopischen Arbeitsweisen und kontroversen Disputen, die den Kern des kollektiven Zusammenlebens ausmachten.

Grapus [ \gra-´pUEs] is a French graphic design collective founded in Paris immediately following the student protests of May 1968. The group saw life as a field for experimentation, putting the new political, social, and cultural debates into graphic form for public discussion. At first Grapus designed posters for local chapters of the Communist Party; twenty years on, they were chosen to design the corporate identity of the Louvre in Paris. By the late 1980s, the collective’s productive days were over. In its heyday it had attracted many highly committed graphic artists both from France and abroad. After receiving the Grand Prix National des Arts Graphiques, the group decided to disband in 1990. Léo Favier set out in search of the former members of the collective. The twenty-six interviews in his book tell of the utopian working methods and heated disputes that were at the heart of this collective way of life.

• 224 Seiten, 13x19 cm, englischsprachige Ausgabe, zahlreiche s /w und Farbabbildungen, fadengeheftetes Softcover / 224 pp., 13x19 cm, French and English Edition, numerous black-white and coloured illus
• Gestaltung: Léo Favier
• Leipzig 2014
• Gewicht: 400 g
• ISBN: 978-3-944669-49-6
• 19.00 €
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André Gelpke:

Amok

Amok ist ein persönlicher Kommentar André Gelpkes zu den Absurditäten unseres Lebens. Getreu seinem Motto «Fotografie ist eine Hure, niemals wahr, immer nur behauptend» nutzt er das Medium, um seine subjektive Sicht auf die Welt zu zeigen. Ohne erklärend oder anekdotisch zu werden, befragt er mit Hilfe der Kamera die kleinen, natürlich stattfindenden Inszenierungen des Alltags. Neben Michael Schmidt und Heinrich Riebesehl gehört André Gelpke zu den wichtigsten Autorenfotogra

Amok is André Gelpke’s personal commentary on the absurdities of our lives. True to the artist’s motto, “Photography is a whore, never faithful, always feigning,” Gelpke uses the medium to formulate his subjective view of the world. Without being explanatory or anecdotal, he examines, with the help of the camera, the small, naturally occurring settings of everyday life. Along with Michael Schmidt and Heinrich Riebesehl, Gelpke is one of the most important writer-photographers in post-war Germany. Amok brings together for the first time images taken over a period of twelve years, from 2002 to 2014.

• 216 pages, 20 x 27 cm, German/English, Linen hardcover, co-published with cpress, Zurich
• Design: Christof Nüssli
• Editors: André Gelpke, Christof Nüssli
• Leipzig 2014
• Gewicht: 800 g
• ISBN: 978-3-944669-81-6
• 42.00 €
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Markus Weisbeck, Mathias Schmitt, Michael Ott:

Space for Visual Research

Der Raum für Visuelle Forschung arbeitet seit 2013 als Arbeitsraum und Labor für experimentelle Forschung an neuen grafischen, abstrakten und visuellen Welten im Kontext der Bauhaus-Universität Weimar. Er ist Werkstätte und Denkraum zugleich und unterstützt die Notwendigkeit einer entdeckenden Suche nach neuen Ästhetiken. Die Publikation Space for Visual Research ist das Labortagebuch für diese Schule der Visuellen Forschung. Sie ist das Protokoll visueller Experimente, die Verfahren der Physik, Chemie, Optik und Reproduktionstechnik als Ausgangspunkt der Bildproduktion wählen. Interviews und Fachessays sowie eine handverlesene Literaturliste machen Space for Visual Research zu einem Nachschlagewerk für die Theorie Visueller Forschung heute.

Mit Texten von Alex Marashian, Liam Gillick, Karl Schawelka und Sophia Gräfe

The Space for Visual Research was established at the Bauhaus-University Weimar in 2013 as a workshop and laboratory for experimental research into new graphic, abstract and visual worlds. The Space’s mission is to support the exploratory urge for new aesthetics, in particular by empowering design students to create their own individual imagery. The resulting Space for Visual Research publication is a lab book, a log of visual experiments conducted using physics, chemistry, optics and reproduction technology as starting points for image production. Technical explanations open up possibilities for customized reproductions of each visual experiment presented here, while commissioned interviews and essays as well as a hand-picked bibliography render Space for Visual Research a useful reference tool for visual research generally today.

With texts by Alex Marashian, Liam Gillick, Karl Schawelka and Sophia Gräfe

• 184 Seiten, Deutsch / Englisch, Hardcover in 4 Varianten, mit einem Originalprint von Enno Pötschke
• Gestaltung: Enno Pötschke
• Herausgeber: Markus Weisbeck, Mathias Schmitt, Michael Ott
• Leipzig 2014
• Gewicht: 1060 g
• ISBN: 978-3-944669-80-9
• 26.00 €
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Heike Geißler:

Saisonarbeit (VOLTE, Band 2)

Saisonkraft bei Amazon. Ausgerechnet. Für die Autorin und Übersetzerin in Geldnot ist es ein Moment der Misere, für alle anderen ein literarischer Glücksfall. Denn was in den Wochen vor Weihnachten entsteht, ist vieles zugleich: Ein Erfahrungsbericht, der ebenso persönlich wie politisch ist. Kritik an den Verhältnissen mit den Mitteln der Selbstironie. Der Blick in eine Halle, die von der Außenwelt abgeschottet ist und gerade deshalb viel über sie verrät.

In „Saisonarbeit“ geht es um Empfindlichkeit und das Politische des Empfindlichen. Es geht um die Arbeit bei Amazon und darum, dass „mit dieser Arbeit und vielen Sorten Arbeit grundsätzlich etwas faul ist“. Nicht zuletzt auch um Bücher und was sie uns bedeuten können.

„Mit ihrem Text Saisonarbeit, einem radikal subjektiven und doch hoch politischen Erfahrungsbericht über ihre Zeit bei Amazon, hat die Leipziger Autorin Heike Geißler womöglich das Buch der Stunde geschrieben.“ – Nils Kahlefendt, Deutschlandfunk / Börsenblatt

„Dieses Buch hat Kraft, es packt den Leser, denn es ist engagiert geschrieben, so engagiert wie lange keines mehr.“ – Philipp Holstein, Rheinische Post „Ein wichtiges Buch – und ein im Innersten schönes.“ – Janina Fleischer, Leipziger Volkszeitung

„Brillante Studie über einen Megakonzern“ – Jan Drees, Der Freitag

„Eine Handlung, ein Beweis für Lebendigkeit ist Geisslers brillanter Text selbst.“ – Dorothee Elmiger, Die Wochenzeitung

„Ein tiefsinniges Buch über die Haltung unserer Gesellschaft zu Konsum und Arbeit.“ – Süddeutsche Zeitung Magazin

Heike Geißlers Saisonarbeit ist auch bei MIKROTEXT auch als E-Book erhältlich:

http://www.mikrotext.de/books/heike-geissler-saisonarbeit-volte-2

• 270 Seiten Taschenbuch, Deutsch / 270 pp., paperback, German
• Gestaltung: Studio Matthias Görlich
• Herausgeber: Mathias Zeiske, Jörn Dege
• Leipzig 2014
• Gewicht: 250 g
• ISBN: 978-3-944669-66-3
• 14.00 €
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Timo Hinze:

Die flüssige Fabrik

Um die Jahrtausendwende war oft vom neoliberalen Subjekt zu lesen, dass sich freiwillig selbst ausbeutet. Die Debatte darüber ist mittlerweile abgeebbt, aber das Phänomen existiert immer noch. Timo Hinze fragt sich deshalb: Wie kann man etwas – in dem man selber lebt – sichtbar machen? Welche Macht treibt mich zum Handeln? In einer ungestümen, geradezu wilden Collage aus Texten von Deleuze über Marx, Weber bis zu Internetblogs entwickelt er den Begriff der „flüssigen Fabrik“: die leidenschaftliche Bindung des Individuums an seine Erwerbsarbeit, die aus dem räumlichen Gefüge der fordistischen Fabrik herausgeschwappt ist und sich im Leben ausgebreitet hat. „Die flüssige Fabrik“ sind Ströme der Leidenschaft und des Wünschens – jenseits von konkreten Orten wie dem Werksgelände. Hier herrscht eine Art unsichtbare innere Macht, die das Individuum zur Produktion treibt – oft bis an den Rand des Erträglichen.

Around the turn of the millennium there was much discussion of a neoliberal subject that willingly exploits itself. In the meantime the debate has ebbed, but the phenomenon persists. And so Timo Hinze asks: How can you make something visible when you yourself live within it? What power forces me to act? In a rambunctious, almost savage collage of texts by writers from Deleuze to Marx, Weber and Internet blogs, he develops the concept of the “liquid factory”: the passionate attachment of individuals to their gainful employment, one that has washed over from the space of Ford’s factory and spread throughout everyday life. “The liquid factory” consists of currents of passion and desire, transcending concrete places like the actual factory premises. Here what dominates is a kind of invisible inner power that drives the individual to produce – often up to the very brink of the endurable.

• Auflage: 124 Seiten, Deutsch, mit acht Farbabbildungen, Broschur / 124 pp., German , with eight colour illust
• Gestaltung: Timo Hinze, Super Computer At Studio
• Leipzig 2014
• Gewicht: 140 g
• ISBN: 978-3-944669-68-7
• 10.00 €
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Wolfgang Thöner, Monika Markgraf:

Die Meisterhäuser in Dessau

Die Meisterhäuser in Dessau

Die Meistersiedlung in Dessau, nur wenige Minuten vom Bauhaus entfernt, gilt als Inbegriff der Künstlerkolonie des 20. Jahrhundert. Nach den Plänen von Walter Gropius entstanden zwischen 1925 und 1926 drei kubisch-plastische Doppelhäuser und ein Direktorenhaus für die Bauhausmeister und ihre Familien. Die Meisterhäuser waren aber auch Schaufenster eines modernen Wohnens und Haushaltens. Die Siedlung erlebte eine wechselhafte Geschichte, die sechs Jahrzehnte lang auch von Umbau, Zerstörung und Vernachlässigung geprägt war. Seit 2014 ist das Areal wieder vollständig. Dieses Taschenbuch erzählt die Geschichte der Siedlung und offenbart, wie die Doppelhäuser das moderne Leben geprägt haben.

The Masters’ House ensemble in Dessau – located just a short distance from the Bauhaus building itself – epitomises the twentieth-century artists’ colony. The Director’s House and three semi- detached dwellings were constructed between 1925 and 1926. Based on plans drawn up by Walter Gropius, these sculptural cubes were built to accommodate the Bauhaus masters and their families. The Masters’ Houses were also intended as a display window, offering a view of modern life and presenting a model for state-of-the-art housekeeping.Over the last six decades, the buildings have had a chequered history of reconstruction, destruction, and neglect, but as of 2014 the site is now complete again. This paperback book tells the story of the ensemble and shows how the Masters’ Houses have influenced modern life.

• 14,6 x 10,6 cm
• Doreen Ritzau auf Basis eines Konzeptes von HORT
• Stiftung Bauhaus Dessau
• Leipzig 2014
• Gewicht: 100 g
• ISBN: 978-3-944669-76-2
• 9.90 €
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Frank Berger:

Theseus und Kentaur / Traffic Assistants

Mit einem Text / with a text by Florian Ebner

Der Künstler Frank Berger hat eine fotografische Methode entwickelt, die sich als eine Geste des Insistierens beschreiben lässt. Von bestimmten Szenerien, vor allem Straßenszenen, fertigt er umfangreiche Serien von Aufnahmen an, die in fast identischem Ausschnitt Variationen ein-und derselben alltäglichen und für den Fotografen doch signifikanten Konstellation darstellen. Hochauflösend auf Diafilm fotografiert, halten sie nicht den „entscheidenden Augenblick“ fest, sondern beharren viel mehr auf dem „Optisch-Unbewussten“ der Fotografie. Die Künstlerpublikation kombiniert die Serie „Traffic Assistants“ (Shanghai, 2008) mit der Serie „Theseus & Kentaur“(Wien, 2007). Die Figur des Menschen taucht dabei in scheinbar gegensätzlichen Kontexten auf: als heroisches Objektkünstlerischer Repräsentation und touristischer Kontemplation im Wiener Kunsthistorischen Museum sowie in der chaplinesken Choreografie, in der Shanghaier Hilfspolizisten den Verkehr zu steuern versuchen. (Florian Ebner)

Frank Berger has developed a photographic method which can be described as a gesture of insistence. He produces extensive series of photos of certain settings, in particular street scenes, that depict variations of similar, mundane constellations in almost identical framings, and which are yet significant to the photographer. Shot in high-resolution on reversal film, the pictures do not capture a “unique moment”, but rather insist on the workings of the “optical unconscious” of photography. This artist book brings together the series “Traffic Assistants” (Shanghai, 2008) and “Theseus & Kentaur” (Vienna, 2007). Human figures are shown in what appear to be opposing contexts: as the heroic subjects of artistic representation and touristic contemplation at the Vienna Museum of Fine Arts, and then again in a Chaplinesque choreography of assistant policemen in Shanghai trying to control the local traffic. (Florian Ebner)

• ca. 320 Seiten, Deutsch / Englisch, zweiteiliger Schuber, fadengeheftete Broschur, 160 Farbabbildungen
• Till Gathmann, Berlin
• Leipzig 2014
• Gewicht: 1500 g
• ISBN: 978-3-944669-14-4
• 32.00 €
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Ricarda Roggan:

Ricarda Roggan

In den letzten zwei Jahren hat Ricarda Roggan in Museen und Institutionen Dinge aus dem Nachlass von berühmten Persönlichkeiten der deutschen Kulturgeschichte ans Licht geholt und fotografiert - wie den Keramikfisch von Ricarda Huch oder die Taschenuhr von Martin Heidegger. Jene Dinge liegen als Artefakte in Sammlungen und sind an sich belanglos. Erst das Wissen um die Herkunft ihrer vormaligen Besitzer laden sie mit historischer Bedeutung auf, wenn sie ausgestellt werden. Aber was bleibt von ihnen, wenn sie den Ausstellungssockel wieder verlassen haben und in den Archiven verschwinden? Ricarda Roggan platziert ihre Fotografien in jene Lücke, die zwischen dem wissenden Betrachter und dem abgelichteten Objekt entsteht und fragt: Kann Fotografie die ursprüngliche Aura von jenen alltäglichen Dingen aufbewahren und transportieren? „Apokryphen“ wurde in der Ausstellung „Echo“ im Kunstverein Hannover und im Wilhelm Hack Museum in Ludwigshafen 2014 gezeigt.

Over the past two years Ricarda Roggan collected and loaned from various museums and institutions objects which originally belonged to a key figure in the German cultural canon. She photographed them like the ceramic fish once owned by Ricarda Huch or Martin Heidegger’s pocket watch. These objects remain as artefacts in collections and have no intrinsic value. They only take on historical significance when they are shown in public, suffused with an awareness of the identity of their former owners. But what will remain of an object once it has been taken down from its pedestal only to disappear again in the archives? The artist locates her photography in the gap that is created between the knowing viewer and the photographed object and asks the question: Can photography preserve and convey the original auras of these everyday objects? Apocrypha was shown in 2014 in the Echo exhibition at the Kunstverein Hannover and at the Wilhelm Hack Museum in Ludwigshafen.

• 28x21 cm + 15x9,7 cm
• Auflage: Erste Auflage © 2014
• Markus Dreßen, Ricarda Roggan
• Kunstverein Hannover, Wilhelm-Hack-Museum Ludwigshafen
• Leipzig 2014
• Gewicht: 525 g
• ISBN: 978-3-944669-83-0
• 28.00 €
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Luca Frei:

Thursday followed Wednesday and Tuesday followed Monday and there was Sunday...

„Thursday followed Wednesday“ ist die erste Monographie des Schweizer Künstlers Luca Frei (*1976), dessen Arbei- ten im letzten Jahr mit Einzelausstellungen im Bonner Kunstverein und im Kunsthaus Glarus zu sehen waren. In seiner künstlerischen Praxis, die Installationen, Skulpturen, Zeichnungen, Gemälde und Ausstellungsdesign umfasst, befragt und überdenkt Frei Ideen und Spekulationen zu modernistischen Formen. Sein Interesse gilt ihrem Potenzial, neue Formen, von Wahrnehmungen und Betrachterreaktionen hervorzurufen. Statt neue Interpretationen oder Bedeutungen anzubieten, folgen seine vielgestaltigen Arrangements im Raum einer Linie von offenen, assoziativen und sogar partizipatorischen Möglichkeiten. Das Buch stellt Freis komplexe Arbeit in ähnlicher Verknüpfung vor: sechs Autoren, die in langjährigem Dialog mit ihm stehen, beleuchten seine Praxis aus verschiedenen Blickwinkeln. Der etwas extra- vagante Titel des Buches stammt aus einem Roman der amerikanischen Autorin Gertrude Stein. Er bezieht sich auf die Bedeutung von Zeit und Veränderung, auf den Perspektivwechsel, der wesentlich für Freis Werk ist.

Following the exhibitions at Bonner Kunstverein and Kunsthaus Glarus in 2012 and 2013, this is the first mon- ograph dedicated to the Swiss artist Luca Frei (b. 1976). In his artistic practice — from installations, sculptures, drawings and paintings to exhibition design — Frei questions and revisits ideas and speculations about modern- ist forms. In particular, his interest is aimed at their potential to foster new perception and audience response. Rather than offering new interpretations and meanings, Frei's multi-faceted works and their arrangement in space follow a line of open-ended, associative, even partici- patory possibilities. The book introduces Frei’s work in a similarly intertwined structure: six authors that have shared a long-term dialogue with the artist shed a per- sonal light on Frei’s practice from different angles. The book’s somewhat extravagant title is borrowed from a novel by the American writer and poet Gertrude Stein. It relates to matters of time and change, of shifting per- spectives that are central to Frei's work.

• 96 Seiten, Deutsch / Englisch, zahlreiche Farbabildungen, fadenghefter Festeinband / 96pp. German / English, numerous colour illustrations, thread-sewn hardcover
• Gestaltung: Sara De Bondt studio, London
• Herausgeber: Fanny Gonella, Christina von Rotenhan, Sabine Rusterholz Petko
• Leipzig 2014
• Gewicht: 450 g
• ISBN: 978-3-944669-43-4
• 24.00 €
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Felix Salut:

Shut Up I'm Counting

Wie sind Tara und Ohio nur in diese eigenartige Welt geraten, die überwiegend aus Zeichen, Symbolen und Fragmenten besteht? Sie suchen das Zeichen „X“, das sie zum EXIT führen soll. Geleitet von einem Orakel, das rätselhafte Anleitungen gibt, und abgelenkt von einem Punkt, der sich immer neue Hindernisse ausdenkt, kommt es zu skurrilen Situationen. Tara, die diese Welt durch Kombinationen erkennen will, fühlt sich von Ohio gestört, der einen Zahlentick hat. „Shut Up I’m Counting!“ ist ein Projekt, in dem Film, Text und Grafik verschränkt werden. In Form eines Drehbuchs mit 32 Szenen spielt Felix Salut durch, wie man einen Film in ein Buch übersetzen kann. Drehbuch und Stills sind mit typografischen Zeichen so montiert, dass sich die fiktive Geschichte auf Papier in einen Film verwandelt, den man gern in voller Länge sehen möchte.

„Shut Up I’m Counting!“ wurde mit dem Walter-Tiemann-Preis 2014 ausgezeichnet.

 How on earth did Tara and Ohio end up in this strange world, consisting mainly of signs, symbols and fragments? They look for the sign “X”, which is supposed to lead them to the EXIT. Guided by an oracle that gives enigmatic directions, and distracted by a point that keeps devising new obstacles, they wind up in comical situations. Tara, who wants to grasp this world through combinations, is annoyed by Ohio, who has a number tic. “Shut Up I’m Counting!” is a project that combines film, text and graphics. In the form of a film script with 32 scenes, Felix Salut plays with different ways of translating a film into a book. The script and stills are assembled from typographical symbols, transforming the fictional story on paper into a film which one would love to see in full length.

“Shut Up I’m Counting!” was awarded the 2014 Walter Tiemann Prize.

• 160 Seiten, Englisch, mit 76 s/w und Farbabbildungen, fadengeheftete Broschur 160 pp., English, with 76 black-white and colour illustrations, thread-sewn paperback
• Felix Salut
• Leipzig 2014
• Gewicht: 800 g
• ISBN: 978-3-944669-67-0
• 32.00 €
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BaTeŽo Ka MiKiLu:

Zastávka

Zastávka heißt auf tschechisch Haltestelle – ein unromantischer Name für ein junges Dorf, das bis heute kein Zentrum hat, sondern lediglich als Verkehrsknoten für alle umliegenden Ortschaften genutzt wird. Im südlich von Brno gelegenen Zastávka bleibt man nicht länger, dort steigt man um und fährt weiter: ein urbanes Modell, das es auf der ganzen Welt gibt. Ein 15-jähriger, der in Zastávka zur Schule geht, aber dort nicht wohnt, lud die tschechische Künstlerin Katêrina Šedá dorthin ein. Gemeinsam mit fünf weiteren Schülerinnen begann sie eine visuelle Feldforschung, die in der Ausstellung „At Sixes and Sevens (von links nach schräg)“ in der Galerie für Zeitgenössische Kunst Leipzig 2013/14 gezeigt wurde. Unter dem gemeinsamen Namen BaTeŽo Ka MiKiLu zeichneten die sechs Jugendlichen ihr Zastávka als begehbare Installation, die nun in Form eines Ortsführers mit Kommentaren und Interviews aller Beteiligten vorliegt.

Zastávka means bus stop in Czech – an unromantic name for a young village that still lacks a centre, serving merely as a traffic hub for the surrounding towns. Zastávka, south of Brno, is not a place where anyone lingers, it is where you change buses and travel onward: an urban model prevalent throughout the world. The Czech artist Katêrina Šedá was invited to Zastávka by a 15-year-old boy who goes to school there, but lives elsewhere. Together with five other students she began a visual field research project that was presented in 2013/14 at the exhibition „At Sixes and Sevens“ at the Museum for Contemporary Art in Leipzig. Under the joint name BaTeŽo Ka MiKiLu, the six teenagers reproduced their Zastávka as a walk- through installation, now available in the form of a guide- book including commentaries and interviews with all the participants.

• 190 Seiten, Deutsch, Tschechisch, Englisch, mit zahlreichen s/w und Farbabbildungen, Klappenbroschur / 190 pp., German, Czech, English, with numerous black-white and colour illustrations, thread-sewn
• Gestaltung: Radim Peško, London
• Herausgeber: Julia Schäfer, GfZK Leipzig
• Leipzig 2014
• Gewicht: 400 g
• ISBN: 978-3-944669-51-9
• 16.00 €
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Tobias Zielony:

VELE

„Le Vele di Scampia“ ist eine futuristische Wohnsiedlung im Norden von Neapel und ein Schauplatz des Camorra- Krieges. Ende der 1970er Jahre von Francesco di Salvo entworfen und ihrer städtebaulichen Struktur wegen weithin beachtet wurden „Le Vele“ (Die Segel) schon vor ihrer Fertigstellung von Familien aus dem Mafia-Umfeld besetzt. Heute ist der Gebäudekomplex einer der größten Drogenumschlagplätze Europas und ein Symbol für die Macht der Camorra in der Region Neapel. 2008 drehte Matteo Garrone hier seinen Kinofilm „Gomorra“ nach dem Roman von Roberto Saviano. Tobias Zielonys Film „Le Vele di Scampia“ entstand 2009 am gleichen Ort. 7.000 Einzelbilder, mit einer digitalen Spiegelreflexkamera bei Nacht aufgenommen, sind zu einem neunminütigen Animationsfilm montiert, der in seinem Schnitt und seiner Motivik an frühe Stummfilme erinnert. Das Buch „Vele“ basiert auf diesem Animationsfilm und zeigt eine Auswahl von 287 Bildern.

“Le Vele di Scampia” is a futuristic housing estate in northern Naples and a Camorra battlefield. Conceived by Francesco di Salvo in the late seventies and widely recognised for their urbanistic, “Le Vele” (The Sails) were squatted by mafia families even before completion. Today the building complex is a symbol of the Camorra’s power in the Naples region and a key centre of European drug trafficking. Matteo Garrone shot his movie “Gomorra” based on the Novel by Roberto Saviano on the site in 2008. Tobias Zielony’s film “Le Vele di Scampia” from 2009 originates in this very place. Seven thousand single images, shot at night with a digital single-lens reflex camera, are used to create nine minutes of animation film. The book “Vele” is based on this animation film with an selection of 287 single images.

• 576 Seiten, 287 Farbabbildungen, fadengeheftete Broschur 576 pp., 287 colour illustrations, thread-sewn paperback
• Gestaltung: Katharina Köhler, Spector Bureau
• Leipzig 2014
• Gewicht: 1200 g
• ISBN: 978-3-944669-53-3
• 40.00 €
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Kader Attia:

Transformations

Die vielfältigen Verschränkungen afrikanischer und westlicher Kultur sind ein zentrales Motiv im Oeuvre des algerisch- französischen Künstlers Kader Attia: der Einfluss traditioneller afrikanischer Architektur auf die europäische Moderne bilden ebenso den Hintergrund für seine raumgreifenden Installationen, Videos und Fotografien, wie die Wiederaneignung nord-, bzw. südamerikanischer schwarzer Musik im afrikanischen Jazz und Pop der 1960er bis 80er Jahre. In seinem Werk zeigt sich die Produktivität der Dissonanz: wo afrikanische Masken, ausgestopfte Tiere, naturwissenschaftliche Instrumente, historische Artefakte scheinbar nichts miteinander zu tun haben, stellt der Künstler Verbindungen zwischen dem europäischen Umgang mit der eigenen Kolonialgeschichte, der aktuellen Migrationspolitik und städtebauliche Realitäten in den Metrololen von heute her. Ausgehend von Kader Attias Einzel- ausstellung „Reparatur. 5 Akte“ in den KW Institute for Contemporary Art fokussiert diese Publikation auf Werke aus den Jahren 2008 – 2013 und stellt sie in einen breiteren kunsthistorischen Kontext.

The manifold entanglements of African and Western cul- tureareacentralmotifintheoeuvreoftheAlgerian-French artist Kader Attia. The influence of traditional African ar- chitecture on European modernism forms the background for his voluminous spatial installations, videos and photo- graphs, as much as the re-appropriation of North and South American black music within African Jazz and Pop of the 1960s up to the 1980s. His work manifests the productivity of dissonance: Where African masks, stuffed animals, scientific instruments, and historical artifacts seemingly have nothing in common, the artist unearths connections between Europe’s handling of its own colo- nial history, current migration politics, and the urbanistic realities of its metropolises of today. Based on Kader Attia’s solo show “Repair. 5 Acts” at the KW Institute for Contemporary Art, Berlin, this publication focuses on works from the years 2008–2013 and places them in a broader art historical concept.

• 224 pp. German/English
• Gestaltung: Studio Quentin Walesch
• Herausgeber: Ellen Blumenstein, KW Institute for Contemporary Art
• Leipzig 2014
• Gewicht: 1100 g
• ISBN: 978-3-944669-23-6
• 34.00 €
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A. Schulze:

Mirrors and Others

Andreas Schulze hielt sich 2011 mit einem Stipendium in Paris auf. Irgendwann besuchte er den Louvre, ließ sich vom Strom der Touristen mitreißen, schaute sich Bilder an, traf einen alten Freund und begann seine Serie „Louvre“ zu fotografieren. Eine Reflexion zum Bildermachen vor Bildern, deren Bedeutung durch den berühmten Ausstellungsort verbürgt ist. In „Text“ schreibt er, wie es sich anfühlt, zwischen Folterbildern, Zärtlichkeitsbildern und all den dazwischenliegenden Witzbildern herumzustolpern. Im Kapitel „Image“ übernimmt er die Regie: Er dekontextualisiert Medienbilder, um sie zu Bildpaaren zu sortieren. Er entwickelt eine eigene Grammatik, die Muster und Formen von einer Seite zur nächsten vorantreibt. Es entsteht ein visueller Erzählfluss mit unerwarteten Wendungen, der die Frage nach der Herkunft der Bilder neu stellt.

In 2011, Andreas Schulze lived in Paris thanks to a research grant. At some point, he visited the Louvre, let himself be swept up by the stream of tourists, looked at pictures, met an old friend and started to photograph his series “Louvre”. A reflection on the nature of image production in front of images, whose significance is granted by virtue of the famous exhibition location. In “Text” he writes about the feeling of stumbling around between images of torture, tenderness and all the humorous pic- tures in between. In the chapter “Image” he takes over the stage direction: He de-contextualizes media images in order to pair them in new groups of two. He develops his own grammar promoting patterns and forms from one page to the next. A visual narrative flow emerges with unexpected turns that reformulates the question of the origin of images.

• 152 pp. German/English
• Gestaltung: Anna Lena von Helldorff
• Leipzig 2014
• Gewicht: 400 g
• ISBN: 978-3-944669-39-7
• 26.00 €
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Spector cut+paste: #1–4

4 Ausgaben, insgesamt 472 Seiten, Deutsch / Englisch 4 issues, 472 pp., German / English

Der Anfang endlich gebündelt: Spector cut+paste war 2001 der Ausgangspunkt unserer verlegerischen Arbeit. Die Zeitschrift als permanenter Workshop — hier haben wir einige der Themen gefunden, die uns bis heute umtreiben; hier haben wir gelernt, uns zwischen künstlerischen und publizistischen Praktiken zu bewegen; hier haben wir begonnen, Text, Bild und Typografie zu kombineren, um so eigene Formate zu erfinden und die inhaltlichen Aspekte von Gestaltung zu untersuchen. Die vier Hefte, die bis 2008 erschienen sind, gibt es jetzt erstmals als Bündel. Unter anderem mit Beiträgen von Kathrin Röggla, Rimini Protokoll, Slavoj Žižek, Vladimir Sorokin, Tilo Schulz, Mark Hamilton, Christof Gassner, Olaf Nicolai, Aglaia Konrad, Thorsten Krämer und Gitte Villesen.

Finally, the beginnings in bundled form: in 2001 Spector cut+paste was our first attempt at publishing. A magazine as permanent workshop — it was in these pages that we discovered the themes that still interest us today; here we learned to balance artistic and publicist practices; here we began to combine texts, images and typography into our own formats and to explore the content-based aspects of visual design. Four issues were published until 2008, and they are now for the first time available in bundled form. With contributions from Kathrin Röggla, Rimini Protokoll, Slavoj Žižek, Vladimir Sorokin, Tilo Schulz, Mark Hamilton, Christof Gassner, Olaf Nicolai, Aglaia Konrad, Thorsten Krämer, Gitte Villesen and others.

• Gestaltung/ Design: Markus Dreßen; #3 mit / with Maria Koehn, Oliver Klimpel; #4 mit / with Helmut Völter
• Herausgegeben von/ edited by Markus Dreßen, Anne König,Tilo Schulz und Jan Wenzel
• Leipzig 2014
• Gewicht: 1100 g
• ISBN: 978-3-944669-04-5
• 20.00 €
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Nedko Solakov:

Markierung

Mit „Markierung“ beginnen die KW Institute for Contemporary Art bei Spector Books eine Serie kleinformatiger, polymorpher Publikationen. Sie entsteht mit KünstlerInnen, die in den KW ausgestellt, interveniert oder performt haben. Die Reihe bildet eine Plattform, innerhalb derer Projekte dokumentiert, weitergeführt oder neu interpretiert werden können. Die Kooperation „Markierung“ von Nedko Solakov (Künstler) und Ellen Blumenstein (Kuratorin) eröffnete im Rahmen der Ausstellung „Relaunch“ (2013) das neue Programm der Institution Kunst-Werke. Der Betrachter des Buches begleitet den Künstler und die Kuratorin auf ihrem Spaziergang durch das Haus in der Berliner Auguststraße. Die Kommentare und Markierungen, die Nedko Solakov mit einem Edding auf Wände, Fenster, Durchgänge und Türen „taged“, bringen Vergangenes zum Vorschein, umkreisen die Gegenwart des Hauses und skizzieren Ideen für dessen Zukunft. Eine Aneignung des Raums und zugleich eine Selbstdarstellung der Institution. Die Reihe wird mit Titeln von Georgia Sagri und Merlin James fortgesetzt.

With “Markings”, the KW Institute for Contemporary Art and Spector Books are initiating a series of small-format, polymorph publications. They will be produced together with artists who have exhibited, intervened, or performed at the Kunst-Werke. The series aims to create a platform within which projects can be documented, continued or re-interpreted. Within the framework of the exhibition “Relaunch” (2013), the cooperation “Markings” between Nedko Solakov (artist) and Ellen Blumenstein (curator) inaugurated the new program of the institution Kunst-Werke. The reader of the book accompanies the artist and the curator on their walk through the building in Berlin’s Auguststraße. The comments and markings that Nedko Solakov “tagged” with a black marker on walls, windows, passages, and doors allow the past to resurface, they revolve around the building’s present and presence and sketch out ideas for its future. They act as an appropriation of the space and simultaneously as a self-representation of the institution. The series will be continued with titles by Georgia Sagri and Merlin James.

• 12.7 x 15.6 cm, 160 Seiten mit zahlreichen schwarz-weiß Abbildungen, Broschur / 160 pp., with numerous black and white illustrations, softcover
• Gestaltung: Studio Quentin Walesch
• Herausgeber: Ellen Blumenstein
• Leipzig 2014
• Gewicht: 150 g
• ISBN: 978-3-944669-37-3
• 9.90 €
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The Visual Event

Mit Beiträgen von / with contributions by Oliver Klimpel, James Hellings, Planning-To-Rock, William Haggard, Alexander Garcia Düttmann, Friedrich Tietjen, Eva Weinmayr, Carolin Lerch, Mia Frostner & Robert Sollis (EUROPA), Franciska Zólyom, System-Des

Kann man Grafikdesign als eine gestalterische Praxis verstehen, die über eine Objektzentrierung, über die Konzeption und Produktion gut entworfener und gedruckter Artefakte, hinausgeht? Welche zusätzlichen Möglichkeiten, eine Öffentlichkeit zu schaffen, sollten als ein integraler Teil gestalterischer Handlung gesehen werden? „The Visual Event“ geht der Frage nach, welche grafischen, räumlichen oder zeitlichen Formen eine solche situative Praxis annehmen könnte und beleuchtet die Idee des „visuellen Ereignisses“ aus verschiedenen Perspektiven. Das Buch vereint Beiträge von Künstlern, Theoretikern, Designern, Architekten sowie Studierenden der Klasse System-Design der Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig.

Is it possible to understand graphic design as a practice beyond an object-centric approach, as a practice beyond the conception and production of well-designed and printed artefacts? Which other potentials to create a public should be considered integral to design as an activity? “The Visual Event” explores the question of how such an extended practice could be thought, which graphic, spatial and temporal forms such a situational practice could take, and tests the idea of the “visual event” from various perspectives of visual culture. The project compiles numerous contributions by artists, academics, designers, architects, and students of the System-Design Class at the Academy of Visual Arts Leipzig.

• ca. 200 Seiten, Englisch mit zahlreichen s/w und Farbabbildungen, fadengeheftete Broschur / ca. 200 pp., English, with numerous black-white and colour illustrations, thread-sewn paperback
• System-Design Class, Academy of Visual Arts Leipzig
• Oliver Klimpel
• Leipzig 2014
• Gewicht: 505 g
• ISBN: 978-3-944669-62-5
• 22.00 €
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Herbert Stattler:

Ornament Stadt

Mit Texten von Hubertus Butin und Michael Hagner / With texts by Hubertus Butin and Michael Hagner

Der österreichische Künstler Herbert Stattler hat in seinem Buch „Ornament Stadt“ 16 Entwürfe von Idealstädten in präzise Bleistiftzeichnungen übertragen. Urbane Utopien von der Renaissance bis ins 20. Jahrhundert werden von Stattler wieder und wieder reproduziert. Bis die Idealstadt sich zum Ornament vervielfacht: Fächer und konzentrische Kreise, wiederkehrende Blasen und auseinandertreibende Sterne. Aber im Detail, in der Bewegung des Bleistifts, der die Vorlage wiederholt, findet sich eine Lebendigkeit, die den „großen Plan“ angenehm konterkariert. Die Gestaltung des Buches lehnt sich an Mappen an, wie sie Stadtplaner und Zeichner benutzen. Die Blätter sind so gefaltet, dass die Zeichnungen in Originalgröße erscheinen. Erst beim näheren Betrachten sieht man, dass sie mit Bleistift gezeichnet sind. Der Strich ist nicht immer perfekt, die Zeichnung löst sich so von den Utopien der Architekten, die an vollkommene Stadtideale glaubten. „Ornament Stadt“ erscheint anlässlich der Einzelausstellung im Österreichischen Kulturforum Berlin.

In his book “Ornament Stadt” [Ornament City], the Austrian artist Herbert Stattler transferred 16 designs of ideal cities into precise pencil drawings. Urban utopias from the Renaissance to the 20th century are reproduced by Stattler again and again, until the ideal city is multiplied into an ornament: fans and concentric circles, repeating bubbles and dispersing stars. In the detail however, in the movement of the pencil that repeats the original, there is a liveliness that counteracts the “big plan” in a congenial way. The design of the book draws on portfolios used by urban planners and draftsmen. The pages are folded in a way that the drawings appear in their original size. Only at closer inspection does it become apparent that they are drawn in pencil. The line is not always perfect, and in consequence the drawing departs from the utopias of those architects who believed in perfect ideals of the city. “Ornament Stadt” is published on the occasion of the solo exhibition at the Österreichisches Kulturforum in Berlin.

• 27.2 x 34.0 cm, 16 Zeichnungen, gefaltet, Blockheftung mit Umschlag, separates Textheft mit 32 Seiten, Deutsch und Englisch
• Gestaltung: Helmut Völter
• Leipzig 2014
• Gewicht: 505 g
• ISBN: 978-3-944669-40-3
• 28.00 €
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Seiichi Furuya:

Staatsgrenze

1981 - 1983

Zwischen 1981 und 1983 fotografierte der japanische, in Graz lebende Fotograf Seiichi Furuya an der österreichischen Grenze zu den damaligen Ostblockstaaten. War die mediale Aufmerksamkeit damals vor allem auf die innerdeutsche Grenze und die Teilung Berlins gerichtet, suchte Furuya nach Bildern im unauffälligeren, manchmal sogar idyllischen Grenzgebiet zu Ungarn, Jugoslawien und der Tschechoslowakei. Seine Verbindung von Orten und ihren Geschichten ist ein beeindruckendes und rares Dokument, geprägt vom Wechselspiel zwischen Privatem und Politischem, zwischen persönlichem Blick und dokumentarischer Distanz. Anlässlich seiner Einzelausstellung im Heidelberger Kunstverein 2014 erscheint die Arbeit nun 30 Jahre nach ihrem Entstehen als Publikation.

Between 1981 and 1983, the Japanese photographer Seiichi Furuya, based in Graz, took photographs at the Austrian border towards the former Eastern block nations. In contrast to the media attention devoted to the inner German border and the division of Berlin, Furuya was searching for images in the inconspicuous and at times even idyllic border territories to Hungary, Yugoslavia, and Czechoslovakia. His associations of places and stories form a valuable historical document, shaped by the interplay between the private and the political, between personal view and documentary distance. On occasion of his solo show at the Heidelberger Kunstverein in 2014 this work will be published — 30 years after its creation — in the form of a book.

• 28.5 x 24.0 cm, Deutsch mit zahlreichen Abbildungen und einem Japanisch- und Englisch-sprachigem Beiheft / 28.5 x 24.0 cm, German, with numerous illustrations, English and Japanese supplement
• Gestaltung/Design: Nicola Reiter
• Leipzig 2014
• Gewicht: 670 g
• ISBN: 978-3-944669-31-1
• 24.00 €
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Das Auge des Arbeiters. Arbeiterfotografie und Kunst um 1930

Im Aufbruch der Medienmoderne hielten Arbeiter in den 1920er Jahren erstmals ihr beengtes Lebensumfeld, den Kampf der Arbeiterbewegung sowie die bewusste Theatralität des Alltags fest. In einem dreijährigen DFG-Projekt am Institut für Sächsische Geschichte und Volkskunde wurden über 5.000 Fotografien in sächsischen Sammlungen (Dresden, Zwickau, Leipzig) erschlossen – die umfangreichste und detaillierteste Forschung zu diesem Thema. Die Beiträge in dem Band diskutieren diese neue Bildkultur und setzen sie ins Verhältnis zur Grafik und Malerei der Zeit. „Das Auge des Arbeiters“ erscheint als Begleitbuch zur gleichnamigen Ausstellung in den Kunstsammlungen Zwickau, dem Käthe Kollwitz Museum Köln und dem Stadtmuseum Dresden. Teil der Publikation ist ein Bestandsverzeichnis der 400 Fotografien des Leipziger Bauarbeiters und Bauhausschülers Albert Hennig in den Kunstsammlungen Zwickau. Die Ausstellung wandert von Zwickau (Mai – August 2014) über Köln (August – Oktober 2014) nach Dresden (März – Juni 2015).

During the modernist media revolution of the 1920s, workers photographically recorded their cramped environments, the battles of the labor movement and their consciously theatrical every-day lives for the first time. In a three-year DFG-funded project at the Institut für Sächsische Geschichte und Volkskunde (the Institute for Saxon History and Ethnology), over 5.000 photographs from Saxon collections (Dresden, Zwickau, Leipzig) were assessed—in the most extensive and detailed research into this topic to date. The contributions in the book discuss this new image culture and compare the photographs to then contemporary graphic design and painting. “Das Auge des Arbeiters” (The Worker’s Eye) accompanies the eponymous exhibition at the Kunstsammlungen Zwickau, the Käthe Kollwitz Museum Cologne, and the Stadtmuseum Dresden. An inventory of the 400 photographs taken by Leipzig construction worker and Bauhaus student Albert Henning from the Kunstsammlungen Zwickau forms part of the publication. The exhibition will travel to Zwickau (May – August 2014), Cologne (August – October 2014), and Dresden (March – June 2015).

• 28.0 x 19.5 cm, 440 Seiten, Deutsch, zahlreiche s /w und Farbabbildungen, fadengehefteter Festeinband
• Gestaltung: Florian Lamm, Lamm & Kirch, Leipzig
• Wolfgang Hesse
• Leipzig 2014
• Gewicht: 1650 g
• ISBN: 978-3-944669-44-1
• 34.00 €
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Dessau 1945. Moderne zerstört

Edition Bauhaus 45

Die Stadt Dessau war – über das Bauhaus hinaus – ein Kulminationspunkt der industriellen Moderne. In den 13 Jahren des Naziregimes erlebte die Stadt einen unvergleichlichen Aufstieg und Fall, der sie bis heute prägt. Dessau war Rüstungsmetropole, Gauhauptstadt und „company town“ der Junkers Flugzeug- und Motorenwerke sowie Hauptproduktionsort für das Giftgas Zyklon B, mit dem in den Konzentrationslagern hunderttausende Menschen umgebracht wurden. Der vorliegende Band erzählt die widersprüchliche Geschichte der Bauhausstadt im Nationalsozialismus. Er blickt zurück auf die Zusammenhänge der Verheerung und widmet sich der zerstörten Moderne ebenso wie ihren destruktiven Potentialen. 39 Aufnahmen des französischen Fotografen Henri Cartier-Bresson, der im Juni 1945 in Dessau die Rückkehr der Zwangsarbeiter mit seiner Kamera festhielt, runden mit vielen bislang unpublizierten Fotos von ihm das Bild dieser Epoche ab.

Above and beyond the Bauhaus, the city of Dessau was a culminating point of industrial modernity. Over the 13 years of the Nazi regime, the city experienced an unparalleled rise and fall which has marked it to this day. Dessau was an armaments metropolis, Gau capital, ‘company town’ for Junkers’ aircraft and engine factories, and the main production site of the poison gas Zyklon B, with which hundreds of thousands of people were murdered in the concentration camps.

• 23.2 x 30.4 cm, 360 Seiten, Deutsch, zahlreiche s/w und Farbabbildungen, Schweizer Broschur / 23.2 x 30.4 cm, 360 pp., German, numerous black-white and colour illustrations, lay-flat softcover
• Gestaltung: 1kilo, Böckten
• Philipp Oswalt für die Stiftung Bauhaus Dessau
• Leipzig 2014
• Gewicht: 1200 g
• ISBN: 978-3-944669-57-1
• 34.00 €
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László Moholy-Nagy:

Sehen in Bewegung

Edition Bauhaus 39

„Vision in Motion“, das letzte Buch von László Moholy Nagy erschien 1947 posthum ein Jahr nach seinem Tod in Chicago. Es stellt eine Erweiterung der legendären Publikation „The New Vision“ dar, die 1938 herauskam und sich auf die Lehrmethoden des Bauhauses in Dessau bezieht. „Vision in Motion“ entstand am Institute for Design in Chicago, und es gewährt Einblick in die Arbeit des Instituts, das Moholy Nagy leitete. Für sein Buch benutzt er einen interdisziplinärer Ansatz, bei dem er mit beispeilhaften Bildern und eigenen Texten die Wechselbeziehung von Kunst und Technologie erläutert. „Vision in Motion“ liest sich heute wie eine Seh-Schule der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts, darin sind alle künstlerischen Verfahren zu finden, die den Film, die Fotografie, die Malerei, die Literatur, aber auch die Wissenschaften geprägt haben. Nach 65 Jahren erscheint László Moholoy Nagys wegweisendes Werk nun erstmals auf Deutsch.

“Vision in Motion”, László Moholy-Nagy’s last book, was published posthumously in 1947, one year after his death in Chicago. It consists of an extension of the legendary publication “The New Vision” which appeared in 1938 and that relates to the educational methods of the Dessau Bauhaus. “Vision in Motion” was produced at the Institute for Design in Chicago and offers insights into the institution’s work, led by Moholy-Nagy. In his book he employs an interdisciplinary approach, elucidating the interrelation between art and technology in exemplary images and his own texts. Today, “Vision in Motion” reads like a school of vision for the entire first half of the 20th century, influencing film, photography, painting, literature, but also the sciences. After 65 years, László Moholy-Nagy’s seminal work is published in German for the first time.

• 22.6 x 28.6 cm, 376 Seiten, Deutsch, zahlreiche s/w und Farbabbildungen, fadengehefteter Festeinband / 22.6 x 28.6 cm, 376 pp., German, numerous black-white and colour illustrations, thread-sewn hard
• Gestaltung: Müller & Wesse, Berlin
• Übersetzung: Herwig Engelmann
• Leipzig 2014
• Gewicht: 1830 g
• ISBN: 978-3-944669-32-8
• 42.00 €
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Natalie Czech:

I can not repeat what I hear

Die Arbeiten von Natalie Czech bewegen sich zwischen konkreter Poesie und konzeptueller Fotografie. In ihrer aktuellen Publikation lenkt sie den Fokus vor allem auf den Schreibprozess und seine verschiedenen Möglichkeiten. Für die Serie „Voyelles“, die sich auf Rimbauds gleichnamiges Gedicht bezieht, lud Czech zehn Autoren ein, in ihrem Namen eine fiktive Fotografie zu beschreiben, die Synästhesie evoziert. In der anderen Serie des Bandes, „Poems by Repetition“, erzeugt das Stilmittel der Wiederholung gleichermaßen Echo, Musik, Rhythmus, Stottern und Takt. Als Träger-Motive der Gedichte verwendet Natalie Czech Zeitschriftenartikel, Plattencover, Bücher, iPad-Ausgaben oder Kindle-Reader und schafft so einen Dialog zwischen gedrucktem Text und Illustration, der literarischen Form des Gedichts und der künstlerischen Praxis der Fotografie. Die Künstlerin transformiert literarische in visuelle Strategien und schreibt die Gedichte förmlich mit dem Medium der Fotografie.

Natalie Czech’s works meander between concrete poetry and conceptual photography. In der newest publication she directs her main focus to the writing process and its inherent possibilities. For the series “Voyelles”— which refers to Rimbaud’s eponymous poem — Czech invited ten authors to describe a fictitious synesthesia-invoking photography in her name. In the publication’s other series, “Poems by Repetition”, the stylistic device of repetition simultaneously creates echo, music, rhythm, stuttering, and beat. Natalie Czech uses newspaper articles, record covers, books, different iPad models and Kindle readers as supporting media for the poems and thus creates a dialogue between printed text and illustration, the literary form of a poem and the artistic practice of photography. The artist transforms literary into visual strategies and formally writes poems in the medium of photography.

• 24.2 x 33.0 cm 140 Seiten, Deutsch/Englisch, mit zahlreichen Farbabbildungen, fadengeheftete Broschur
• Gestaltung: Markus Weisbeck
• Leipzig 2014
• Gewicht: 1050 g
• ISBN: 978-3-944669-07-6
• 28.00 €
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Andreas Fogarasi:

Vasarely Go Home

Am 18. Oktober 1969 wurde in der Budapester Kunsthalle/Mücsarnok die Retrospektive von Victor Vasarely eröffnet. Sie stellte einen Affront gegenüber den ungarischen Künstlern der Neo-Avantgarde dar, deren Interessen und Ausdrucksformen von staatlicher Seite höchstens geduldet, aber nicht unterstützt wurden. Anders die Bilder des international bekannten Künstlers ungarischer Herkunft, dessen Retrospektive zu einem öffentlichen Großereignis stilisiert und ein außerordentlicher Publikumserfolg wurde. Während der Ausstellungseröffnung protestierte deshalb der Künstler János Major gegen die Zweischneidigkeit der Kulturpolitik, indem er ein kleines Schild mit der Aufschrift "Vasarely Go Home" mit sich trug und es anwesenden Künstlerkollegen und Bekannten heimlich zeigte. Der Künstler Andreas Fogarasi, der sich in seinen eigenen Arbeiten mit der Formensprache der Moderne auseinandersetzt, hat dieses Ereignis in Bildern und Texten so rekonstruiert, dass man an dem kulturpolitischen Konflikt vor 45 Jahren noch heute Anteil nehmen kann

In “Vasarely Go Home” Andreas Fogarasi investigates a double event that took place in Budapest on October 18th, 1969. Opening that day, Victor Vasarely, the internationally renowned artist of Hungarian origin, had a large retrospective exhibition at the Mücsarnok/Kunsthalle in Budapest. While Hungarian avant-garde art of that time was forbidden or at best tolerated by the authorities, Vasarely’s exhibition – organised by official cultural politics – became an important public event attracting a huge number of visitors. Because of these double standards at play, the show was met with both high expectations and scepticism from the local artistic scene. The second – undocumented – event taking place that evening during the exhibition opening was a one-person protest by artist János Major. He carried a small sign in his pocket that he discreetly showed to friends and acquaintances when he encountered them in the crowd. The sign read “Vasarely Go Home”.

• 144 Seiten, Englisch, 16.0 x 22.8 cm
• Gestaltung: Helmut Völter
• Herausgeber: Franciska Zólyom, Galerie für Zeitgenössische Kunst Leipzig und Sabine Schaschl, Museum Haus Konstruktiv, Zürich
• Leipzig 2014
• Gewicht: 400 g
• ISBN: 978-3-944669-54-0
• 24.00 €
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Inga Kerber:

Catalogue Raisonné (Clichés)

Gefördert durch die Stiftung Kunstfonds mit Mitteln der VG Bild-Kunst.

Das Wort „Cliché“ stammt aus dem Französischen und bedeutet dort anders als im Deutschen nicht nur Druckplatte oder Vorurteil, sondern auch fotografisches Negativ, Fotografie und fotografische Aufnahme. Die Künstlerin Inga Kerber bedient sich der Semantik dieses Wortes, um eine umfassende Momentaufnahme ihres Fotoarchivs vorzulegen, das sie nach klassischen klischeehaften Bildkategorien sortiert: Landschaft, Stillleben, Porträt, Akt. Die ausgewählten Motive werden als Vorlagen gescannt, ausgedruckt und danach zu Serien kombiniert. Farbverschiebungen oder kleine fehlerhafte Eigenheiten, die sich bei der Reproduktion der Bilder einschleichen, werden von ihr nicht retuschiert, sondern als eigene Qualität verstanden. „Cliché“ ist ein Buch, das die Reproduzierbarkeit als eine elementare Bewegungsform der Bilder begreift: ihr Zirkulieren hinterlässt Spuren, in unserem Gedächtnis und in den Bildern selbst.

The word “cliché” is of French origin and other than its German equivalent, it can refer to more than a printing plate or a preconception, for instance also to a photo negative, a print and the act of taking a picture. Inga Kerber makes use of this semantic variety with a condensed overview of her archives, organised according to classic, clichéd image categories: landscape, still life, portrait, nude. The artist choses subjects, scans the originals, prints them and arranges them into series. Shifts of colour or small flaws that appear in the process of reproduction are not retouched, but rather acknowledged as a quality in themselves. “Cliché” is a book that sees reproducibility as an essential mode of images: their circulation leaves traces, in our memories as well as in the images themselves.

• 224 Seiten, Deutsch, Englisch, Französisch, 20.0 x 27.5 cm
• Gestaltung: Daniel Rother, Berlin
• Leipzig 2014
• Gewicht: 1100 g
• ISBN: 978-3-940064-76-9
• 32.00 €
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Helmut Völter:

Wolkenstudien. Cloud Studies. Études des nuages

2nd edition now available.

Text: Helmut Völter, Marcel Beyer

Wolken sind flüchtige Gebilde – sie zu fixieren, um ihre Formen richtig einteilen, benennen und lesen zu können, galt den Meteorologen des 19. und frühen 20. Jahrhunderts als wichtige Etappe, um die Geheimnisse der Atmosphäre besser zu verstehen. Das damals noch junge Medium Fotografie bot den Wissenschaftlern völlig neuartige Darstellungsmöglichkeiten. Mit der Kamera machten sie präzise und naturgetreue Bilder, die Aufschluss über das Zusammenspiel von Wolken und Atmosphäre gaben. Helmut Völters ›Wolkenstudien‹ zeigt sechs Stationen der wissenschaftlichen Wolkenfotografie – von ihren Anfängen in den 1880er Jahren bis zu den Aufnahmen der ersten Wettersatelliten in den 1960er Jahren. Jede der sechs Positionen steht für eine eigene wissenschaftliche und fotografische Sichtweise auf Wolken.

Mit einem Essay von Marcel Beyer; Fotografien von Albert Riggenbach, Ralph Abercromby, anonymen Piloten des Ersten Weltkriegs, Ferdinand Quénisset, Philippe Schereschewsky, Philippe Wehrlé, Masanao Abe, den Tiros-Wettersatelliten; sowie Textauszügen von Jean Baptiste Lamarck, Luke Howard, Johann Wolfgang Goethe, John Ruskin, Gerard Manley Hopkins, William Clement Ley und weiteren.

“Clouds are fleeting entities – studying them so as to correctly classify, name and read their forms was considered in the 19th and early 20th centuries an important step in coming to understand the secrets of the atmosphere. In its early stages photography offered scientists completely new ways of depicting clouds. They used cameras to make precise, lifelike images, which provided in turn insights into the interaction of clouds and the atmosphere. Helmut Völter's Cloud Studies presents six different stations of scientific cloud photography, from its beginnings in the 1880s to the images made by the first weather satellites in the 1960s. Each of the six chapters represents a very different scientific and photographic perspective of clouds.”

With an essay by Marcel Beyer; photographs by Albert Riggenbach, Ralph Abercromby, anonymous pilots of World War I, Ferdinand Quénisset, Philippe Schereschewsky, Philippe Wehrlé, Masanao Abe and the Tiros weather satellites; and excerpts from works by Jean Baptiste Lamarck, Luke Howard, Johann Wolfgang Goethe, John Ruskin, Gerard Manley Hopkins, William Clement Ley and others.

»Es ist ein Bildessay, der an das Fundament von Philosophie und Wissenschaft führt, zu der Frage nämlich wie Erkenntnis überhaupt möglich sei. Wer jetzt befürchtet, es müsse sich dann um eim eine trockene und schwierige Angelegenheit handeln, dem sei dieses Buch ausdrücklich empfohlen. Denn schöner und unterhaltsamer wurden erkenntnistheoretische Fragen selten behandelt als hier.«

Julia Voss in der Frankfurter Allgemeinen Zeitung

Eine Rezension bei fixpoetry.com

• Mit 132 Fotografien im Zweifarbdruck,
  272 Seiten, Deutsch, Englisch, Französisch/272 pp., 132 photographs. German, English, French, 20.5 x 27.5 cm
• Gestaltung: Helmut Völter
• Leipzig 2011
• Gewicht: 1050 g
• ISBN: 978-3-940064-99-8
• 38.00 €
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Wolfram Lotz:

Volte #1 Monologe

Mit einem Nachwort von Hannes Becker

Es beginnt mit einer Verweigerung: „Die Würstchen der Wahrheit, die für uns gebraten werden, wollen wir nicht mehr essen“, so heißt es in der programmatischen „Rede zum Unmöglichen Theater“ von Wolfram Lotz aus dem Jahr 2010. Seither hat der 1981 im Schwarzwald geborene Dramatiker ein üppiges Alternativbuffet aufgetischt. In seinen Monologen verteidigt sich etwa ein somalischer Diplom-Pirat — „der Einfachheit halber spreche ich Deutsch mit Ihnen“ – vor dem Hamburger Landgericht, ein gewisser Thilo Sarrazin will „den Anus als eigentliches Genital“ definieren und Mutter Lotz sorgt sich um ihren stotternden Wolfi. „Monologe“ ist das erste Buch von Wolfram Lotz und gleichzeitig das erste einer neuen Reihe. Volte, entwickelt aus dem Umfeld der Literaturzeitschrift EDIT, wird regelmäßig Autoren mit kleineren Formen wie Erzählungen, Stücken und Essays präsentieren, um den Reichtum literarischer Genres jenseits des Romans vorzustellen.

It all starts with a refusal: “We will no longer eat the sausages of truth they fry for us,” Wolfram Lotz proclaims in his programmatic “Speech on the Theatre of the Impossible” of 2010. Since then, the young playwright has served us with a range of tasty alternatives. In his monologues a Somalian pirate graduate defends himself before the regional court in Hamburg (“to ease matters I shall address you in German”), a certain German politician, Thilo Sarrazin, seeks to define “the anus as the main genital” and mother Lotz worries about her stuttering Wolfi. “Monologe” is the first book by Wolfram Lotz and also marks the start of a new series. Volte, associated with the literary magazine EDIT, is a periodical dedicated to the wealth of literary forms beyond the novel and will present short fiction, essays and dramatic writing by various authors.

• 96 Seiten, Taschenbuch, Deutsch / 96pp., paperback, German
• Gestaltung: Studio Matthias Görlich
• Herausgeber: Mathias Zeiske, Jörn Dege
• Leipzig 2014
• Gewicht: 300 g
• ISBN: 978-3-944669-10-6
• 10.00 €
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Christin Irrgang, Ingolf Kern:

The Bauhaus building in Dessau

Bauhaus paperback No. 5

The Bauhaus building in Dessau, designed by Walter Gropius and built in 1926, is the built manifestation of a revolution in design and education. Today, it is accepted worldwide as the ultimate symbol of »white modernism«. But what is it that gives it its lasting stylistic influence? How is Gropius's play with transparency, lightness and colour achieved? How was the building used, and how has it changed over the decades since its inauguration? This architectural guide looks behind the distinctive curtain wall, quite literally examines what lies beneath the building's facade and reveals frequently overlooked facets of this illustrious building. In concise chapters, the book takes the reader on a tour of the Bauhaus building and its history and thereby prompts an invitation ot visit on a journey of rediscovery.

The small and handy books, designed by the Berlin-based graphic designer Eike König, accompany the exhibitions and are also intended as practical guidebooks for the Bauhaus buildings. The Bauhaus paperback 5 on the Bauhaus Dessau is the first to also appear in English.

• 10,6 x 14,6 cm
• Yvonne Tenschert and Andreas Dimmler based on a concept by HORT, Berlin
• Leipzig 2014
• Gewicht: 140 g
• ISBN: 978-3-944669-26-7
• 9.90 €
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Arne Schmitt:

Geräusch einer fernen Brandung

"Geräusch einer fernen Brandung" besteht lediglich aus einem Titel, 63 Farbfotografien und einem historischen Zeitungsartikel. Alle drei Elemente beziehen sich auf einen emblematischen Ort deutscher Großstädte, der die Nachkriegszeit und Gegenwart aufs Tiefste verbindet: jene breiten Hauptverkehrsstraßen, die allerorts Ringe um Kernstädte bilden und Schneisen durch Stadtflächen ziehen. Sie stehen für ein zentrales Moment urbanen Lebens: die Anwesenheit und gleichzeitige Beziehungslosigkeit von Bewohnern und Benutzern der Stadt – einen kleinteiligen Individualverkehr innerhalb einer umfassenden Straßenverkehrsordnung. So allgegenwärtig und banal jene Straßen wirken, so spezifisch und historisch relevant ist ihre Geschichte. Durch sie wurde die strukturelle Grundlage für die wiederaufzubauenden Städte nach 1945 gelegt. In Arne Schmitts detailreichen Fotografien bilden Straßennamen, Autos, Fassaden und Firmenembleme Stücke eines Mosaiks, die die bundesrepublikanische Gegenwart bilden.

• 128 seiten, 18.0 x 24.0 cm
• Auflage: 750
• Timo Grimberg
• Leipzig 2014
• Gewicht: 500 g
• ISBN: 978-3-944669-50-2
• 28.00 €
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Oliver Hartung:

Syria Al-Assad

Oliver Hartung reiste zwischen 2007 - 2009 in den Mittleren Osten und fotografierte in Syrien Schilder und Denkmäler, die zu Ehren des seit 1971 herrschenden Regimes Assad errichtet wurden. Sein Buch "Syria al-Assad" ist eine lose Typologie von jenen einst allgegenwärtigen Objekten regimetreuer Propaganda, die in der Bevölkerung geliebt und gehasst waren, und die die visuelle Kultur in Syrien stark bestimmten. Jene Schilder, die Oliver Hartung meist aus einem fahrenden Auto heraus aufnahm, befinden sich heute in den Kampfgebieten und existieren so vermutlich nicht mehr. In seinem Buch erscheinen alle Fotos auf der rechten Seite, die perforiert ist und die man wie bei einem Abrisskalender heraustrennen kann. Bild und Text können so separat betrachtet, gelesen und wieder neu zusammengesetzt werden. Die arabischen Inschriften der Schilder sind ins Englische übersetzt.

Die Serie Syria al-Assad wurde erstmals 2012 auf dem Lens-Blog der New York Times gezeigt. 2013 erschien eine Auswahl von Bildern in Foam Magazin #34 “Dummy” und in Prefix Photo #28 “Monuments”. Der Buchdummy war 2012 für die Preise der Fotobuchfestivals in Kassel und Amsterdam und 2013 für den Förderpreis für Junge Buchgestalter der Stiftung Buchkunst Frankfurt/Main nominiert.

Broschur mit Banderole, englische Übersetzungen der arabischen Auf- und Inschriften: Dona Abboud

Limitierte Auflage von 30 nummerierten und signierten Exemplaren mit Print im Format 20 x 30 cm. Preis 150 Euro.

• 23.5 x 30.0 cm, 128 Seiten mit 64 Farbfotografien
• Auflage: 800
• Helmut Völter
• Oliver Hartung
• Leipzig 2014
• ISBN: 978–3–944669–52–6
• 26.00 €
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Ruth Anderwald, Leonhard Grond:

Hasn't it been a great journey so far?

Film Works by Ruth Anderwald and Leonhard Grond, 1999-2013

Was könnte das sein, ein Leben als Künstlerin oder Künstler zu führen, und wie? Ist das Schlafwandeln oder eine trotzige Selbst-Behauptung? Wie kann man literarische, naturwissenschaftliche und philosophische Überlegungen mit Kunst verbinden? Das Künstlerduo Ruth Anderwald + Leonhard Grond benutzt den Film als Werkzeug, die Gegenwart mit allen ihren Widersprüchen visuell zu diskutieren. Denn gerade das Aufnehmen von Bildern entspricht einem fortwährenden Modellieren von Wirklichkeit. In diesem Buch fassen Ruth Anderwald + Leonhard Grond die gemeinsame filmische Arbeit (1999 – 2013) mit Textbeiträgen von AutorInnen, die sie begleitet haben, zusammen. Ruth Anderwald (1976) + Leonhard Grond (1977), österreichisches Künstlerpaar, das seit 1999 auf dem Gebiet der Fotografie, des Experimentalfilms sowie im Bereich Kunst im öffentlichen Raum zusammenarbeitet. Zahlreiche Ausstellungen und Filmvorführungen im Centre Pompidou, Paris; Tate Modern, London; CCA, Tel Aviv.

What could it mean to live the life of an artist, and how can it be done? Is it a form of sleepwalking or a sullen selfassertion?How is it possible to unite literary, scientific or philosophical deliberations with art? The artist duo Ruth Anderwald + Leonhard Grond uses film as a tool to visually discuss the present with all its contradictions, following the realization that to record images always correlates with a form of modeling reality. In their book, Ruth Anderwald + Leonhard Grond combine a comprehensive collection of their collaborative filmic work (1999 – 2013) with texts by authors who have accompanied them along the way.

• 160 Seiten, Englisch mit zahlreichen farbigen und s/w Abbildungen, fadengehefteter Festeinband. 160pp. English, with numerous black-white and colour illustrations, thread-sewn, hardcover
• CH Studio
• Christian Hoffelner
• Leipzig 2014
• Gewicht: 220 g
• ISBN: 978-3-944669-20-5
• 16.00 €
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Christof Nüssli, Christoph Oeschger:

Miklós Klaus Rózsa

Mit Texten von/ With texts by Peter Kamber, Miklós Klaus Rózsa, Christof Nüssli, Christoph Oeschger

Der Fotograf und Politaktivist Miklós Klaus Rózsa (*1954) wurde jahrelang von der Schweizerischen Bundespolizei, Kantonspolizei und Stadtpolizei Zürich überwacht. Seine Fotografien sowie die von 1971 – 1989 über ihn angelegten Staatsschutzakten bilden die Grundlage des Buches. Christof Nüssli und Christoph Oeschger stellen der staatlichen Textproduktion die Bilder des Überwachten gegenüber. Das Collagieren dieser Quellen ergibt neue Bilder, die die Geschichte einer für die Schweiz politisch bewegten Zeit zeigen. Die beiden Erzählstränge könnten gegensätzlicher nicht sein. Auf der einen Seite stehen die Bilder von Rózsa, welche die Ereignisse aus der Mitte der Bewegung heraus dokumentieren: Zürcher Jugendbewegung der 1980er Jahre. Auf der anderen Seite veranschaulichen die Überwachungsakten den distanzierten und oft verständnislosen Blick der Polizei auf die Geschehnisse. Durch die Montage tritt der Konflikt zwischen den Bildern Rózsas und den Texten des Staatsschutzes deutlich hervor. Beobachtung und Gegenbeobachtung treffen aufeinander. Die Publikation erscheint in Kooperation mit cpress, Zürich.

The photographer and political activist Miklós Klaus Rózsa (*1954) was kept under surveillance for years by the Swiss Federal Office of Police, the Cantonal police, and the municipal police of Zurich. His photographs as well as the State Protection files compiled on him from 1971 – 1989 form the basis for the book. Christof Nüssli and Christoph Oeschger juxtapose the text produced by the state and the images produced by the monitored person. The collage of these sources produces new images that reveal the history of a politically agitated time in Switzerland. The two lines of narration could not be more antithetic: On the one hand are the images by Rózsa which document the events from the midst of the agitation, the Zurich youth movement of the 1980s. On the other hand the surveillance files demonstrate the distanced and often uncomprehending gaze of the police observing the occurrences. The montage brings the conflict between Rózsa’s images and the State Security texts to light. Observation and counter-observation clash. The book will be published in cooperation with cpress, Zurich.

• ca. 600 Seiten, Deutsch / Englisch, ca. 400 s/w Abbildungen, fadengeheftete Broschur ca. 600 pp., German / English, ca. 400 black-white illustrations, thread-sewn paperback
• Gemeinsam veröffentlicht mit cpress, Zürich
• Leipzig 2014
• Gewicht: 2200 g
• ISBN: 978-3-944669-42-7
• 42.00 €
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James Langdon:

A School for Design Fiction

128 Seiten, Deutsch/Englisch. 128 pp., German/English.

Eine „Schule für Design Fiction” wurde am 8. November 2013 in der Galerie für Zeitgenössische Kunst Leipzig gegründet. Diese wandernde Schule beschäftigt sich mit dem obskuren Genre der „Design Fiction”: Geschichtenerzählen wird hier als die Hauptaufgabe von Gestaltung angesehen und zwar unter der Prämisse, dass jeder Artefakt das Potential hat, etwas über die Kultur auszudrücken, in der er produziert wurde. Das Buch dokumentiert und erweitert die Schulgründung durch eine Serie imäginärer Szenarien: ein Drama, das der Architekt Augustus Pugin mit einem Buchdrucker 1836 erlebt, die Geschichte des Universums von einem englischen Berghang aus im Jahr 1937 betrachtet, die erste neuchirurgische Split-Brain-Operation an einem Patienten in Kalifornien

A school for design fiction was convened on 8 November, 2013 at Gallery for Contemporary Art, Leipzig. This itinerant school employs the curious genre of ‘design fiction’ to assert storytelling as the primary function of design, assuming that every artefact has the potential to express the character of the culture that produced it. This publication documents and expands on the founding of the school through a series of imagined scenarios. These include a drama at the printer for architect Augustus Pugin in 1836, the history of the universe as observed on an English hillside in 1937, the first human trial of split brain surgery in California in 1961, and a Scottish speech synthesis studio in 2013.

• James Langdon
• Franciska Zólyom, GfZK Leipzig
• Leipzig 2014
• ISBN: 978-3-044669-27-4
• 20.00 €
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Christin Irrgang, Ingolf Kern:

Bauhaus Taschenbuch 5: Das Bauhausgebäude in Dessau

mit einem Bildessay von Nikolaus Brade

Das Bauhausgebäude in Dessau von Walter Gropius aus dem Jahr 1926 ist das gebaute Manifest einer Gestaltungs- und Bildungsrevolution. Heute gilt es weltweit als das Symbol für die weiße Moderne schlechthin. Aber was macht diesen stilprägenden Bau aus? Wie gelingt Gropius sein Spiel mit Transparenz und wie hat es sich in den Jahrzehnten seit seiner Eröffnung verändert? Dieser Architekturführer schaut hinter die markante Vorhangfassade und dem Haus förmlich unter die Haut, offenbart meist unbeachtete Facetten des berühmten Bauwerks. In kurzen Kapiteln nimmt das Buch den Leser mit auf einen Parcours durch das Bauhausgebäude und seine Geschichte und lädt so zum Besuch und Neuentdecken ein.

• 200 Seiten, fadengeheftete Broschur, Deutsch, 10,5 x 11,6 cm
• Auflage: 1000
• Yvonne Tenschert und Andreas Dimmler auf Basis eines Konzeptes von HORT, Berlin
• Leipzig 2014
• Gewicht: 140 g
• ISBN: 978-3-940064-71-4
• 9.90 €
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Bauhaus. Zeitschrift der Stiftung Bauhaus. Nr. 6 / SCHLEMMER!

152 Seiten, Deutsch, Englisch / 152 pp., German, English

Oskar Schlemmers Werk ist mehr als das eines anderen Bauhauskünstlers mit der wichtigsten Gestaltungshochschule des 20. Jahrhunderts verbunden. 70 Jahre nach seinem Tod widmet sich Heft 6 seinem großen Werk und versucht, es neu zu kontextualisieren und zu diskutieren. Anders als seine Avantgardekollegen erlag Schlemmer nicht der Fortschrittseuphorie, sondern suchte nach dem neuen Menschen in der neuen Zeit, aber weniger als ein utopisches Versprechen, denn als Sinnsuche in einer fragmentierten Welt nach dem Ersten Weltkrieg. Ina Conzen schreibt über Schlemmers Synthese aus Organischem und Künstlichem, aus Naturalismus und Abstraktion, Franz Anton Cramer widmet sich dem Triadischen Ballett als einem hybriden Meisterwerk, an dem sich die Theateravantgarde immer wieder neu versuchte, und Gerda Breuer schildert den Weg in die innere Emigration, die Schlemmer in eine Wuppertaler Lackfabrik und in einen Konflikt mit Willi Baumeister führte. “Schlemmer!” erscheint im Kontext der am 5.12.2013 eröffneten Ausstellung “Mensch – Raum – Maschine” am Bauhaus Dessau.

Oskar Schlemmers work is more closely associated with the 20th century’s most important school of design than that of any other Bauhaus artist. 70 years after his death, issue 6 casts a light on his achievements and puts them into a new context and debat. Unlike his avantgarde colleagues, Schlemmer did not succumb to euphoria about progress, but rather looked for the new human being in the new era–less as an utopian promise than as a search for meaning in the fragmented world that resulted from the First World War. Ina Conzen writes about Schlemmer’s synthesis of the organic and the artificial, of the natural and the abstract; Franz Anton Cramer considers the Triadic Ballet as a hybrid that the theatrical avant-garde repeatedly tried out new approaches to, and Gerda Breuer portrays the stages of Schlemmer’s >inner emigration<, which ultimately brought him to a paint factory in Wuppertal and into conflict with Willi Baumeister. “Schlemmer!” is published on occasion of the exhibition “Human – Space – Machine” at Bauhaus Dessau, opening December 5, 2013.

• 21.4 x 29.6 cm
• Cyan, Berlin
• Leipzig 2014
• Gewicht: 500 g
• ISBN: 978-3-944669-13-7
• 8.00 €
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Mensch - Raum – Maschine. Bühnenexperimente am Bauhaus

1921 gründete Walter Gropius am Bauhaus eine Bühnenwerkstatt, in der das Verhältnis von Mensch und Technik neu erforscht und erprobt wurde. Die zentralen Protagonisten Lothar Schreyer, Oskar Schlemmer und László Moholoy-Nagy untersuchten Fragen der Mechanisierung, Maschinisierung und Rationalisierung. Sie strebten nach einem neuen, sinnhaften Verhältnis zur dynamisierten, zunehmend technisch animierten Umwelt. In ihrem Bühnen-Labor wurden abstrakte Bewegungsstudien entwickelt, Atmosphärenmaschinen entworfen und Theaterapparate gebaut. Überdies organisierten die Bauhäusler Feste, in denen sie sich selbst als Kollektiv „Neuer Menschen“ inszenierten. Zum ersten Mal widmet sich eine Ausstellung mit Katalog den Experimenten und Konzepten der legendären Bauhausbühne, zu sehen sind: Skizzen, Zeichnungen, Fotografien, Filme, Figurinen, Kostüme, Modelle und Apparaturen.

• Müller & Wesse (Stephan Müller) und Luise Bartels
• Torsten Blume, Christian Hiller
• Leipzig 2014
• ISBN: 978-3-944669-21-2
• 36.00 €
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Human - Space - Machine. Stage experiments at the Bauhaus

In 1921, Walter Gropius founded a theater workshop at the Bauhaus. It conducted new research and experiments on the relationship between humans and technology. The central protagonists Lothar Schreyer, Oskar Schlemmer, and László Moholoy-Nagy investigated the issues of mechanization, machine industrialization, and rationalization. They sought a new, meaningful relationship with the dynamized, increasingly technically animated environment. In their stage laboratory, they developed abstract motion studies, designed atmosphere machines, and built theater apparatus. They also organized the famous Bauhaus celebrations, where they staged themselves as a collective of “new humans”. For the first time, an exhibition and a catalog with sketches, drawings, photographs as well as films, figurines, costumes, models, and apparatus are now devoted to the experiments and concepts of the legendary Bauhaus stage.

• Müller & Wesse (Stephan Müller) and Luise Bartels
• Torsten Blume, Christian Hiller
• Leipzig 2014
• Gewicht: 1230 g
• ISBN: 978-3-944669-22-9
• 36.00 €
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Hg. von Florian Ebner und Constanze Wicke:

Kairo. Offene Stadt. Neue Bilder einer andauernden Revolution

„Kairo. Offene Stadt“ beleuchtet die Rolle der Bilder innerhalb der fortdauernden ägyptischen Revolution, vom Ausbruch des arabischen Frühlings bis heute. Der Katalog dokumentiert die unterschiedlichsten Praktiken der zeitbasierten Medien Foto und Video: Aufnahmen von Fotojournalisten, Mitschnitte der Aktivisten und „Bürgerjournalisten“, Dokumente, die Künstlerinnen und Künstler gesammelt haben. Es kommt zu einem Dialog der Bilder: Cover-Bilder von Zeitungen stehen neben den Bildstrecken im Blog, die Ikonen der Ereignisse neben den ungesehenen Bildern der Menschen von der Straße, die Bilder der Märtyrer neben langfristigen Dokumentarprojekten. Der Katalog erscheint anlässlich der Ausstellung im Museum für Photographie Braunschweig und versammelt Essays von jüngeren AutorInnen aus Kairo.

“Cairo. Open City” examines the roles that images are playing in the ongoing Egyptian revolution, from the outbreak of the Arab Spring through the present. The catalog includes a variety of approaches to the time-based media of photography and video, from the works of photo journalists, to recordings by activists and “citizen journalists”, to documents collected by different artists. The different chapters will generate a dialogue between the images: Cover images from newspapers will stand alongside photo galleries from blogs, iconic pictures alongside unknown images of people on the streets, images of martyrs alongside long-term documentary projects. The catalog comes out on the occasion of the exhibition in the Museum for Photography Braunschweig and collects essays from young Cairo-based authors.

• 232 Seiten, Deutsch / Englisch / Arabisch, fadengeheftete Broschur 232 pp., German / English / Arabic, sewn paperback
• Gestaltung / Design Ahmed Kamel, Andrej Loll, Nicola Reiter
• Leipzig 2013
• Gewicht: 800 g
• ISBN: 978-3-940064-70-7
• 32.00 €
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Jean-Pascal Flavien:

A sequence or phrase

Jean-Pascal Flavien konzipiert Häuser, die eine bestimmte Art zu leben hervorbringen. Ein Raum kann das Denken beeinflussen, und der Gebrauch eines Hauses, kann den Raum verändern. Zum Beispiel, wenn in ihm geschrieben wird, oder Filme auf das Haus projiziert werden. Jean-Pascal Flaviens hat vier Häuser entwickelt: „viewer“ in Rio de Janeiro, 2007, „no drama house“ in Berlin, 2009, „two persons house“ in Sao Paulo, 2010 und „breathing house“ in Pougues les Eaux, 2012. Jedes Haus eröffnet eine bestimmte Perspektive auf die Welt, indem es verschiedene Arten der Interaktion mit Sprache, Raum, Geste oder der Vermittlung von Handlungen, die darin stattfinden, anbietet. Das Buch arrangiert sein Material parataktisch, es verkettet, die unterschiedlichen Ebenen. Die Entstehung der letzten beiden Häuser, „no drama house“ und „breathing house“, werden so im Detail nachgezeichnet.

Jean-Pascal Flavien's work involves the design and conception of houses that produce a particular situation of living. A form of thinking gives rise to a form of living and dwelling, and the use of these houses furthers this approach to thinking by experimenting with the space, by writing, films, etc. Four houses have been realised thus far: the “viewer” in Rio de Janeiro in 2007, the “no drama house” in Berlin in 2009, the “two persons house” in Sao Paulo in 2010, and the “breathing house” in Pougues-les- Eaux in France in 2012. Each house suggests a specific perspective on the world by proposing different types of interaction through language, space, gesture or mediation of the activities that take place within it. This catalogue is an arrangement of independent parts put next to one another, or side-by-side, like a parataxis, following the development of the most recent houses, the “no drama house and the “breathing house”.

• 112 Seiten, Deutsch / Englisch, fadengeheftete Broschur - 112 pp., German / English, thread-sewn paperback
• Gestaltung: Pascal Storz
• Leipzig 2013
• Gewicht: 600 g
• ISBN: 978-3-944669-05-2
• 28.00 €
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Dagmar Keller/ Martin Wittwer:

Passengers

„Passengers“ folgt einer Beobachtung, die Dagmar Keller und Martin Wittwer eines Nachts während einer Reise durch Polen an einer Busstation machen konnten. Für einen Moment wirkten die Fahrgäste eines alten Reisebusses im spärlichen Licht hinter den teilweise verschmutzten, manchmal sogar vereisten Fensterscheiben wie Figuren aus einem Gemälde. Reisende, die aus der Zeit gefallen scheinen. Müde, in Gedanken versunkene, von Traurigkeit oder Freude aufgewühlte Gesichter – ganz nah und trotzdem durch die Glasscheibe getrennt. Diese kurzen, zerbrechlichen Momente hielten Dagmar Keller und Martin Wittwer in ihrer Serie „Passengers“ fest.

“Passengers” is the result of an observation Dagmar Keller and Martin Wittwer made at night at a bus station while travelling through Poland. For a moment, the passengers on an old bus, obscured behind stained, ice-covered windows, in the pale light of the bus station had the appearance of figures in a painting. Travellers, fallen out of time. Tired, lost in thought, their faces drawn by sadness or lit up with joy – so close and yet distanced behind the glass. Dagmar Keller and Martin Wittwer have preserved those quiet, fleeting moments in their series “Passengers”.

• 164 Seiten, 114 farbige Abbildungen, fadengehefteter Leineneinband 164 pp., 114 colour illustrations, sewn hardcover, clothbound
• Leipzig 2013
• Gewicht: 900 g
• ISBN: 978-3-944669-02-1
• 34.00 €
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Matthias Hoch:

Silver Tower

Mit Texten von / With texts by Harald Kunde, Andreas Maier, Markus Weisbeck

Die alte Bundesrepublik ist Geschichte — das wird beim Betrachten der Fotografien des leer geräumten Dresdner- Bank-Hochhauses einmal mehr klar. Der Turm — das schönste Hochhaus in Frankfurt am Main — wurde 1978 als Sitz der Konzernzentrale eingeweiht, gebaut nach Plänen des Architekturbüros ABB Scheid und Partner, das Corporate Design stammt von Otl Aicher.

Nach der Übernahme durch die Commerzbank im Jahre 2009 wurde die Zentrale der Dresdner Bank geräumt. Der Fotograf Matthias Hoch erforschte zwischen 2009 – 2011 in seiner 45-teiligen Fotoserie „Silver Tower“ das Hochhaus im Moment des Leerstands. Er war auf der Suche nach Zeichen und Hinterlassenschaften einer Ära, nach der Biografie dieses Ortes. In fein strukturierten Oberflächen, mit Benutzungsspuren, in diffusen Licht- und Schattenverhältnissen geben die verlassenen Räume der Kamera ihre Spuren preis: Narben, Abdrücke, Schichtungen. „Silver Tower“ wird 2013 im Museum Kurhaus Kleve gezeigt, 2014 in der Städtischen Galerie Wolfsburg / Kunstmuseum Magdeburg.

The old Federal Republic of Germany is history — a fact made especially poignant by these photos of the abandoned Dresdner Bank building. The tower — the most beautiful high-rise in Frankfurt on Main — was opened in 1978 as the bank’s head office. The construction was planned by ABB Scheid und Partner architects office, the corporate design was developed by Otl Aicher. Following the bank’s acquisition by Commerzbank in 2009 the head office of Dresdner Bank was vacated. In “Silver Tower”, a series of pictures taken between 2009 and 2011, photographer Matthias Hoch explores the deserted building. He looks for signs and remnants of an era, for the biography of the place. Meticulously structured surfaces, signs of wear and the interplay of light and shade are probed to reveal their traces to the camera: scratches, marks, layers.

• 124 Seiten, 45 Abbildungen sowie 30 Bilder aus dem Archiv der Dresdner Bank, fadengeheftete Klappenbroschur / 124 pp., 45 colour illustrations and 30 pictures from the archives of Dresdner Bank
• Gestaltung: Markus Dreßen, Kay Bachmann
• Leipzig 2013
• Gewicht: 600 g
• ISBN: 978-3-944669-01-4
• 34.00 €
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Michael Schade:

Irreguläre Tage

Mit einem Nachwort von Anne König

"Frank hatte auf dem Weg nach F. plötzlich in sein Handschuhfach gegriffen und eine Kamera, die ich zuvor noch in einem Schrank der Tante gesehen hatte, hervorgeholt und mir gegeben. „Eine Contax D“, sagte er. ,Die erste Spiegelreflexkamera, die nach dem Krieg wieder gebaut wurde. Was soll die Kirche damit. Gott kann man nicht fotografieren. Wenn du willst, zeige ich dir, wie man Filme und Fotos entwickelt.' Ich war begeistert. Er versuchte anschließend noch einmal, mit mir über den Kommunismus zu reden, doch ich schwieg hartnäckig."

Michael Schade (1964 - 2004), Fotograf und Autor, verbrachte seine Kindheit und Jugend in Cottbus und Frankfurt/ Oder, studierte Fotografie bei Arno Fischer und Astrid Klein an der Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig, durchreiste mit der Kamera von 1987 bis 1996 vier Kontinente: Europa, Asien, Afrika, Amerika und veröffentlichte "Counting Waves" - seinen ersten Fotoband mit Kurztexten 1997 bei Brinkmann & Bose. „Irreguläre Tage“ ist seine autobiografische Erzählung mit eigenen und gefundenen Fotografien, die er 2001 bereits fast zum Abschluss gebracht hatte. Das Buch erscheint posthum bei Spector Books und parallel zur Ausstellung im dkw.Kunstmuseum Dieselkraftwerk Cottbus. (Ausstellung noch bis 05.01.2014).

“Irreguläre Tage” (Irregular Days) is a book project by the photographer and writer Michael Schade — a student of Arno Fischer and Astrid Klein — which almost saw completion back in 2001. Conceived as a text and image book, it is an autobiographical record of the GDR in its final stages and the first years after the reunification. The book takes the subjective view of a young man growing up maladjusted in the GDR, constantly at odds with social norms. Thoughts on photography are included in various parts of the text, which maintains a unique balance of private and social observation. The photos selected by Michael Schade make reference to subjects from the subcultural visual language of the 1990s — they have an inclination for the casual, the ephemeral. Michael Schade died in 2004, aged 39. “Irreguläre Tage” is the first publication from the artist’s estate and is published on occasion of the exhibition at the dkw. Kunstmuseum Dieselkraftwerk Cottbus.

• 224 Seiten, Deutsch, fadengeftete Broschur mit zahlreichen Abbildungen/ 224 pp., German, thread-sewn paperback with numerous black-and-white illustrations, 11,2 x 18,2 cm
• Design: Markus Dreßen
• Redaktion: Falk Haberkorn
• Leipzig 2013
• Gewicht: 400 g
• ISBN: 978-3-940064-67-7
• 19.90 €
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Andrzej Wirth:

Flucht nach vorn. Gesprochene Autobiografie und Materialien

Am 10. April 1927 wurde Andrzej Tadeusz Wirth in dem kleinen Ort Włodawa geboren, der heute an der Grenze zwischen Polen und Weißrussland liegt. Wirth lebte später in Warschau, New York, London, Gießen, Berlin und Venedig – und war scheinbar immer im richtigen Moment am richtigen Ort, wenn es um neue Formen des Theaters ging. Er sah noch Brechts Berliner Ensemble, die Anfänge von Grotowski in Polen, war dabei, als Peter Handke der Gruppe 47 die Leviten las, und verfolgte den Aufstieg von Robert Wilson aus den Kellern Manhattans. 1982 gründete Wirth das Institut für Angewandte Theaterwissenschaften (ATW) in Gießen, die Schule des postdramatischen Theaters. Andrzej Wirth hat nun fast sein ganzes Leben „Flucht nach vorn“ erzählt.

Theorie des praktischen Tuns – Praxeologie – studierte Andrzej Wirth in den späten 1940er Jahren bei dem Logiker Tadeusz Kotarbiński in Lodz. Auch dem Theater näherte er sich später praxeologisch. Er experimentierte mit Brechts Lehrstücken: In New York inszenierte er 1973 „Die Maßnahme“ mit Tänzerinnen und befreite 1976 durch ein wochenlanges Schreibexerzitium Brechts „Fatzer“-Material von der Fatwa der Unberührbarkeit, das die Ostberliner Erben über diesen Text verhängt hatten. Die Gründung des Institut für Angewandte Theaterwissenschaften aber bleibt Wirths praxeologisches Meisterstück. „Von Brecht zu Pollesch“, eine Auswahl von fünfzehn Essays und Artikeln, die die gesprochene Autobiografie ergänzen, sind ein Crashkurs in ATW.

• 348 Seiten, Deutsch, mit 22 Abbildungen
• Gestaltung: Julia Born mit Nina Paim
• Herausgegeben von Thomas Irmer
• Leipzig 2013
• Gewicht: 900 g
• ISBN: 978-3-940064-05-9
• 28.00 €
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Michaela Melián / Thomas Meinecke:

IEMANJÁ. BEMBÉ DO MERCADO. SANTO AMARO, BAHIA

Thomas Meinecke schreibt: »Im Frühjahr 2010 wurde ich von der bahianischen Fundaçao Pedro Calmon für die Dauer von zwei Monaten in die Stadt Salvador da Bahia eingeladen und machte mich dort auf die Spuren des von mir verehrten Schriftstellers Hubert Fichte, der in dieser sehr afrikanisch geprägten, von tropischem Klima beherrschten, nordostbrasilianischen Stadt zwei seiner Romane maßgeblich spielen ließ (sowie zu großen Teilen dort auch verfasste): »Xango« und »Explosion«. Ich genoss es, mich nicht nur auf seinen Spuren durch die offiziellen und inoffiziellen Straßen der Millionenstadt zu bewegen, bis in die Tempel des Candomblé (von denen er wiederum bei Jorge Amado gelesen hatte), sondern auch meinen eigenen vor Ort entstehenden Roman (»Lookalikes«) als Palimpsest zu realisieren: in der Überschreibung bereits vorhandener Texte. Hubert Fichte wurde damals (auf seinen Reisen 1970/71 sowie 1981/82) von seiner Lebenspartnerin, der Fotografin Leonore Mau, begleitet, und es gab mehrere seiner ethnopoetischen Romane im S. Fischer Verlag in zweierlei Versionen: als reine Textbücher sowie als großformatige Bildbände, in denen Passagen der Romane (etwa aus »Xango«) als Subtext der Fotostrecken Leonore Maus (die wiederum als Romanfigur in seinen Büchern existierte) dienten.«

• 196 Seiten, Leineneinband
• Gestaltung: Christian Lange
• Leipzig 2013
• Gewicht: 500 g
• ISBN: 978-3-944669-25-0
• 22.00 €
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Olaf Nicolai / Jan Wenzel:

Labyrinth. Four times through the labyrinth

“This book on labyrinths is wonderful! It enlarges the traditional catalog of labyrinths so much and so well, being itself labyrinthine,” remarked Jean-Luc Nancy, the French philosopher, on the German edition, published by Spector Books, ISBN 978-3-940064-82-0, in summer 2012. Sadie Plant, author of “Zeroes + Ones: Digital Women and the New Technoculture”, has now translated Labyrinth into English.

The starting point for this transcript of four lectures, all held in Leipzig in 2010, is a public art work that Olaf Nicolai installed in Paris in 1998. By exploring and combining a broad spectrum of topics that relate to the theme of the labyrinth, this book serves as both, a reference system to Nicolai’s work as well as an independent source book dealing with labyrinthian matter ranging from the minotaur to the floorplans of IKEA. Published in collaboration with Rollo Press.

• 320 pp., English, ca. 280 black-and-white illustrations, perfect bound paperback
• Cover Design: Urs Lehni
• Translated by Sadie Plant
• Leipzig 2013
• Gewicht: 300 g
• ISBN: 978-3-944669-03-8
• 12.00 €
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Hg. Christin Müller:

Cross Over – Fotografie der Wissenschaft + Wissenschaft der Fotografie

Mit Texten von / with texts by Michel Frizot und Christoph Hoffmann und Kelley Wilder.

Wissenschaftliche Bilder faszinieren, weil sie Dinge und Vorgänge zeigen, die dem menschlichen Auge verborgen bleiben: Immer tiefer kann man in Mikro- und Makrokosmos eintauchen und diese in Bildern fixieren. Dient die Fotografie in der Wissenschaft daher hauptsächlich als Sehhilfe der Forschenden oder geht ihre Rolle weit darüber hinaus? Seit der Erfindung der Fotografie in den 1830er Jahren resultieren aus der wissenschaftlichen Praxis stetig neue Ansprüche an Visualisierungen und damit auch eine unablässige Ausweitung der Möglichkeiten des Mediums. Dadurch entstehen Bilder mit völlig anderen Prämissen als in der Dokumentar-, Werbe- oder Kunstfotografie. Was aber macht das delikate Verhältnis zwischen Fotografie und Wissenschaft aus? Was für Bilder entstehen dabei und wie lassen sich diese Aufnahmen lesen?

Scientific images are fascinating, because they reveal things and processes that remain hidden to the human eye. It has become possible to delve ever deeper into micro- and macrocosms and capture these worlds in images. In science does photography primarily serve as the visual aid of the researcher, or does is play a much larger role? Since the invention of photography in the 1830s new demands have been placed on the capacities of the medium as a result of developing scientific practices, which have led to the continuous fine-tuning of the possibilities of the photograph. Science thus produces images based on utterly different premises than those of documentary, advertising, or artistic photography. What defines the delicate relationship between photography and science? What photographs result, and how can they be interpreted?

Mit Werken u.a. von Anna Atkins, Auguste-Adolphe Bertsch, Hans Danuser, Liz Deschenes, Marion Denis, Harold Edgerton, Léon Foucault, Thomas Freiler, Bernhard Gardi, Raphael Hefti, Jules Janssen, Irène Joliot-Curie, Markus Krottendorfer, Albert Londe, Aïm Deüelle Lüski, Maschinensehen (Henning Arnecke, Lisa Bergmann, Christoph Oeschger, Elke Reinhuber), Melanie Matthieu, Aurélie Pétrel, Rodolphe Archibald Reiss, Hannes Rickli, Thomas Ruff, Adrian Sauer, Laurent Schmid, Sarah Schönfeld und Simon Starling.

Die Publikation erscheint anlässlich der gleichnamigen Ausstellung im Fotomuseum Winterthur (7.9. bis 17.11.2013).

• 112 Seiten, Deutsch/Englisch, Paperback, 21 x 27 cm
• Gestaltung: Trix Wetter
• Leipzig 2013
• Gewicht: 500 g
• ISBN: 978-3-944669-17-5
• 25.50 €
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Olaf Nicolai:

Escalier du Chant

Wie können Lieder politische Ereignisse reflektieren? Wie wird ein Lied zu einem Lied, das politisch ist? Der Künstler Olaf Nicolai lud elf internationale Komponisten ein, Lieder zu komponieren, die sich auf politische Ereignisse beziehen, die für sie von aktueller Bedeutung waren. An zwölf Sonntagen im Jahr 2011 wurden insgesamt 58 Lieder als A-cappella-Stücke auf der großen Treppe der Pinakothek der Moderne in München unangekündigt aufgeführt. Besucher fanden sich kurzzeitig wie Akteure eines Stückes wieder. In der Publikation „Escalier du Chant“ werden in 58 Notationsheften Auszüge aus den Liedern und Kommentare der Komponisten veröffentlicht; in dem Begleitheft erscheinen zahlreiche Fotos der Aufführungen. Mit Liedern von: Tony Conrad, Georg Friedrich Haas, Georg Katzer, Liza Lim, Samir Odeh-Tamimi, Enno Poppe mit Marcel Beyer, Rolf Riehm, James Saunders, Elliott Sharp, Mika Vainio, Jennifer Walshe.

How can songs reflect political events? How does a song become a political song? The artist Olaf Nicolai invited eleven international composers to write songs that reference political events which were of current relevance to them. Without prior announcement, a total of 58 songs were performed as a-cappella pieces on twelve Sundays in 2011 on the central staircase of the Pinakothek der Moderne in Munich. Visitors to the museum found themselves as actors in a staged performance for brief instances of time. The publication “Escalier du Chant” presents excerpts from the songs and commentaries by the composers in the form of 58 music sheets; the accompanying booklet contains various photographs of the performances. Including songs by: Tony Conrad, Georg Friedrich Haas, Georg Katzer, Liza Lim, Samir Odeh-Tamimi, Enno Poppe with Marcel Beyer, Rolf Riehm, James Saunders, Elliott Sharp, Mika Vainio, Jennifer Walshe.

• dreiteiliger Sammelschuber mit 58 Notationsheften inklusive Begleitheft 32 Seiten/Deutsch/ Englisch/ German/ English, triple case with 58 music sheets, including 32 page booklet
• Design: Till Gathmann/ Helmut Völter
• Leipzig 2013
• Gewicht: 1200 g
• ISBN: 978-3-940064-65-3
• 86.00 €
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Eugen Blume, Catherine Nichols (Hg.):

Das Ende des 20. Jahrhunderts. Es kommt noch besser

Kurz vor seinem Tod schuf Beuys seine Skulptur „Das Ende des 20. Jahrhunderts“ - vier Jahre vor dem Fall der Mauer. Die Zukunft fesselt Künstler wie kaum ein anderes Phänomen: das Planen und Hoffen, das Wünschen und Fürchten, das Fragen, was aus uns wird und wie. Besonders in Zeiten der Krise blüht das subjektive Spekulieren auf eine bessere, schlechtere oder auch ewig gleichbleibende Welt auf. Dieses existenzielle Interesse, das alle Enttäuschungen und Verirrungen des 20. Jahrhunderts überdauert, ja sich einverleibt hat, bildet den Ausgangspunkt für die neue Sonderausstellung der Nationalgalerie im Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart – Berlin, die den Blochschen Horizont des „Noch-Nicht“ in den Blick nimmt. In zehn Kapiteln werden Werke aus der Sammlung Marx und jüngere Positionen gezeigt, die die Formulierung von Beuys' titelgebender Skulptur „Das Ende des 20. Jahrhunderts“ assoziativ aufgreifen, erweitern und auch in Frage stellen. Dem Katalog liegt das Prinzip der Collage zu Grunde, das das Berliner Grafikdesignbüro cyan gemeinsam mit den Herausgebern für die abgebildeten Kunstwerke und ausgewählten Texte entwickelt hat. Verschiedene Textsorten – von Philosophie bis Lyrik, die das 20. Jahrhundert als Denkraum spiegeln –, treten in Dialog mit den Bildern. Die Ausstellung ist vom 13. September bis 31. März 2014 im Hamburger Bahnhof zu sehen.

• 224 Seiten/Deutsch/Hardcover, gebunden, fadengeheftet/ 30 cm x 24 cm
• Gestaltung: cyan, Berlin
• Leipzig 2013
• Gewicht: 1250 g
• ISBN: 978-3-944669-18-2
• 34.90 €
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Andreas Butter:

Die unsichtbare Bauhausstadt. Eine Spurensuche in Dessau

Mit einem Bildessay von Daniel Niggemann

Dieses Taschenbuch führt zu sechzehn Orten im Dessauer Stadtraum, die eng mit der Bauhausgeschichte verbunden sind. Vom Anhaltischen Theater bis zum Rathaus, von der Gemäldegalerie bis zur Staatsanwaltschaft. Das Buch führt auf Spuren, von denen heute nur noch wenige sichtbar sind, die aber wichtig sind, weil sie über Aufstieg und Vertreibung des Bauhauses in Dessau berichten.

This paperback is a guide to sixteen sites in the Dessau region that are closely connected to the history of the Bauhaus: from the Anhaltisches Theater to the town hall, from the paintings gallery to the public prosecutor’s office. The book follows the trails, few of which are still visible today, though they are still important for what they tell us about the Bauhaus’s rise in and expulsion from Dessau.

• 200 Seiten, fadengeheftete Broschur, mit ausfaltbarer Karte, Deutsch, 10,5 x 11,6 cm
• Design: Yvonne Tenschert auf Basis der Reihengestaltung von HORT
• Leipzig 2013
• Gewicht: 160 g
• ISBN: 978-3-940064-72-1
• 11.90 €
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Ines Sonder, Werner Möller, Ruwen Egri:

Vom Bauhaus nach Palästina. Chanan Frenkel, Ricarda und Heinz Schwerin

In den 1930er Jahren wandern etwa 25 Bauhausschüler und Absolventen nach Palästina aus. Die Mehrheit von ihnen kommt als Emigranten ins britische Mandatsgebiet, andere haben schon vor ihrem Studium am Bauhaus als zionistische Pioniere hier gelebt. Das Taschenbuch zeichnet die Biografien der drei Bauhäusler Chanan Frenkel, Ricarda und Heinz Schwerin nach, die sich im jüdischen Staat eine neue Existenz aufbauen. Sie prägen Architektur und Fotografie und leben zwischen zionistischer Begeisterung und erzwungenem Exil.

In the 1930s approximately 25 Bauhaus students and alumni moved to Palestine. The majority of the group came as emigrants, others had already been living there as zionist pioneers before their studies. The book follows the biographies of the three Bauhaus students Chanan Frenkel, Ricarda and Heinz Schwerin, as they start a new life in Israel and influence local architecture and photography, while coming to terms with zionist enthusiasm and the pains of forced exile.

• 144 Seiten, fadengeheftete Broschur, 10,5 x 11,6 cm
• Design: Yvonne Tenschert auf Basis der Reihengestaltung von HORT
• Leipzig 2013
• Gewicht: 200 g
• ISBN: 978-3-944669-11-3
• 9.90 €
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Luis Camnitzer:

Eco Book

Was ist, wenn die Zeit eine reine Illusion wäre und sich Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft gleichzeitig ereignen? Diese These des Physikers Craig Callender, nach der es nur darauf ankommt, nach welchem Schnittverfahren man eine ein- heitliche Raumzeit zerlegt, inspirierte den Konzeptkünstler Luis Camnitzer — geboren 1937 in Lübeck, aufgewachsen in Uruguay, seit 1964 in New York zu Hause, wo er heute als einflussreicher Künstler, Pädagoge, Kritikerund Kunst- theoretiker lebt. 2011 bediente sich Luis Camnitzer einer Essaysammlung von Umberto Eco und brachte sie mit Hilfe eines alternativen Schnittsystems in eine neue Ordnung. Camnitzers „Eco Book“ besteht aus 104 auf den ersten Blick hieroglyphisch an- mutenden Seiten, die nicht mehr entzifferbare arkane Struk- turen und Zeichen aufweisen und die gängigen Mechanismen der Zeicheninterpretation kurzerhand ad absurdum führen. Die unleserlichen Seiten sind ineinander geschobene, gleich- zeitig stattfindende Zeichen. Denn letztlich gilt es, Zeichen nicht nur zu beobachten, sondern sie auch zu verändern.

What if time was an illusion and past, present and future would all exist simultaneously? According to a thesis by physicist Craig Callender, it only depends on which method we use to segment continuous space-time. This idea was an inspiration to conceptual artist Luis Camnitzer — born 1937 in Lübeck, raised in Uruguay, living in New York since 1964, where he works as artist, teacher,critic and art scholar. In 2011 Luis Camnitzer took a collection of essays by Umberto Eco and put them back into a new order according to an alternative method of editing. Camnitzer’s “Eco Book” consists of 104 pages that seem hieroglyphic at first, filled with indecipherable arcane structures and signs, rendering the common mechanisms of interpretation absurd. The illegible pages are interleaved simultaneous signifiers. More than to merely look at signs, there is a need to alter them.

• ca. 126 Seiten, Deutsch/Englisch, fadengeheftete Broschur/ 12.1 x 17.1 cm
• Leipzig 2013
• Gewicht: 290 g
• ISBN: 978-3-944669-08-3
• 25.00 €
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Tobias Zielony:

Jenny, Jenny

Mit Texten von / With texts by: Ulrich Domröse, Maren Lübbke-Tidow, Vanessa Joan Müller

Tobias Zielonys aktuelle Fotoserie begann mit einer Zufallsbegegnung: Ein spontanes Gespräch mit einem jungen Paar in der Berliner U-Bahn und Zielonys Vorschlag, beide einmal zu fotografieren. Am nächsten U-Bahnhof entstehen einige schnelle Fotos auf dem Bahnsteig. Sie sei immer hier, sagt sie, er könne gerne wiederkommen für weitere Aufnahmen. „Hierher?“ — „Zum Straßenstrich, hier um die Ecke!“ Man verabredet sich also, Zielony porträtiert erst sie, später ihre Kolleginnen und Freundinnen. So entsteht die 40-teilige Fotoserie „Jenny Jenny“. Sie ist keine Dokumentation. Tobias Zielony unterläuft die journalistische Sehnsucht nach Eindeutigkeit und Gewissheit, denn die Frage nach der Authentizität des Subjekts scheint für ihn ebenso entschieden wie die Frage nach der Objektivität des Dokumentarbildes: Beide sind niemals frei von Inszenierung. Das Buch erscheint anlässlich der Ausstellung „Tobias Zielony: Jenny Jenny“ in der Berlinischen Galerie.

Tobias Zielony’s recent photo series started with a chance encounter. A conversation with a young couple on a Berlin subway train led Zielony to suggest to photograph them. At the next stop they took a few quick shots on the platform. She told him that she could always be found around here, and he could come back anytime to take more pictures. “Here?” — “I walk the street, right around the corner!” They meet again, Zielony first portrays her and then also her fellow prostitutes and friends. The result is the 40 part series “Jenny Jenny”. It is not documentary: Tobias Zielony avoids the journalistic impetus for certainty and truth. To him, the authenticity of the subject is as relevant as the question of the objectivity of the documentary image: both are never free of dramatic elements. The book is published on occasion of the exhibition “Tobias Zielony: Jenny Jenny” in the Berlinischen Galerie.

• 128 Seiten, Deutsch / Englisch, 50 ganzseitige Farbabbildungen; 128 pp., German / English, 50 colour illustrations
• Design: Prill Vieceli Cremers, Zürich, in Zusammenarbeit mit / in cooperation with Christian Hofer
• Leipzig 2013
• Gewicht: 600 g
• ISBN: 978-3-944669-00-7
• 32.00 €
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Bauhaus. Zeitschrift der Stiftung Bauhaus. Nr. 5 / TROPEN

152 Seiten, Deutsch, Englisch / 152 pp., German, English

Die Tropen als Sehnsuchtsort der Moderne stehen im Mittelpunkt der fünften Ausgabe der Zeitschrift bauhaus. So geht unter anderem Torsten Blume der Nacktkultur in der Moderne nach, Zvi Efrat schreibt über Arieh Sharons „tropisches Bauen“ in Nigeria, Brenda Danilowitz weist den Einfluss von präkolumbischer Kunst auf Anni Albers Webarbeiten nach, Carola Ebert und Stefan Locke widmen sich der Kulturgeschichte des Bungalows als globalem Wohnphänomen, Regina Bittner beschreibt den transkulturellen Austausch zwischen indischer und europäischer Moderne und Marion von Osten schildert den perfiden Propagandafeldzug der Nationalsozialisten gegen die Stuttgarter Weißenhofsiedlung, die als „Araberdorf“ denunziert wurde. Plus Magazinteil: Neues Informationsdesign nach Otto Neurath, Erich Borchert und sein Moskauer Schicksal und die Liebesaffären im Dessauer Ateliergebäude.

The fifth issue of Stiftung Bauhaus Dessau’s new periodical focuses on the role of the tropics as an ideal of modernism. Torsten Blume explores aspects of nudity in modernism, Zvi Efrat writes about Arieh Sharon’s “tropical architecture” in Nigeria, Brenda Danilowitz proves the influence of pre-Colombian art on Anni Alber’s work with textiles, Carola Ebert and Stefan Locke offer a cultural history of the bungalow as a global architectural phenomenon, Regina Bittner describes the transcultural exchange between Indian and European modernism and Marion von Osten analyses the insidious propaganda used by the Nazis to discredit the Weißenhof settlement in Stuttgart as an “Arab village”. Also includes articles on information design after Otto Neurath, Erich Borchert and his fate in Moscow and love affairs at the studio complex in Dessau.

• Cyan, Berlin
• Leipzig 2013
• Gewicht: 500 g
• ISBN: ISBN: 978-3-940064-6
• 8.00 €
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Mario Pfeifer:

A Formal Film in Nine Episodes, Prologue and Epilogue — A Critical Reader

Mario Pfeifers Buch „ A Formal Film...“ erscheint als Critical Reader zu seinem gleichnamigen Filmprojekt — wobei er das Genre innovativ erweitert. Die vielschichtige Auseinandersetzung mit den interkulturellen, filmhistorischen, politischen und urbanen Problemen, die in Pfeifers Film zur Sprache kommen, finden hier nicht nur auf der Ebene der Textbeiträge statt, sondern auch auf der Ebene der Materialität des Buches und in dessen Produktionsprozess selbst. Das Künstlerbuch entstand in Mumbai in sechs unterschiedlichen lokalen Drucktechniken. Die formalen Aspekte der Buchproduktion haben Mario Pfeifer und der Gestalter Markus Weisbeck im März 2012 vor Ort mit lokalen Herstellern und den mitwirkenden Autoren entwickelt.

Mario Pfeifer’s book “A Formal Film...” is a critical reader that is part of his film project of the same name — an innovative expansion of the genre. The complex exploration of the intercultural, film-historic, political and urban issues that are discussed in Pfeifer’s film not only surface on the level of texts, they also become manifest in the materiality of the book itself and its production process. The artist’s book was produced in Mumbai and created using six different local printing techniques. In March 2012 Mario Pfeifer and designer Markus Weisbeck set out the formal aspects of the publication in collaboration with local manufacturers and the authors of the texts.

• 300 Seiten, Hindi / Englisch, Hardcover 300 pp., Hindi / English, hardcover
• Gestaltung: Markus Weisbeck / Surface in collaboration with Grandmother India
• Herausgeber: Susanne Gaensheimer, Bernd Reiß — MMK Museum für Moderne Kunst Frankfurt am Main, Goethe Institut Max Mueller / Bhavan and KOW
• Leipzig 2013
• Gewicht: 885 g
• ISBN: 978-3-940064-60-8
• 49.00 €
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Doreen Mende, Estelle Blaschke, Armin Linke (ed.):

Doppelte Ökonomien. Vom Lesen eines Fotoarchivs aus der DDR. 1967-1990.

Der freischaffende Fotograf Reinhard Mende dokumentierte von 1967 bis 1990 im Auftrag von DDR-Kombinaten Industriebetriebe und die dort hergestellten Produkte, die auf der Internationalen Messe in Leipzig gezeigt wurden. Er nahm Arbeiterinnen an der Werkbank auf, er hielt Lampen, Staubsauger und Küchengeräte fest. Die rund 250.000 Bilder – Schwarz-Weiß und Farbfotografien – bieten einen einzigartigen Blick in die Werkhallen und auf die Menschen, die die Waren herstellten. Ein Blick, der von offiziellen Vorstellungen geleitet war und trotzdem versuchte, der eigenen Wahrnehmung zu folgen. Das Projekt DOPPELTE ÖKONOMIEN untersucht, wie man mit diesem einzigartigen Corpus an Bildern heute umgehen kann: wie man sie zugänglich macht, wie man historisches Wissen aus ihnen gewinnt, für welche Reflexion sie einen Ausgangspunkt bilden können. Neben einer Anzahl von Essays versammelt das Buch künstlerische Beiträge u.a. von Armin Linke, Olaf Nicolai und KP Brehmer.

Between 1967 and 1990, freelance photographer Reinhard Mende was commissioned by various GDR combines to document factories and the presentation of their manufactured products at the International Trade Fair in Leipzig. He portrayed women at their workbenches, he took shots of lamps, vacuum cleaners and kitchen appliances. The approx. 250,000 pictures in his archive – both in black and white and colour – offer a rare look at the factories and the people who produced all these commodities. Although the perspective was directed by official ideals, Mende followed his own view. The project “Double Bound Economies” explores how we might approach this unique body of images today: how we can access them, how we can derive historical insights from them, and for what considerations they might represent a starting point. Besides a number of essays the book includes artistic contributions by Armin Linke, Olaf Nicolai and KP Brehmer, among others.

• 448 Seiten, Deutsch / Englisch, fadengeheftete Broschur 448 pp., German / English, sewn paperback
• Design: Laure Giletti, Werkplaats Typografie
• Leipzig 2013
• Gewicht: 1650 g
• ISBN: 978-3-940064-46-2
• 36.00 €
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Christian Lange:

Lange Liste 79 - 97

"Lange Liste 79-97" dokumentiert das Alltagsleben der Familie Lange anhand von akribisch geführten Kassenbüchern. Tausende aufgelistete Posten über Lebensmittel, Steuern, Feste, Freizeitaktivitäten, Kleidung oder Geschenken sind über Jahrzehnte mit exakter Preisangabe von Gisela Lange, der Mutter des Gestalters, notiert worden. Um den Alltag der Familie narrativ zu umschreiben, wurden die ersten 18 Lebensjahre des Autors von 1979 bis 1997 exemplarisch analysiert und in Kategorien zusammengefasst. Kurzerläuterungen und Interviews mit Protagonisten der Liste beschreiben markante Punkte näher. Serien von Familienfotografien, Produktbildern, Zeugnissen und Quittungen ergänzen das Familienarchiv. "Lange Liste 79-97" gewährt mit insgesamt 12.051 Einträgen einen detaillierten Einblick in die verborgenen Wünsche, Genüsse und Verluste eines Familienhaushalts, der in zwei politischen und wirtschaftlichen Systemen geführt wurde.

Die Erzählung einer Kindheit und Jugend in Form eines Haushaltsbuches. Eine akribisch kalkulierende Mutter, die ihr knappes Geld zusammenhalten muss, hat hier unter der Hand den Rohstoff für experimentelle Literatur produziert. "Lange Liste 79-97" ist ein einzigartiges Buch über die Alltagsgeschichte in der späten DDR und der Bundesrepublik kurz nach der Wiedervereinigung.

Ausgezeichnet im Wettbewerb des Bundesamtes für Kultur (BAK) "DIE SCHÖNSTEN SCHWEIZER BÜCHER 2011" und mit dem Sächsischen Staatspreis für Design 2012.

Lange Liste 79–97 documents the daily lives of the Lange family using their meticulously kept account books—the story of a childhood and youth in the form of a housekeeping record. A painstakingly calculating mother who had to keep track of her limited funds unknowingly produced the raw material for experimental literature. Lange Liste 79–97 is a unique book about everyday history in the final days of East and West Germany shortly before reunification. Prizewinner in the Swiss Federal Office of Culture’s competition Die schönsten Schweizer Bücher (The Most Beautiful Swiss Books) in 2011 and in Sächsischer Staatspreis für Design (Design Prize of the State of Saxony) in 2012.

• 196 Seiten, Deutsch, fadengeheftete Broschur mit zahlreichen Schwarz-Weiß-Abbildungen mit englischem Supplement/196 pp., German, sewn paperback with numerous b-w-illustrations, 24.1 x 34 cm
• Auflage: 2./ 2nd edition
• Gestaltung: Christian Lange
• Leipzig 2013
• Gewicht: 1110 g
• ISBN: 978-3-940064-73-8
• 42.00 €
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MASCHINENSEHEN. Feldforschung in den Räumen bildgebender Technologien

Unzählige Kameraaugen und Sensoren sind heute auf die Welt gerichtet. Sie erfassen Land-massen und Meeresböden, die Oberflächen von Pflanzen, menschlichen und tierischen Körpern sowie die Beschaffenheit der Atmosphäre. Durch aufwendige Rechenprozesse werden die so gewonnenen Messdaten für das menschliche Auge in Bilder übersetzt. Diese Ver-fahren sind die Grundlage wissenschaftlichen Erkenntnisgewinns; sie dienen der Steuerung und Überwachung industrieller Produktionsprozesse und nicht zuletzt der Kontrolle und Entscheidungsfindung in Medizin, Recht und Politik. Das Ausstellungs- und Publikationsprojekt MASCHINENSEHEN gewährt Einblick in jene Orte, an denen an neuen Mess-, Visualisierungs- und Automationstechniken gearbeitet wird, und dokumentiert damit einen Bereich unserer Kultur, der einem so raschen Wandel unterworfen ist, dass das Wissen über aktuelle Konzepte, Geräte und Verfahren fast ohne Ausnahme in kürzester Zeit unwieder-bringlich verloren sein wird. Maschinensehen ist ein Kooperationsprojekt der HfG | Staatlichen Hochschule für Gestaltung Karlsruhe mit dem ZKM | Zentrum für Kunst und Medientechnologie Karlsruhe

Diese Publikation erscheint anlässlich der gleichnamigen Ausstellung im ZKM | Medienmuseum (2. März - 19. Mai 2013)

The world today is watched by the eyes of innumerable cameras. They observe landmasses, the depths of the oceans, the outward appearances of plants, humans and animals, as well as the makeup of the atmosphere. Through sophisticated algorithms the resulting data is translated into images for the human eye. These translation processes form the basis of scientific knowledge; they serve the control and supervision of industrial productions processes, and, last but not least, they influence control and decision-making in medicine, law and politics. The exhibition and publication project MASCHINENSEHEN offers a peek at the sites where these new technologies for measurement, visualisation and automation are developed. It documents an aspect of our culture which is subject to such rapid change, that current concepts, devices and processes will be irretrievably lost in only a short time. MASCHINENSEHEN is a cooperative project between HfG | Staatlichen Hochschule für Gestaltung Karlsruhe and the ZKM | Zentrum für Kunst und Medientechnologie Karlsruhe.

This book is published on occasion of the exhibition of the same title at ZKM | Medienmuseum (2 March - 19 May 2013)

• 184 Seiten, Deutsch/German, Paperback, 10,7 x 17,5 cm
• Gestaltung: Stefanie Miller und Chris Spatschek
• Herausgeber: Felix Mittelberger, Sebastian Pelz, Margit Rosen, Anselm Franke
• Karlsruhe/ Leipzig 2013
• Gewicht: 185 g
• ISBN: 978-3-940064-75-2
• 14.00 €
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Fabian Reimann:

Amateur

Als der russische Spion Rudolph Abel (1903 – 1971) am 21. Juni 1957 in New York festgenommen wurde, fand man in seinem Atelier über 50 Ölgemälde. Er hatte unter der Tarnung eines Amateurkünstlers und -fotografen spioniert. Sein Lieblingsmotiv: einsame alte Männer in der Großstadt. Fabian Reiman hat für sein Buch „Amateur“ in FBI-Archiven recherchiert, um sich einen Einblick in die Lebensumstände des Agenten zu verschaffen. Die Bilder, die das FBI vom Atelier und Schreibtisch des Künstlerspions anfertigte, zeugen von einer Existenz, die das Grundieren der Leinwand ebenso beherrschte wie das fachgerechte Basteln einer Wanze. Die Publikation erscheint anlässlich der Ausstellung „Amateur und Überflieger“ im Kunstverein Hannover 2013.

When the Russian spy Rudolph Abel (1903 – 1971) was arrested in New York on June 21, 1957, the FBI found fifty oil paintings in his studio. Abel had used his work as an amateur artist and photographer as his cover. His favourite subject: lonely old men in the big city. For his book “Amateur” Fabian Reiman has conducted research in FBI archives to learn about the circumstances of the life of the artist spy. The pictures taken by the FBI of Abel’s studio and workspace show him as someone who was adept in priming canvas as well as making wiretaps.
The book is published on occasion of the exhibition “Amateur und Überflieger” at Kunstverein Hannover, 2013.

• 116 Seiten, gebundene Klappenbroschur, German/ English, 116 pp., bound softcover with flaps, 21,5 x 29,5 cm
• Design: Florian Lamm
• Herausgeber: Kunstverein Hannover
• Leipzig/ Hannover 2013
• Gewicht: 590 g
• ISBN: 978-3-940064-74-5
• 28.00 €
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bauhaus: N°4 FOTO/ Die Zeitschrift der Stiftung Bauhaus Dessau

Die Bauhausfotografie steht im Mittelpunkt der vierten Ausgabe der Zeitschrift bauhaus, die von der Stiftung Bauhaus Dessau herausgegeben wird. Parallel zur Ausstellung „Das Bauhaus im Bild. Die Fotosammlung Thomas Walther“, die vom 5. Dezember 2012 bis zum 24. Februar 2013 in Dessau zu sehen ist, widmet sich das Heft der lichtkünstlerischen Hinterlassenschaft des Bauhauses. Da sind die bildgebende Fotografie eines László Moholy-Nagy, für den die Arbeit mit der Kamera die Verbildlichung einer Idee war und eben nicht die Abbildung einer Wirklichkeit. Seinem Antipoden Walter Peterhans ging es hingegen um nichts anderes als die präzise Vermessung der Wirklichkeit. T- Lux Feininger wiederum interessierte sich für den sozialen Augenblick, Umbo für das Porträt und die Reportagefotografie. Das von Moholy ausgerufene Neue Sehen kannte viele Facetten, ungewöhnliche Blickwinkel und Perspektiven.

The fourth issue of the new Bauhaus Dessau Foundation’s new journal is dedicated to photography at the Bauhaus and exclusively features twenty-six works from Thomas Walther’s collection that one day will expand the collection in Dessau. An interview with the collector Thomas Walther and an accompanying essay by Rolf Sachsse on the history of collecting Bauhaus photography open the issue. Wolfgang Thöner describes the Dessau masters’ home for László Moholy-Nagy and Lyonel Feininger as the nucleus of Bauhaus photography, and Torsten Blume devotes himself to the photo albums of students and teachers at the Bauhaus that have shaped its identity. Gottfried Jäger remembers Moholy-Nagy as the “Leonardo of the twentieth century,” and Franziska Brons writes about the early days of aerial photography. Plus a magazine section: Fifty years of Gropiusstadt, gleanings from documenta from the perspective of the Bauhaus, and Marcel Breuer and eroticism. Forthcoming

• 152 Seiten, 22.5 x 29.7 cm
• Gestaltung: Matthias Kreuzer, Jens Schildt, Our Polite Society
• Dessau/Leipzig 2012
• Gewicht: 450 g
• ISBN: 978-3-940064-63-9
• 8.00 €
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Heidi Specker:

MG Road

There will be no place in India - from small villages to big cities - without a road named after Mahatma Gandi. MG Road is one of the main streets in Ahmedabad. During my four week stay, I wove my way up and down the street at least once a day. Just as Gandhi encouraged people to weave their clothes for independence, I crafted MG Road from 27 images. (Heidi Specker)

Es gibt keinen Ort in Indien - weder ein Dorf noch eine Großstadt - ohne eine Straße, die nach Mahatma Gandhi benannt ist. In Ahmedabad ist die MG Road eine der Hauptstraßen. Hier hat sich für mich die Geschichte der Textilindustrie, der Kolonialisierung in den vier Wochen meines Aufenthalts täglich gezeigt. Von Gandhi stammt die Forderung, die eigene Kleidung selbst zu weben, um unabhängig zu werden. In diesem Sinne ist meine Serie MG Road aus 27 Kamerabildern gearbeitet. (Heidi Specker)

• 34.3 x 24.2 cm
• Auflage: 275 nummerierte Exemplare
• Gestaltung: Müller & Wesse
• Leipzig 2012
• Gewicht: 500 g
• ISBN: 978-3-940064-55-4
• 48.00 €
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Fabian Reimann:

Another Earth Catalog

Fabian Reimann nimmt den erstmals 1968 als umfassendes Verzeichnis für Werkzeuge zur Welt- und Selbstverbesserung publizierten „Whole Earth Catalog“ als Ausgangspunkt für eine letzte Ausgabe seines seit über zehn Jahren betriebenen, bildessayistischen Egozines „freeman’s journal“. Sein „Another Earth Catalog“ besteht aus einer, nur durch einen persönlichen Text unterbrochenen, Bildfolge: Abbilder der Utopien der späten 1960er Jahre – dabei handelt es sich nicht nur um die im „Whole Earth Catalog“ publizierten, sondern auch um andere visionäre Projekte aus jenen Jahren zwischen Kaltem Krieg und beginnender Postmoderne. Fabian Reimann folgt lose den fünf Kategorien des „Catalogs“ (Understanding Whole Systems, Shelter and Land Use, Industry and Craft, Communications, Community, Nomadics and Learning) und verknüpft die Visionen der späten 1960er Jahre mit aktuellen Bildern, die Entwicklungen aufzeigen, die in den Fantasien jener Jahre ihren Ursprung haben.

Fabian Reimann uses the „Whole Earth Catalog“, first published in 1968 as a concise reference of tools for the improvement of the world and the self, as the starting point for the final issue of his own, visual-essay style Egozine „freeman’s journal“, now in its tenth year. His „Another Earth Catalog“, only interrupted once by a personal essay, consists of a continuous stream of images: reproductions of the Utopian visions of the late 1960s — including not only material published in the „Whole Earth Catalog“, but also of other visionary projects from the Cold War period and the dawn of Postmodernism. Fabian Reimann loosely maintains the five categories of the „Catalog“ (Understanding Whole Systems, Shelter and Land Use, Industry and Craft, Communications, Community, Nomadics and Learning) and connects the visions of the late 1960s with current images that show developments which can be traced back to the fantasies of these earlier times.

• 192 pp., English, sewn paperback with 171 illustrations, 10,5 x 15 cm
• Gestaltung: Fabian Reimann, Weltprovinz
• 2nd extend edition out now 2014
• Gewicht: 165 g
• ISBN: 978-3-940064-64-6
• 12.00 €
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Idylle + Desaster. Die Fotosammlung Bogomir Ecker

Mit Beiträgen der Herausgeber, von Hubertus von Amelunxen, Oswald Egger und Sibylle Lewitscharoff und einem Gespräch von Annette Philp mit Bogomir Ecker

Seit vielen Jahren sammelt der Künstler Bogomir Ecker mit unkonventionellem Blick historische Fotografien: von Landschaftsaufnahmen des 19. Jahrhunderts aus aller Welt bis zur klassischen Presse- und Sensationsfotografie des 20. Jahrhunderts aus den USA. Die Bilder werden von ihm direkt für die künstlerische Arbeit verwendet, dienen aber auch als Inspirationsquelle für skulpturale Werke. Die Sammlung von Bogomir Ecker eröffnet einen Blick auf Bilder der Technik, auf die Versuchsanordnungen der Naturwissenschaft, auf die Betrachtung von Idyllen der Natur, auf Bilder von Naturkatastrophen, Gewalt und Unglücksfällen. Sie gewährt Blicke auf das Monströse der Gegenstände wie auf urbane Szenen von Gefahr und subtiler Bedrohlichkeit. Das Buch "Idylle + Desaster" erscheint anlässlich der Ausstellung von Bogomir Ecker im Museum für Fotografie Berlin (16.11.2012 bis zum 17.3.2013). Ab Januar 2013 wird das Braunschweiger Museum für Photographie die Ausstellung "Was das Foto verschweigt" Fotografien mit Retuschen und Übermalungen aus Bogomir Eckers Sammlung präsentieren.

For many years the artist Bogomir Ecker has, with his unconventional eye, collectedhistorical photographs: from nineteenth-century landscape photographs from all over the world to classical twentieth-century press and sensational photographs from the United States. He puts the photographs to direct use in his work as an artist, but they also serve as a source of inspiration for sculptural works. Bogomir Ecker’s collection open up a perspective on technological photographs, on science experiments, on how we see natural idylls, on images of natural catastrophes, violence, and accidents. It permits views into the monstrous qualities of objects and into urban scenes of danger and subtle threats. The book Idylle + Desaster is being published in conjunction with a Bogomir Ecker exhibition at the Museum für Fotografie in Berlin.

• 272 Seiten, Deutsch, ca. 350 farbige Abbildungen, Hardcover, 24.9 x 30 cm
• Gestaltung: Günter Karl Bose
• Herausgeber: Ludger Derenthal und Florian Ebner
• Leipzig 2012
• Gewicht: 1400 g
• ISBN: 978-3-940064-61-5
• 49.00 €
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Arne Schmitt:

Wenn Gesinnung Form wird. Eine Essaysammlung zur Nachkriegsarchitektur der BRD

Der Fotograf Arne Schmitt ist im Jahre 2010 mit seiner Kamera durch die alte Bundesrepublik – die westlichen Bundesländer – gefahren und hat jene Orte dokumentiert, die nach 1945 von Bomben zerstört waren und durch neue Bauten ersetzt wurden. Seine Schwarz-Weiß-Fotografien zeigen nüchtern den heutigen Zustand der architektonischen Entwürfe, die nach Kriegsende von einer Generation von Architekten gebaut wurde, die ihr Handwerkszeug bereits vor 1933 erlernt hatte und während der Zeit des Nationalsozialismus unter Schirmherrschaft des Generalinspekteurs Albert Speer ihre fachlichen Fähigkeiten in den Dienst des Staates stellten. Loyalität, Pragmatismus gepaart mit einer unpolitischen Haltung gegenüber den staatlichen Auftraggebern bestimmte ihre Arbeit. Als der Krieg beendet war, hatte sie schon die fertig ausgearbeiteten Pläne für die wiederherzustellenden Städte von Morgen in der Schublade. Die Zäsur, die viele Menschen nach 1945 durchlebten, ging an jener Architektengeneration vorbei. Sie bauten vom Nationalsozialismus in die Adenauer-Ära hinein. Sie hinterließen ihre sichtbaren Spuren: aufgelockerte Stadtlandschaften, Gebäude im modernen Stil, Verwaltungs-, Geschäfts- und Wohnhäuser mit zeitgemäßem Antlitz: unaufgeregt, funktional, leidenschaftslos. Man könnte auch sagen: kalt, ein Gefühl, das Alexander Mitscherlich in seinem Buch „Die Unwirtlichkeit unserer Städte“ festhielt und damit eine öffentliche Diskussion über die in Beton gegossenen Hinterlassenschaften jener Architekten entfachte, bei denen Gesinnung Form geworden war. Arne Schmitt hat davon ein beeindruckendes fotografisches Zeugnis abgelegt, die Fotografien eröffnen den Blick auf die bundesdeutsche Nachkriegsmoderne und die widersprüchlichen geistigen Strömungen, die in ihr zusammengefunden haben.

In 2010 the photographer Arne Schmitt traveled with his camera through the western states of Germany that constituted West Germany before reunification and documented the places that were destroyed by bombs during the war and replaced after 1945. His black-and-white photographs objectively reveal the current state of architectural designs built after the war by a generation of architects who had learned their craft prior to 1933. Loyalty and pragmatism paired with an apolitical attitude toward state clients marked their work. When the war ended, they had already had finished plans in their desk drawers for the construction the cities of tomorrow. Arne Schmitt has produced an impressive photographic documentation of the legacies of this generation of architects. His photographs open up a new perspective on postwar modernism in West Germany and the conflicting intellectual currents that coexisted there.

• 224 Seiten, Hardcover, Leinen gebunden, 18 x 24.6 cm
• Gestaltung: Timo Grimberg
• Inka Schube (Hrsg.) mit einem Text von Kathrin Peters
• Leipzig 2012
• Gewicht: 1100 g
• ISBN: 978-3-940064-56-1
• 32.00 €
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Lysann Buschbeck:

Hecht

Mit Gesprächsprotokollen von Claudia Gülzow
With interview notes by Claudia Gülzow

Als die Fotografin Lysann Buschbeck Ende der 1990er Jahre in eine Wohnung im Dresdner Hecht-Viertel zog, begegnete sie dort ihren jüngeren Nachbarn. Sie borgten sich Zigaretten, kamen häufig auf einen Tee vorbei. Lysann Buschbeck begann, die Jugendlichen in den Räumen zu fotografieren, die sie sich selbst geschaffen hatten – in leer stehenden Wohnungen, die es im Dresden der Nachwendezeit in Hülle und Fülle gab. Über einen Zeitraum von 13 Jahren begleitete die Fotografin die Heranwachsenden. „Hecht“ – benannt nach dem Stadtviertel in Dresden-Neustadt – eröffnet einen sensiblen Blick auf eine Gruppe ostdeutscher Teenager, deren Eltern Anfang der 1990er Jahre arbeitslos wurden und ihren Kindern keinen Halt mehr geben konnten, weil sie ihn selbst verloren hatten. Alkoholismus, körperliche Gewalt und Drogenerfahrungen gehörten zum Alltag der Heranwachsenden, wie sie in Gesprächen mit der Hamburger Autorin Claudia Gülzow erzählen.

When the photographer Lysann Buschbeck moved into an apartment in the Hecht neighborhood of Dresden in the late 1990s, she began to meet her younger neighbors. They bummed cigarettes and often came to her place for tea. Lysann Buschbeck began to photograph these young people in the spaces they had created for themselves in the many vacant apartment buildings in Dresden in the period after the fall of communism. Over a period of thirteen years, the photographer followed them as they grew up. Hecht—the title is taken from the neighborhood in the Neustadt section of Dresden—offers a sensitive look at a group of East German teenagers whose parents lost their jobs in the early 1990s and could no longer offer their children a solid footing because they themselves had lost theirs. Alcoholism, physical violence, and drugs were part of the everyday lives of these young people, as becomes clear in interviews with the Hamburg-based author Claudia Gülzow.

• 224 Seiten, Deutsch, fadengehefteter Leinenband/ 224 pp., German, sewn hardcover, clothbound, 15 x 21 cm
• Gestaltung: Joachim Bartsch
• Leipzig 2012
• Gewicht: 570 g
• ISBN: 978-3-940064-52-3
• 24.00 €
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Architektur aus der Schuhbox. Baťas internationale Fabrikstädte

Bauhaus Taschenbuch 2

168 Seiten, inkl. 32 Seiten Abbildungsteil, Deutsch. Mit Texten von Regina Bittner und Wilfried Hackenbroich

Die internationalen Fabrikstädte des tschechischen Schuhunternehmens Baťa sind ein frühes Beispiel der Globalisierung: Mit der Verlagerung des Produktionsstandorte ins Ausland wurde das gesamte „System Bat’a“ – von betrieblichen Sozialleistungen bis hin zu Städtebau und Architektur – exportiert. Weltwirtschaftskrise, Kolonialismus und internationaler Handel stimulierten die globale Expansion. Zlin in der Tschechischen Republik war Testfeld für die Produktion einer an der architektonischen Moderne orientierten Fabrikstadt. Hier wurde ein rationell herstellbares, massenhaft reproduzierbares und exportfähiges Modell entworfen. Am Beispiel von drei Satelliten des Bat’a Unternehmens – Batanagar in Indien, Möhlin in der Schweiz und East Tilbury in Großbritannien – wird die Geschichte des Zusammentreffens unterschiedlicher Modernisierungsmodelle und deren Entwicklung bis in die Gegenwart, nach der Schließung des Produktionsstandortes erzählt.

The international factory cities of the Czech shoe company Baťa are early examples of globalization: When moving the production sites abroad, the entire Baťa System—from company fringe benefits to urban planning and architecture—was exported. The world economic crisis, colonialism, and international trade stimulated global expansion. Zlin in the Czech Republic was the testing site for the production of factory city based on modernist architecture. The model was designed to be efficient, mass reproducible, and exportable. Using the example of three of Bat’a’s satellites—Batanagar in India, Möhlin in Switzerland, and East Tilbury in the United Kingdom—this volume tells the story of the coming together of different models of modernization and their evolution to the present, with the closing of the production site.

• 188 Seiten, 10.6 x 14.6 cm
• Reihengestaltung: Eike König, Hort
• Herausgeber: Stiftung Bauhaus Dessau
• Dessau/Leipzig 2012
• Gewicht: 120 g
• ISBN: 978-3-940064-62-2
• 9.90 €
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A Zine/ Aspekte architekturrelevanter Drucksachen: Das Phänomen Eigenverlag in gestaltenden Disziplinen

Die Frage, wie Haltungen und Inhalte in gedruckter Form distribuiert werden können, spielt seit einigen Jahren auch im architektonischen Kontext eine wichtige Rolle. Drucksachen bilden Knotenpunkte zwischen unterschiedlichen Disziplinen, kleine Plätze des Austauschs. Aber was genau macht ein Zine zu einem A Zine, einem Architectural Zine? Und warum publizieren Architekten heutzutage immer häufiger im Selbstverlag Bücher, Poster oder kleine Hefte? Christian Hoffelner erkundet in fünf Aufsätzen sowie in Gesprächen mit Jesko Fezer, Benjamin Sommerhalder, Dietmar Steiner, Cristiano Toraldo di Francia und Urs Lehni Aspekte architekturrelevanter Drucksachen.

The question how attitudes and content can be distributed in printed form has played an important role in the architectural context for several years now. Printed matter establishes nodes between different disciplines, small places for exchange. But what exactly makes a zine an A Zine, or Architectural Zine? And why are today’s architects increasingly publishing their own books, posters, and small volumes? Christian Hoffelner explores in five essays and in interviews with Jesko Fezer, Benjamin Sommerhalder, Dietmar Steiner, Cristiano Toraldo di Francia, and Urs Lehni various aspects of printed matter related to architecture.

• 188 Seiten, Deutsch, 16 x 23 cm
• Gestaltung und Text: Christian Hoffelner, CH Studio
• Leipzig 2012
• Gewicht: 255 g
• ISBN: 978-3-940064-53-0
• 12.00 €
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Die Siedlung Dessau-Törten 1926 bis 1931

Bauhaus Taschenbuch 7

Die Siedlung Dessau-Törten war zwischen 1926 und 1928 ein Versuchslabor für den industrialisierten Wohnungsbau. Das Bauhaus war mit der Frage konfrontiert, erschwinglichen Wohnraum für viele zu schaffen und kam zu ganz unterschiedlichen Antworten. Walter Gropius folgte der Gartenstadtidee und baute experimentelle Reihenhäuser in industrieller Vorfertigung, Hannes Meyer und Richard Paulick errichteten moderne Hochbauten mit städtischem Flair, Carl Fieger, Georg Muche und wiederum Paulick lieferten individuelle Solitäre. Die Siedlung mag manche Erwartungen auf originale Bauhausbauten auf den ersten Blick enttäuschen, aber sie erzählt mehr über das moderne Wohnen als andere Siedlungen der klassischen Moderne.

The Dessau-Törten estate served as a pilot project for industrialised housing between 1926 and 1928. The Bauhaus was confronted with the issue of providing cheap housing for large groups of people and arrived at different solutions. Walter Gropius pursued the garden city approach and constructed experimental terraced houses with elements of industrial prefabrication, Hannes Meyer and Richard Paulick developed modern high-rises with an urban flair, while Carl Fieger, Georg Muche and again Paulick proposed individual solitary buildings. On first glance, the estate might disappoint certain expectations of original Bauhaus architecture, but it can tell us more about modern housing than other estates of classic Modernism.

• 144 Seiten, Deutsch/ German (inkl. 32 Seiten Farbabbildungen und Faltplan zur Siedlung Törten und der Knarrbergsiedlung). Mit einem Text von Andreas Schwarting, 10.6 x 14.6 cm
• Gestaltung: Reihengestaltung Eike König, Hort
• Herausgeber: Stiftung Bauhaus Dessau
• Dessau/ Leipzig 2012
• Gewicht: 120 g
• ISBN: 978-3-940064-35-6
• 9.90 €
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Inke Arns, Francis Hunger, Fabian Saavedra-Lara:

History has left the Building

Francis Hunger ist ein Geschichtenerzähler des Informationszeitalters, der die medialen Instrumente für seine Performances und Installationen zu nutzen weiß. Mysteriöse Radiosignale, ein ternärer Computer, das weite Feld der sowjetischen Raumfahrt sowie das Verhältnis all dieser Bereiche zu fordistischen Produktionsregimen bilden die Fixpunkte seiner künstlerischen Auseinandersetzung mit Technologie- und Ideologiegeschichte. In dem Katalog wird ein visueller Essay von Till Gathmann und Francis Hunger abgedruckt, der die historische Epoche von 1917 bis 1990 umfasst - dem Beginn und Ende des Sozialismus in der Sowjetunion und in Osteuropa.

Francis Hunger is a storyteller of the information age who knows how to employ media instruments in his performances and installations. Mysterious radio signals, a ternary computer, the broad field of Soviet space travel, and how all these areas relate to Fordist regimes of production are the focal points of his efforts to grapple with the history of technology and ideology in his art. The catalog reprints a visual essay by Till Gathmann and Francis Hunger that covers the historical era from 1917 to 1990—the beginning and end of socialism in the Soviet Union and Eastern Europe.

• 104 Seiten, English/ German, sewn paperback, 16 x 22 cm
• Gestaltung: Till Gathmann
• Herausgeberin: Inke Arns (Hartware MedienKunstVerein)
• Leipzig, Dortmund 2012
• Gewicht: 265 g
• ISBN: 978-3-940064-50-9
• 15.00 €
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Arne Schmitt, Andrzej Steinbach:

It was the streets that raised me, streets that paid me, streets that made me a product of my environment

Die Straße ist das urbane Feld, in dem Musik, Skateboard, Graffiti und politische Aktionen aufeinandertreffen und in dem die beiden jungen Leipziger Fotografen Arne Schmitt und Andrzej Steinbach ihre Motive finden. Auf gemeinsamen Streifzügen durch Leipzig entstand 2009 ein Bildfundus, der ihre visuelle Umgebung beschreibt: Häuser, Straßen, Zeichen, Menschen, die sie prägen. Das Buch kombiniert die selbst aufgenommenen Fotos – Schwarzweiß und Kleinbild - mit Found-Footage-Material wie Platten-und CD-Cover, Buchillustrationen, Fotos aus Zeitschriften, Bilder aus dem Internet und vom Fernseher abfotografierte Stills. Beide Elemente – die eigenen Bilder und die gefundenen – sind zu einem fiktiven Skript montiert, in dem u.a. Leipzig 2009 mit New York City der späten 1980er zusammentrifft. Der Titel der Arbeit “It was the streets that raised me, streets that paid me, streets that made me a product of my environment” entstammt einem Hip-Hop-Song, der das Motiv der beiden Fotografen wiedergibt, eine Art innerer “Soundtrack”, der gleichzeitig die Form des Buches bestimmt: Eine Plattenhülle, in dem alle Bilder versammelt sind, auf der Rückseite – ähnlich wie die Liner Notes in der Musik – sind die Titel der Fotos abgedruckt.

Coming from a Hiphop and Punk/Hardcore background, the streets are the place where all our relevant references come together: music, skateboarding, graffiti, political action. The book thus combines self-taken photographs of our surroundings and found footage ranging from movie stills to reproduced magazines and record covers. Both layers are intertwined in a fictional script, formulating an attitude which links Leipzig in 2010 to the New York City of the late 80s, for example. The title „It was the streets that raised me, streets that paid me, streets that made me a product of my environment“ is a reference to what motivates our work: the streets of the city (in this work, Leipzig) as the setting – as well as our favored forms of subculture as the “soundtrack” of our artistic work. That is why it comes in a printed record sleeve; the content is totally pure, just pictures, while all information, similar to liner notes, are found on the sleeve.

• 72 Seiten, 28.5 x 32.5 cm
• Gestaltung: Lina Grumm, Annette Lux, HIT
• Leipzig 2012
• Gewicht: 505 g
• ISBN: 978-3-940064-43-1
• 20.00 €
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Nicola Reiter:

Firn - Aufzeichnungen am Gletscher

Um ihr Auskommen als freie Gestalterin aufzubessern, verbringt Nicola Reiter einen Sommer als Saisonkraft auf einer Vereinsberghütte in den Schweizer Alpen am Rand eines Gletschers. Als es nach tagelangem Nebel bereits Anfang August schneit, wird der Aufenthalt im Gebirge zu einer Belastungsprobe: Die Gäste bleiben fern, der Strom fällt aus und zum Schluss versiegt sogar das Wasser. In "Firn" protokolliert Nicola Reiter ihren neuen Alltag in Form eines literarischen Tagebuchs. Die Baumgrenze wird dabei zu einer imaginären Linie, die das Unvorhersehbare in den Bergen von dem bequemen Dasein in der Großstadt trennt.

„Nirgendwo in Blickweite gibt es ein weiteres von Menschen gemachtes Licht. Ich fühle mich mit der Taschenlampe in meiner Hand wie ein winziger Punkt und halte es für durchaus möglich, dass ich im nächsten Moment weggepustet werde, so wie ich eben die Kerzen in der Stube ausgeblasen habe.“
Auszug aus "Firn"

To increase her income as a freelance designer Nicola Reiter spends a summer working on a chalet near a glacier in the Swiss Alps. When, after several days of dense fog, it begins to snow in early August, her stay in the mountains turns into an endurance test: the guests stay away, the electrical power is malfunctioning and eventually the water runs dry. In "Firn" Nicola Reiter records her new everyday life in the form of a literary diary. The tree line appears as a mythical divide, separating the unpredictable events in the mountains from the comfortable life in the large city.

“There is no other light of human source anywhere within my range of view. Torch light in hand, I feel like an infinitesimal point and I begin to find it perfectly reasonable to imagine that I could be blown away at any given moment, just like the candles I have just blown out inside my room.” Excerpt from "Firn"

"Auch im Leser stellt sich ein Schwebezustand ein, eine Art atemlose Ruhe wie sie der beschriebenen hochalpinen Gegend anlastet. Eine merkwürdige, eine einzigartige Erfahrung. Es muss an der Sprache Reiters liegen, die das Ganze schmucklos eindringlich gestaltet. Auch das ein schwebender Eindruck. Großartige Prosa, wie ich sie besser in den letzten Jahren kaum gelesen habe." Jan Kuhlbrodt

Die gesamte Rezension bei fixpoetry.com

• 256 Seiten, Deutsch/ 256 pages, German, 11.8 x 18.4 cm
• Text, Fotografie, Gestaltung: Nicola Reiter
• Leipzig 2012
• Gewicht: 350 g
• ISBN: 978-3-940064-38-7
• 24.00 €
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Olaf Nicolai, Jan Wenzel:

Labyrinth - Ein Buch in vier Vorträgen

»This book on labyrinth is wonderfull! It enlarges so much and so well the traditional catalog of labyrinths, being itself labyrinthic.« Jean-Luc Nancy

"Warum tötete Theseus den Minotaurus?" - "Weshalb fand er den Ausgang des Labyrinths nur mit Hilfe des Ariadnefadens?" - "Erleichtert ein Mehr an Wissen die Orientierung? Oder wird es schwieriger, wenn wir verstanden haben, wie leicht es ist, sich zu verlaufen?" - "Wie kommt es, dass das Labyrinth uns im Handumdrehen zu Mitspielern macht? Warum kommen wir nicht los von diesem Gewirr aus Linien und Gängen?" - "Ist der Weg ins Zentrums des verwickelten Gängereichs leichter zu finden als der Weg zurück in die Freiheit?"

The starting point for this transcript of four lectures, all held in Leipzig in 2010, is a public art work that Olaf Nicolai installed in Paris in 1998. By exploring and combining a broad spectrum of topics that relate to the theme of the labyrinth, this book serves as both, a reference system to Nicolai’s work as well as an independent source book dealing with labyrinthian matter ranging from the minotaur to the floorplans of IKEA. — Published in collaboration with Rollo Press.

• 320 Seiten, Deutsch, Broschur mit ca. 280 Abbildungen, 12.5 x 18.7 cm
• Gestaltung: Urs Lehni
• Leipzig / Zürich 2012
• Gewicht: 275 g
• ISBN: 978-3-940064-82-0
• 12.00 €
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The Bakery:

IDEA in ACTION

Contributors: Tim Etchells, Didier Faustino, Barbara Formis, Heiner Goebbels, RoseLee Goldberg, Hubert Machnik, Chantal Pontbriand, Chris Salter, Susan Sgorbati

American dancer and choreographer Richard Siegal created an artistic network called THE BAKERY in 2005 devoted to interdisciplinary research and production. Along with performing artists, Siegal works with architects, composers, new media experts, designers, and theoreticians. Together they explore new directions in performance related to technology and the other arts. The exploration of these relationships has resulted in interactive installations, such as IF / THEN INSTALLED or LOGIC GATE, which have been shown in various museums and exhibition halls, as well as dance performances and site-specific projects. THE BAKERY is a cross-disciplinary initiative, it invites others to partake in an ongoing discourse. This book presents contributions by internationally acknowledged artists, writers, and curators who look at performance-making from the points of view of their specific fields.

Der amerikanische Tänzer und Choreograph Richard Siegal gründete 2005 THE BAKERY - ein künstlerisches Netzwerk, das sich der interdisziplinären Forschung verschrieben hat. Siegal arbeitet mit Performancekünstlern zusammen, aber auch mit Architekten, Komponisten, Experten für neue Medien, Designern und Theoretikern. Gemeinsam erforschen sie neue Wege zwischen Performancekunst, Technologie und anderen Künsten. Diese Forschungsergebnisse wurden in interaktiven Installationen wie IF / THEN INSTALLED oder LOGIC GATE übersetzt, die bereits in vielen Museen, Ausstellungsräumen sowie in Tanzperformances und ortsbezogenen Projekten zu sehen waren. THE BAKERY ist ein grenzüberschreitendes interdisziplinäres Projekt, das andere einlädt, um an dem fortlaufenden Diskurs teilzunehmen. Das Buch bringt Beiträge von international bekannten Künstlern, Autoren und Kuratoren zusammen, die über Performance aus ihrem jeweiligen Blickwinkel reflektieren.

• 96 pp., English, sewn paperback in slipcase, 21.5 x 27.2 cm
• Design: OK-RM (Oliver Knight & Rory McGrath with Jenny Eneqvist), London
• Editors: Christine Peters, Richard Siegal, Dieta Sixt
• Leipzig 2012
• Gewicht: 450 g
• ISBN: 978-3-940064-36-3
• 24.00 €
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Olaf Nicolai:

Noms de Guerres

"Noms de Guerres" ist eine Serie von Texten in der Tradition experimenteller Poesie. Das Wortmaterial für diese Arbeit stammt aus einer Recherche über Militäroperationen nach 1945 und besteht ausschließlich aus den für diese Aktionen verwendeten Codenamen. Kurze Erläuterungen zu den jeweils bezeichneten Operationen befinden sich am Ende des Buches.

"Noms de Guerres" was created as a textual piece in 36 parts. The verbal material for this series of poems derives from a study of post-1945 military campaigns and consists exclusively of the codenames employed for specific campaigns. Brief explanatory notes on each of the designated operations can be found in the final section of the book.

• 96 Seiten, Englisch, fadengeheftete Broschur mit Schutzumschlag/ 96 pp., English, stiched paper-bound book with dust cover, 13 x 21 cm
• Gestaltung: Markus Dreßen, Spector Bureau
• Leipzig 2012
• Gewicht: 145 g
• ISBN: 978-3-940064-47-9
• 25.00 €
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Marcel Breuer: Designer und Architekt

Bauhaus Taschenbuch 4

Eine reich bebilderte Auswahl aus den Schriften von Marcel Breuer, der 1902 in Ungarn geboren wurde und dort aufwuchs. Breuer studierte am Bauhaus und leitete dort von 1925 bis 1928 die Möbelwerkstatt als Jungmeister. Protegiert von Walter Gropius entwickelte Breuer zahlreiche Stahlrohrmöbel wie den legendären Sessel Wassily, die ihren Erfinder bald international bekannt machten. Mit Möbeln aus Aluminium und verformtem Schichtholz schrieb er in den 1930er Jahren erneut Designgeschichte, ehe er 1937 in die Vereinigten Staaten übersiedelte. Seine der Moderne verpflichteten Bauten, vor allem Einfamilienhäuser, Universitäts- und Bürogebäude sowie Kirchen und Museen fanden weltweite Beachtung und galten vor allem in den 1950er und 1960er Jahren als vorbildlich.

• 184 Seiten, inkl. 56 Seiten Abbildungsteil, Deutsch, 10.6 x 14.6 cm
• Reihengestaltung: Eike König, Hort
• Mit Texten von Marcel Breuer, Matthias, Remmele, Lutz Schöbe
• Dessau/Leipzig 2012
• Gewicht: 150 g
• ISBN: 978-3-940064-49-3
• 9.90 €
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bauhaus: N°3 Dinge/ Die Zeitschrift der Stiftung Bauhaus Dessau

Die dritte Ausgabe der Zeitschrift "bauhaus", die von der Stiftung Bauhaus Dessau herausgegeben wird, ist den Dingen gewidmet. „Ein Ding ist bestimmt durch sein Wesen“, schrieb der Bauhausgründer Walter Gropius 1925. Das Wesen der Dinge zu erforschen, hat sich die Zeitschrift vorgenommen. Parallel zur großen Retrospektive des Jahrhundertgestalters Marcel Breuer wurden Dinge ausgewählt, die auf den ersten Blick banal erscheinen mögen, an denen sich aber Utopie und emanzipatorische Wirkung, Fetisch und Konsumverhalten untersuchen lassen – vom Teelöffel bis zum Kaktus, vom Preisschild bis zum Spiegel, von der Schachtel bis zum Fahrplan. Das Heft unternimmt den Versuch, herauszufinden, wie das Bauhaus den Umgang mit den Dingen verändert hat und wie sich die Auseinandersetzung mit dem "Ding an sich" heute gestaltet.

The third issue of the magazine bauhaus is dedicated to things. „A thing is defined by its essence“, wrote the Bauhau's founder Walter Gropius in 1925. The current issue has committed itself to exploring the essence of objects. Parallel to our large retrospective of the designer of the century, Marcel Breuer, for this issue we have sought out objects that may at first sight appear banal, but which permit the analysis of utopia and amancipatory effect, of fetish and consumer behaviour – from teespoon to cactus, from price tag to mirror, from casing to timetable. This issue endeavours to discover how the Bauhaus has changed the way we deal with things and what the debate about the object per se has developed into today.

• 152 Seiten, 152 pp., German/ English, 22.6 x 29.6 cm
• Gestaltung: Matthias Kreuzer, Jens Schildt, Our Polite Society
• Dessau/Leipzig 2012
• Gewicht: 400 g
• ISBN: 978-3-940064-48-6
• 8.00 €
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Inka Meißner:

SOME DEATHS

Mit Texten in deutscher, französischer und englischer Sprache

SOME DEATHS ist eine Sammlung jeweils letzter Buchseiten aus 67 Romanen der vergangenen zweihundert Jahre, auf denen mehr oder weniger buchstäblich das Ende eines fiktiven Lebens erzählt wird. Der Tod der Figur und das Ende eines Buches fallen zusammen: ein doppeltes Ende also. Mit geübtem Auge erkennt man Kafka, Flaubert oder Woolf auf den ersten Blick, aber interessant wird vor allem die literarische Vielfalt, die sich im Zuge der Lektüre über die letzten Minuten einer fiktiven Biografie ergibt. Man könnte an Trauerarbeit denken, muss man aber nicht.

• 152 Seiten, fadengeheftete Broschur, 14.5 x 23 cm
• Gestaltung: Anna Lena von Helldorff, buero total
• Leipzig 2012
• Gewicht: 170 g
• ISBN: 978-3-940064-37-0
• 16.00 €
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Anthem for the People's Tomorrow

A collaborative project by the Master of Fine Art graduates of the Piet Zwart Institute

This publication was made in conjunction wih the graduation show of the Master of Fine Art students of 2011 at the Piet Zwart Institute, Willem de Kooning Academy, Rotterdam, entitled "Anthem for the People's Tomorrow", curated by Ellen Blumenstein after having worked together with the students over the course of a year. The publication was conceived as an independent collaborative project which was developed during a three-day workshop at Salon Populaire in Berlin and was edited by the graduates of the Piet Zwart Institute 2011. with: Giles Bailey, Martijn in't Veld, Rachel Koolen, Serena Lee, Arvo Leo, Anna Okrasko, Susana Pedrosa, Linda Quinlan, Lee Welch, Camilla Wills, Timmy von Zoelen

My friends (yes) the People's Tomorrow is upon us (oooh) Long (oooh) have we awaited this moment. (right now) 2, 3, 4 (organ count-in) Long have wie sought the way, of living in harmony. Long have we dreamt of it, the promise of harmony. We have dreamt of it, hand in hand, voices raised in song. Show us the way! (shouted) We have made the promise, and now it is here. From: ANTHEMS OF THE PEOPLE'S TOMORROW

• 180 pp., English, 11.3 x 18 cm
• Gestaltung: jung+wenig
• Herausgeberin: Ellen Blumenstein
• Leipzig 2012
• Gewicht: 190 g
• ISBN: 978-3-940064-32-5
• 14.00 €
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Józef Robakowski

Der polnische Künstler Józef Robakowski gilt als Pionier des Avantgardefilms und der Videokunst. Mit anderen Künstlern in einen Dialog zu treten und diesen in und durch die Kunst sichtbar zu machen - dies war seit Anfang der 1960er Jahre bis heute bedeutender Bestandteil von Józef Robakowskis (*1939, Poznán) Werk. Robakowski ist der Schöpfer experimenteller Werke, der Künstler, der auf die Eigenheiten der jeweiligen Umstände reagiert und außerhalb des offiziellen Museen- und Galeriensystems operiert, um politische und kritische Arbeiten präsentieren zu können. Die Wichtigkeit des gegenseitigen Vertrauens und das Credo kollektiver Äußerungen und gemeinsamer Erfahrungen bekunden die Aktivitäten und Aktionen der "Exchange Gallery", die der Künstler 1978 in seinem Apartment in Lódz gründete. Das Buch gibt mit zahlreichen Schwarz-Weiß-Fotos und Samisdat-Texten aus den 1970er und 1980er Jahren einen Einblick in die zurückliegenden Jahrzehnte seines Schaffens. Józef Robakowskis erste deutsche Retrospektive wurde im Juni 2012 im ZKM in Karlsruhe gezeigt.

Engaging in dialogue with other artists while at the same time rendering this visible in and through art has been one of the key aspects in Józef Robakowski’s (*1939, Posen) oeuvre from the 1960s. With this as its point of departure, the book covers, above all, the wealth of Robakowski’s ideas and methods in his collaboration with other artists. Robakowski is shown as an avantgarde-filmmaker and as a creator of experimental work responding to the specificities of context, working outside the official museum and gallery system to present politically critical works. The book accompanied his first US solo-exhibition in Ludlow 38 New York in 2011 and his first retrospective in ZKM Karlsruhe in 2012.

• 152 Seiten, dreisprachig, Polnisch, Englisch, Deutsch/152 pp., trilingual, Polish, English, German, 21.3 x 30.3 cm
• Gestaltung: Lina Grumm, Annette Lux, HIT
• Herausgegeben von Ludlow 38 New York
• Leipzig 2012
• Gewicht: 595 g
• ISBN: 978-3-940064-34-9
• 18.00 €
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Natalie Czech:

Je n'ai rien à dire. Seulement à montrer. / Ich habe nichts zu sagen. Nur zu zeigen. / I have nothing to say. Only to show.

Mit Texten von Vanessa Joan Müller, Dorothea Zwirner und Eckhard Schumacher

"So gelingt Natalie Czech etwas, das alles andere als selbstverständlich und in der Literatur wie in der bildenden Kunst nur selten zu beobachten ist: Ihre Arbeiten basieren auf Versuchsanordnungen, die auf der Grundlage von vorgefundenen Texten durch nachträgliche Ergänzungen etwas Neues hervorbringen und dabei zugleich vermeintlich bekannte Texte – etwa von Apollinaire, O'Hara oder Brinkmann – auf faszinierende Weise für neue Lektüren öffnen, in anderen Kontexten, durch andere Medien, als Bilder, im Medium der Fotografie neu entdecken und dabei wie neu erscheinen lassen." - Eckhard Schumacher in seinem Essay in diesem Band

"Natalie Czech therefore accomplishes something completely unexpected, something rarely seen either in literature or the visual arts: her works are based on experimental designs that engender something new by subsequently amending found texts, while at the same time opening up known texts—by Apollinaire, O’Hara or Brinkmann—to new readings in a fascinating way, thus rediscovering these works in other contexts, through other media, as images, through the medium of photography, and hence allowing them to reemerge asnew." - Eckhard Schumacher in his essay in this publication

• 96 Seiten, 23.2 x 34 cm
• Gestaltung: Kay Bachmann
• Leipzig 2012
• Gewicht: 730 g
• ISBN: 978-3-940064-40-0
• 26.00 €
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Edited and commented by Gregor Stemmrich:

Robert Morris: Hearing

Die Installation „Hearing“ (1972) des amerikanischen Künstlers Robert Morris gilt als ein wesentliches Werk der konzeptuellen Kunst. „Hearing“ besteht aus einem rund dreistündigen Hörstück, das ein fiktives Kreuzverhör aus der Sicht eines Zeugen zur Rolle von Kunst, Politik und Gesellschaft abbildet. Der Text von „Hearing“ liest sich heute mit all seinen Zitaten und Querverweisen als ein Stück Literatur und wird hier erstmals auf Englisch mit einem Essay und Kommentaren von Gregor Stemmrich abgedruckt.

Robert Morris' sculptural installation "Hearing" includes an audio recording of a fictitious hearing that is focussed on the aesthetic, political, historical and moral views of a "witness". The work is taken as a point of departure. Investigations relating to the various issues involved will take works of other artists into consideration. "Hearing" appears today as a piece of literature. Gregor Stemmrich edited and commented "Hearing" by Robert Morris in english for the first time.

• 146 Seiten, Englisch, fadengeheftete Klappenbroschur, 21.7 x 28 cm
• Gestaltung: Till Gathmann
• Leipzig 2012
• Gewicht: 490 g
• ISBN: 978-3-940064-39-4
• 26.00 €
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THE MAKING OF THE CHINESE NEW YORK WORKING CLASS THIRTY YEARS OF MIGRATION Chinas neue Arbeiterklasse Dreißig Jahre Wanderarbeit

Vor 30 Jahren wurde in China eine Reformpolitik eingeleitet, die sich der westlichen Globalisierung öffnete. Als Ergebnis entstand eine neue Arbeiterklasse: die Wanderarbeiter, die mittlerweile mehr als 200 Millionen zählt und den wirtschaftlichen Aufstieg Chinas im weltweiten Wettbewerb überhaupt erst ermöglichte. Die Publikation entstand zur Ausstellung "The Making of the Chinese New Working Class" vom Culture and Art Museum of Migrant Workers (CAMMW) Beijing und wurde im Ludlow 38, New York 2011 gezeigt. Das CAMMW geht auf eine Idee von Sun Heng zurück, einem Ex-Wanderarbeiter und Musiker, der mit dem Museum die Rechte von chinesischen Wanderarbeitern stärken und die Bildung ihrer Kinder unterstützen wollte.

In the past thirty years since China first adopted reform policies, opening its doors to the world, the country has progressed extremely fast in areas of industrialization, urbanization, and economic development. The main reason for this development has been the two hundred million plus migrant workers who have played an indispensable role in the country's rise while also contributing greatly to the world economy. The publication accompanied the exhibition "The Making of the Chinese New Working Class" by the Culture and Art Museum of Migrant Workers (CAMMW) Beijing shown in Ludlow 38, New York 2011. CAMMW goes back to an idea of Sun Heng, a former migrant worker and musician, who wanted to support the rights of migrant workers and provide education for their children. "The opression that migrants face from the forces of capitalism is comparable to past colonial exploitation." Quotation from: "The Making of the Chinese New Working Class - Thirty Years of Migration"

• 80 Seiten, dreisprachig: Chinesisch, Englisch, Deutsch; fadengeheftete Broschur, 80 pp., trinlingual, German, English, Chinese, 28 x 21.6 cm
• Gestaltung: Lina Grumm, Annette Lux, HIT
• Herausgegeben von Ludlow 38
• New York, Leipzig 2012
• Gewicht: 240 g
• ISBN: 978-3-940064-42-4
• 14.00 €
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Bahman Jalali:

Days of Blood, Days of Fire (Reprint)

1978-79 fotografierte Bahman Jalali die iranische Revolution. Das Buch »Days of Blood, Days of Fire« ist ein emphatisches Dokument seiner Zeugenschaft: Demonstrationen, Straßenschlachten, Khomeini-Plakate und schließlich Khomeini selbst, wie er sich seinen Anhängern präsentiert. »Die Massendemonstrationen vereinigten für einen historischen Moment politisch radikale Studenten, die bürgerliche Mittelklasse und die religiöse Landbevölkerung in einem genuin antiimperialistischen Kampf. Die Khomeini-Plakate wurden nicht nur von Burka-Trägerinnen, sondern auch von adrett gekleideten Mädchen aus gutem Hause und von Che-Guevara-Wiedergängern getragen.
Bei genauerer Betrachtung sind schon diesen Bildern Spannungen eingeschrieben, die etwas damit zu tun haben könnten, warum nach dem Fall des Shah-Regimes die Koalition der Revolutionäre zerbrach. Die unterschiedlichen gesellschaftlichen Gruppen frequentieren zwar die selben Demonstrationen, im gleichen Bildkader aber finden sie nur selten Platz. Und die wenigen Fotografien, auf denen dies doch der Fall ist, sehen zwar nicht aus wie gestellt, wirken jedoch wie Montagen. Die Fotografien halten Auseinanderstrebendes fest und präparieren eine Hoffnung, von der wenig übrig geblieben ist.« (Lukas Foerster in Cargo)

1979 wurde die dritte Auflage von »Days of Blood, Days of Fire« im Iran verboten. Der Reprint, der durch Texte von Rana Javadi und Catherine David kontextualisiert wird, macht dieses Revolutionsbuch nun wieder zugänglich.

• 120 Seiten
• Leipzig 2012
• ISBN: 978-3-940064-45-5
• 26.00 €
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Jutta Schwerin:

Ricardas Tochter
Leben zwischen Deutschland und Israel

Gebundene Leinenausgabe mit 65 Schwarz-Weiß-Fotografien

Als hoffnungsvolle Studierende am Dessauer Bauhaus lernen sie sich kennen: Ricarda und Heinz, die Eltern von Jutta Schwerin – und geraten schon bald in den Strudel der weltgeschichtlichen Ereignisse: Das Bauhaus wird als »verjudete Brutstätte des Bolschewismus« von den Nazis geschlossen, Heinz auf seiner nächsten Lebensstation in Frankfurt von der SA verhaftet. Nach geglückter Flucht müssen sich die beiden in Jerusalem eine neue Existenz aufbauen. Als ihre Tochter sieben Jahre alt ist, stirbt Heinz bei einem Einsatz der Hagana.

»Meine Mutter und ich hatten eine unglückliche Liebesgeschichte miteinander.« Auf der Suche nach dem, was ihre Mutter geprägt hat, begibt sich Jutta Schwerin tief hinein in eine Familiengeschichte voller Ambivalenzen und offener Fragen. Und auch ihr eigenes Leben hält dramatische Wendungen parat: große Lieben, Kinder, Abschiede, Neuanfänge – und Begegnungen mit eindrucksvollen Persönlichkeiten wie David Ben-Gurion, der Fotografin Ellen Auerbach, der Journalistin Charlotte Beradt und Hannah Arendts Mann Heinrich Blücher. Sie erzählt von Menschen, die sich wie sie politisch engagieren, sei es in der kommunistischen Jugend, im SDS, in der Frauenbewegung, in der Kommunalpolitik oder als Bundestagabgeordnete der Grünen. So bilden ihre Erinnerungen nicht nur eine Annäherung an die Eltern, sondern eine Hommage an widerständige Charaktere, die wissen, wann es an der Zeit ist, »nein« zu sagen. Jutta Schwerin erzählt in klaren Bögen, unsentimental, aber voller Empathie von dem, was das Leben ausmacht. Ob nun in Abgrenzung zur Mutter oder in der Fortsetzung ihrer Ideale und ihres selbstbestimmten Weges, eins bleibt sie immer: Ricardas Tochter.

„Wie frei, wie klug, wie unbeirrbar die Autorin ist. Ein Buch, dem man wünscht, es würde Pflichtlektüre im Gemeinschaftskunde-Unterricht.“

Jan Seghers in seinem Internettagebuch, 18. Mai 2012

• 320 Seiten, Deutsch, 14.8 x 21 cm
• Gestaltung: Katharina Köhler
• Leipzig 2012
• Gewicht: 515 g
• ISBN: 978-3-940064-33-2
• 19.90 €
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